Arte extranjero y ruso del siglo XVIII. enciclopedia escolar

Aunque también hay que reconocer que ya en el siglo XVII aparecieron nuevos cambios, a principios del siglo XVIII el nuevo arte se desarrolló rápidamente y logró una victoria decisiva. Así, el arte ruso del siglo XVIII difiere marcadamente en muchos aspectos del arte ruso antiguo medieval, aunque tiene conexiones internas con él. Los rasgos característicos del arte del siglo XVIII son la secularización del arte, es decir.

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ARTE RUSO SIGLO XVIII

El siglo XVIII es un período importante en la historia de Rusia.Este es un momento de cambio, de reestructuración.económico, político, militar, socialestructura de Rusia, así como cambios V educación, ciencia Y arte. Las reformas de Pedro iniciaron nuevas transformaciones. I.

Pedro I dirigió al país hacia el camino de la civilización europea.Estamos en un momento de proceso activo de europeización de la vida rusa.. La transición de la antigua Rusia a la Nueva Rusia, de la Edad Media a los tiempos modernos, duró en Rusia casi trescientos años y tuvo lugar mientras ya se habían formado nuevas formas de vida en Occidente. En sólo 50 años, Rusia en todos los ámbitos tuvo que recorrer el mismo camino de desarrollo que duró 2 o 3 siglos en Occidente.El desarrollo adquiere un carácter dinámico, intenso y activo. Por eso Un rasgo característico del arte ruso es el desarrollo "comprimido".Esta compresión dio lugar a la existencia paralela de varias corrientes estilísticas en el arte ruso, la inconsistencia de algunos fenómenos culturales con las condiciones objetivas, la falta de coherencia en los cambios y su sincronicidad en diferentes esferas del arte.No hay un flujo fluido de una etapa a otra, pero estamos hablando de puntos de inflexión y curvas cerradas.Aunque también hay que reconocerel hecho de que han aparecido nuevos cambios en XVII siglo, pero a principios XVIII siglo, el nuevo arte recibe un rápido desarrollo y logra una victoria decisiva. Pedro I Fue la locomotora que impulsó la formación de una nueva era.El ascenso al trono de quien estaba destinado a convertirse en el primer emperador ruso significó el fin de la Edad Media con el predominio de la "piedad religiosa", el culto a la estadidad y al poder estatal, y la formación del arte secular.

El arte secular ruso nació bajo el rugido de los fuegos artificiales de Pedro el Grande.Peter como persona tuvo cierta influencia en la formación del nuevo arte. Las innovaciones de la era de Pedro el Grande se reflejaron en un cambio en gran medida violento en la vida cotidiana y en la invasión de nuevas modas. Peter envía gente a estudiar al extranjero. El propio Peter está interesado en muchas cosas y muestra conocimientos profesionales en muchos temas.

El deseo de comprender el mundo, el desarrollo de la ciencia, la expansión de la imprenta, la creación de la Academia de Ciencias al final del reinado de Pedro el Grande, todo esto contribuyó al fortalecimiento de una nueva cultura secular. El patetismo del conocimiento, así como el patetismo de la condición de Estado, impregna el arte.

El arte ruso está entrando en el camino paneuropeo de desarrollo, abandonando el aislamiento medieval, pero de ninguna manera rompiendo con tradiciones nacionales centenarias.

Los rusos conocieron el arte europeo de varias maneras: se invitó a artistas occidentales a trabajar en Rusia, se compraron obras de arte europeas en el extranjero y los maestros más capaces se fueron a estudiar a países de ultramar como pensionados, es decir, con dinero del Estado. Los primeros enviados, los hermanos artistas Nikitin, M. Zakharov y F. Cherkasov, fueron a Italia en 1716, Andrei Matveev fue a Holanda.

El resto, que era la mayoría, se quedó en casa y estudió según las tradiciones de la Cámara de la Armería, en la Imprenta de San Petersburgo, en la Kunstkamera o en otros departamentos gubernamentales.

Desde 1706 se organizó la Oficina de Asuntos de la Ciudad, rebautizada en 1723 como Oficina de Edificios, que se encargaba de todos los trabajos de construcción en San Petersburgo y unía a todos los llamados arquitectos y pintores estatales en el servicio público. Peter ideó un plan para crear una Academia Rusa de las Artes y analizó los proyectos que le propusieron. Pero bajo Peter no se organizó una Academia de Artes independiente. En 1724, el emperador emitió un decreto sobre el establecimiento de la "Academia o Sociedad de Artes y Ciencias", y desde 1726, en la Academia de Ciencias, había un departamento de arte, en el que se prestaba atención principal al dibujo y al grabado. , tareas puramente prácticas de carácter más urgente. No fue hasta 1748 que el departamento de arte se amplió para incluir clases de arquitectura, escultura, pintura y perspectiva.

De este modo, arte ruso XVIII siglo difiere marcadamente en muchos aspectos del arte ruso antiguo medieval, aunque tiene conexiones internas con él. Características del arte siglo 18 son Secularización del arte, es decir.naturaleza secular del arte;estado, carácter público; europeización , tomando prestadas formas de arte europeas; papel crecientepensamiento racional y cognición; desarrollo activo de tendencias realistas.

Apreciación del arte ruso. XVIII El siglo XIX en la historia del arte ruso y soviético fue diferente. Ya en los años 40 XIX siglo N. Kukolnik se quejó de que nosotrosHemos relegado nuestro pasado al olvido y percibimos el arte contemporáneo como algo “ajeno”.. Eslavófilos en la mitad y segunda mitad XIX v. Criticó el arte del siglo anterior porseparación de las antiguas raíces rusas. V.V. Stasov, expresando la posición general de la crítica democrática, vio en élsólo una expresión de una cultura noble,nobles ideales, lo condenó porcopismo e imitación, detrás "repetición provinciana de la moda francesa". Viollet le Duc generalmente escribió que al XVIII siglo, el arte ruso fue una reverencia hacia Oriente, y desde Siglo XVIII Occidente . Y sólo en el último tercio XIX Siglo XXI, la atención al arte de este período ha ido aumentando, estamos especialmente en deuda con los artistas del “Mundo del Arte” aquí. Este estudio se inició con la “Exposición Histórica de Retratos de Personajes Ilustres” XVI XVIII siglos." y las obras del compilador de su catálogo, P.N. Petrov, de las exposiciones organizadas por el Mundo del Arte en 1902 (Exposición de retratos rusos durante 150 años, de 1700 a 1850) y 1905. (la llamada Tauride, porque tuvo lugar en el Palacio Tauride), de las exposiciones de retratos rusos en París y Berlín en 1906, de la exposición “Lomonosov y la época isabelina” de 1912, de la publicación de la revista “Old Años”, dedicado en gran medida al arte. XVIII siglo (19071916). Sin embargo, los amantes XVIII siglo, el "Mundo del Arte" vio en los artistas de esta época también sólo hábiles imitadores del arte de Europa occidental.

Estudio XVIII Los siglos duraron en XX siglo. La historia del arte soviético para comprender y evaluar cuestiones. XVIII siglo, han pasado diferentes períodos y tiene una naturaleza diferente de la investigación, desde la atribución de museos hasta la teórica generalizada.

“Pedro, como estadista histórico”, escribió N. Kostomarov, “conservó para nosotros en su personalidad un rasgo tan altamente moral que involuntariamente atrae el corazón hacia él; este rasgo es la devoción a la idea a la que dedicó por completo su alma a lo largo de su vida. Amaba a Rusia, amaba al pueblo ruso, lo amaba no en el sentido de la masa del pueblo ruso contemporáneo bajo su control, sino en el sentido del ideal al que quería llevar a este pueblo; y es este amor el que constituye en él esa alta cualidad que nos impulsa, contra nuestra propia voluntad, a amar su personalidad, dejando de lado sus sangrientas masacres y todo su despotismo desmoralizador, que reflejaron una influencia nociva en su posteridad. Por el amor de Pedro al ideal del pueblo ruso, el ruso amará a Pedro hasta que él mismo pierda el ideal del pueblo, y por este amor le perdonará todo lo que ha caído pesadamente en su memoria” (Kostomarov N. . Historia rusa en sus biografías las figuras más importantes. T. 3. P. 243).

Se ha adoptado la siguiente periodización del arte ruso. siglo 18:

• Primera mitad del siglo XVIII:

1700-1725 (primer cuarto XVIII siglos) la era de Pedro;

1730-1740 la época de Anna Iannovna;

• Mediados del XVIII Siglos (1740-1760) la época de Isabel Petrovna.
• Segunda mitad del XVIII siglos de tiempo de catalina II.

ARTE RUSO DE LA PRIMERA MITAD SIGLO XVIII.

En el primer trimestre Siglo XVIII , en el llamadoEl tiempo de Pedro, Todo las contradicciones y conflictos de la nueva era aparecen de forma particularmente desnuda y agravada. En este momento también hay Arte nuevo “puro”, Y viejo con elementos de nuevo, y finalmente solodesarrollo a la antigua usanza. Extremadamente También se variaron nuevos recursos estilísticos: peculiar una mezcla de elementos del barroco, rococó y clasicismo.. El eslabón medio (de conexión) en el sistema de estilos iniciales. XVIII siglo es el barroco temprano, que se denominó “barroco petrino”.

El barroco de Pedroun estilo arquitectónico que fusionó las influencias del barroco italiano, el clasicismo francés temprano y el rococó, la arquitectura civil holandesa y varios otros estilos y tendencias. Cada uno de los arquitectos que trabajaron en San Petersburgo incorporó a la apariencia de los edificios que construyeron las tradiciones de su país, de la escuela de arquitectura que representaban. Por tanto, el barroco de Pedro no es barroco en su forma pura, y este término es bastante arbitrario. Al mismo tiempo, refleja ciertamente la tendencia latente, todavía implícita, de la época de Pedro el Grande y ayuda a explicar la evolución posterior de la arquitectura rusa hasta el barroco maduro de mediados del siglo XVIII.

Comenzó la arquitectura rusa. XVIII siglo ("Barroco petrino") se caracterizan por la simplicidad de las construcciones volumétricas, la claridad de las divisiones y la moderación de la decoración decorativa y escultórica, la interpretación plana de las fachadas.(las fachadas están divididas por pilastras o lamas que no dan sombras nítidas y contrastantes). Esto es especialmente notable en comparación con la arquitectura del final. Siglo XVII y mediados del siglo XVIII. A diferencia del barroco de Naryshkin, popular en aquella época en Moscú, el barroco de Pedro el Grande representó una ruptura decisiva con las tradiciones bizantinas.

Todas las posibilidades arquitectónicas se centraron en la construcción de San Petersburgo., que fue fundada como puerto y fortaleza en 1703, y en 1712 se convirtió en la capital del estado.

Construir una ciudad en los pantanos, en las condiciones de la difícil Guerra del Norte, era una idea atrevida, casi irreal. (“La ciudad más premeditada del mundo”, dijo más tarde F.M. Dostoievski). Todas las fuerzas del estado, sin exagerar, se lanzaron a la construcción de una nueva ciudad (Pedro I prohibió la construcción de edificios de piedra en cualquier lugar excepto en San Petersburgo). . Petersburgo en ese momento). Esto no significa que en Moscú no se hayan realizado obras de construcción. Pero San Petersburgo se convierte en el verdadero centro, a través de él se realiza una conexión viva entre Rusia y Occidente. En la arquitectura de Moscú y de las provincias rusas, las antiguas tradiciones viven en su forma pura durante mucho tiempo.

Pedro el ganador no quería ser peor que los monarcas europeos, ni inferior a ellos en esplendor, por lo que todos los maestros arquitectos nacionales y muchos extranjeros fueron invitados a construir San Petersburgo y sus suburbios: italianos, franceses, alemanes, holandeses.

La adopción de la arquitectura europea trae a suelo ruso un ideal diferente de ciudad: un conjunto arquitectónico unificado planificado de forma regular y racional.A diferencia de la Edad Media, esto ya no es el resultado final de un desarrollo histórico, en gran medida espontáneo, sino una especie deuna obra gigantesca creada a partir del proyecto.

Pedro invitó al arquitecto real francés.JEAN-BAPTISTE LEBLON(16791719), que desarrollaProyecto de planificación de San Petersburgo(1716). Pero cierta abstracción del plan, así como la complejidad del terreno local, no permitieron realizar este proyecto, aunque el espíritu general de regularidad del proyecto de Leblond se conservó en la arquitectura de San Petersburgo.

Mí mismo El plano de la ciudad con su regularidad y simetría, con su disposición paralela-perpendicular de calles y edificios a lo largo de la línea roja, era nuevo en comparación con las antiguas ciudades rusas.

La planificación urbana abandona el esquema medieval de anillos radiales en favor de una red rectangular de calles, con avenidas principales convergiendo en un punto, formando un "tridente", y otros diseños similares.

La ciudad surgió primero como fortaleza y puerto., por lo que uno de los primeros edificios fueFORTALEZA DE PEDRO PAVEL(fundada el 16 (27) de mayo de 1703 en la isla Hare) yALMIRANTAZGO(astillero), rodeado de fortificaciones.

El centro de la ciudad se planeó inicialmente en el lado de Petersburgo (isla de Petrogrado), directamente bajo la protección de la fortaleza, pero pronto se trasladó a la isla Vasilyevsky. El centro de la ciudad era también el lado Admiralteyskaya, donde las avenidas Nevsky y Voznesensky y la calle Gorokhovaya, que surgieron un poco más tarde, discurrían en tres rayos desde la Torre del Almirantazgo con una aguja.

Entre los arquitectos extranjeros comenzó el papel más importante en el desarrollo de la arquitectura. XVIII siglo pertenecióDOMENICO TRESINI(c. 16701734), quien en ese momento se convirtió, de hecho, en el principal arquitecto de San Petersburgo.

CATEDRAL DE PETROPAVLOVSKY DE LA FORTALEZA DE PETROPAVLOVSK(1712-1733, después del incendio de 1756 fue restaurada a su forma original) el rasgo dominante de la nueva capital,uno de los edificios más famosos de Domenico Trezzini. Se trata de una iglesia basílica de tres naves, rematada en la parte occidental por un alto campanario con chapitel y una veleta en forma de ángel volador. Catedral de Pedro y Pablo, el edificio más alto de San Petersburgo(excepto la torre del centro de televisión). Su altura es de 122,5 metros, la altura de la aguja es de 40 metros, la altura de la figura del ángel es de 3,2 metros y la envergadura de las alas es de 3,8 metros.

El campanario ya no representa un octágono sobre un cuadrilátero, tan familiar para el ojo ruso, sino un único macizo de varios niveles, que recuerda a los campanarios europeos o a las torres de los ayuntamientos. La catedral fue la tumba de los emperadores rusos, empezando por Pedro. I.

Carácter secularaspecto general de la Catedral de Pedro y Pablo,simplicidad de la solución figurativa, lugar edificios en el “contexto” del conjunto urbanotodo esto determinó el papel fundamental de la obra de Trezzini entre otros monumentos de la época de Pedro.

Domenico Trezzini también realizado PUERTAS PETROVSKIE de la Fortaleza de Pedro y Pablo(1707-1708 primero en madera y en 17171718 transferido a piedra) en honor a la victoria de Rusia en la Guerra del Norte. Esta es la puerta principal de la fortaleza, desde su parte oriental, el único ejemplo sobreviviente de edificios triunfales que comenzaron XVIII siglo. Tienen la forma de un arco de un solo tramo, rematado por un macizo ático con frontón de arco de medio punto y están decorados con monedas y relieves. Para decorar la puerta se invitó al escultor Konrad Osner el Viejo, quien realizó un relieve de madera “El derrocamiento de Simón el Mago por el apóstol Pedro”, glorificando en forma alegórica la victoria de Rusia sobre Suecia (posteriormente trasladada a la puerta de piedra). ). Los nichos de la puerta estaban decorados con estatuas de las diosas de la guerra Bellona y la sabiduría de Minerva, cuya autoría se atribuye a N. Pino.

Gran construcción D. Trezzini fue EDIFICIO DEL COLEGIO DOCE(ministerios) (1722, completado en 1742 con la participación de Mikhail Zemtsov) para instituciones gubernamentales superiores. El largo edificio de tres pisos está dividido en 12 "colegios" de elementos iguales (celdas) (cada uno con un techo independiente), conectados por un solo corredor y galerías en el primer piso (solo uno ha sobrevivido hasta el día de hoy). Las pilastras que conectan las dos plantas superiores dan un carácter cohesivo a todo el edificio.

Bajo Pedro se inició y completamenteEl edificio del primer museo ruso es nuevo en su finalidad y arquitectura KUNSTKAMERA , que, reemplazándose sucesivamente, se construyóGeorg Johann Mattarnovi, Nikolai Fedorovich Gerbel, Gaetano Chiaveri y Mikhail Grigorievich Zemtsov(17181734). La torre que completaba el edificio estaba destinada a observaciones astronómicas, grandes salas de doble altura con coros en el segundo y tercer piso estaban destinadas a colecciones de historia natural y una biblioteca.

De los primeros edificios de San Petersburgo, elPALACIO DE VERANO DE PEDRO I EN EL JARDÍN DE VERANO (17101714, Domenico Trezzini y Andreas Schlüteretc.), un edificio sencillo, rectangular, de dos plantas y techo alto. Situada en la orilla, en la confluencia del Neva y Fontanka, la casa tenía una pequeña piscina habanera, conectada al Fontanka y que permitía entrar al apartamento directamente desde el agua. La fachada del Palacio de Verano está decorada con relieves ubicados entre las ventanas del primer y segundo piso, realizados por A. Schlüter y su equipo, sobre el tema de las Metamorfosis de Ovidio. El Jardín de Verano (“huerto”, como lo llamaban en tiempos de Pedro) con sus esculturas, fuentes y grutas es un ejemplo de uno de los primeros parques regulares en Rusia. En 1725, M. Zemtsov construyó en el jardín un “Salón para Celebraciones Gloriosas” (que no se conserva).

PALACIO A.D. MENSHIKOVA en la isla Vasilyevsky a orillas del Neva (décadas de 1710-1720, arquitecto.Giovanni María Fontana y Gottfried Schedel , restaurado en los años 60-80 Siglo XX), representa un nuevo tipo de residencia señorial. El complejo palaciego constaba de un nuevo palacio de piedra, un antiguo palacio de madera, una iglesia y un extenso jardín formal detrás del nuevo edificio. De todo el conjunto sólo nos ha llegado la construcción del palacio de piedra, aunque de forma modificada.

Además de las propiedades urbanas, en este período se inició la construcción de residencias de campo., principalmente a lo largo del Golfo de Finlandia: Ekateringof, Strelna, Oranienbaum. Durante este período se colocó Peterhof - residencia de campo del rey. La formación de Peterhof según el modelo de Versalles continuó bajo los soberanos posteriores.

En el conjunto del palacio y parque de Oranienbaum se encuentra el Gran Palacio Ménshikov, construido según el diseño de los arquitectos D.M. Fontana e I. G. Shedel en 1710-1727. La longitud de la fachada principal del Gran Palacio Ménshikov es de 210 metros. La parte central del palacio es de dos pisos, adyacente a ella hay galerías de un piso, desplegadas en arco y que terminan en los pabellones japonés y de la iglesia. Dos alas están unidas a los pabellones japonés y de la iglesia perpendiculares a las galerías, por lo que el palacio tiene forma de “P” en su diseño. Las dependencias forman el límite del patio del Gran Palacio. El palacio divide el parque Oranienbaum en dos partes desiguales: el jardín inferior, que tiene un diseño regular, y el parque superior, ajardinado. Los contemporáneos notaron el lujo sin precedentes de la residencia de campo de Su Alteza Serenísima el Príncipe, que en ese momento superaba en tamaño a Peterhof.

Se presta mucha atención aconstrucción de edificios residenciales privados. La oficina de construcción dirigida por Trezzini, según sus proyectos y los de Leblon, planea construir los llamados edificios de paloma de barro con marcos de madera con relleno de arcilla y piedra triturada: los de dos pisos, por regla general, ya estaban construidos. de piedra. Las casas estaban diferenciadas (principalmente según las calificaciones de la propiedad), pero dentro de este marco eran tipos de desarrollo obligatorio, por lo que su nombre habitual es "ejemplar" (es decir, típico). La construcción de la ciudad con casas particulares se llevó a cabo según modelos de Europa occidental.: los edificios se colocaron a lo largo de las acerasLa fachada principal no da al patio, sino a la calle.y junto con vallas y puertascreó una única línea de calles y terraplenes.

Con la llegada de las fábricas de ladrillos, hacia 1710, se empezaron a construir edificios de ladrillo, que fueron enlucidos, complementados con piezas plásticas de yeso y pintados. El segundo y tercer piso combinaron elementos de orden y los techos se hicieron altos.

Así fue como poco a poco fue tomando forma San Petersburgo: en pantanos y numerosas islas, experimentadas por los vientos e inundaciones del Báltico, ubicadas lejos de los antiguos centros rusos, pero creciendo de manera constante, aparentemente contrariamente a toda lógica.

Las estructuras más significativas de la arquitectura moscovita de la primera mitad. XVIII siglo, que reflejan las nuevas tendencias, son el edificio del Arsenal en el Kremlin de Moscú, la Iglesia del Arcángel Gabriel (Torre Menshikov) en Moscú, la casa privada de M.P. Gagarin en la calle Tverskaya en Moscú(1707-1708, no conservado).

Edificio del Arsenal en el Kremlin de MoscúFue construido en 1702-36 (arquitectos Christopher Conrad, D. Ivanov, Mikhail Choglokov) entre las torres Trinity y Nikolskaya y estaba destinado a almacenar armas y diversos equipos militares. El edificio se quemó varias veces y adquirió su forma definitiva en 1737, cuando el arquitecto D.V. Ukhtomsky añadió un segundo piso.

Iglesia del Arcángel Gabrielo así llamado Torre Ménshikov en Moscú (1701-1707, arquitectoIvan Petrovich Zarudny) uno de los mejores edificios de la arquitectura XVIII siglo, en el que la tradicional composición escalonada XVII siglo se combina con elementos arquitectónicos del barroco (“Barroco de Moscú”.

Torre Menshikov: la Iglesia del Arcángel Gabriel, el único templo-torre en Moscú. Fue construido por orden de Alexander Danilovich Menshikov en 1705-1707. Existen varias versiones del nombre del arquitecto jefe de la iglesia. Oficialmente, se le reconoce como el famoso arquitecto moscovita I. Zarudny, bajo cuyo liderazgo trabajaron los italianos: Trezzini, F. Fontana, G. Pando, B. Scala. Pero a veces también se llama autor al propio Trezzini, que construyó la Catedral de la Fortaleza de Pedro y Pablo en San Petersburgo.

La iglesia de madera del Arcángel Gabriel en Myasniki ya está registrada en 1551. Ménshikov en la ciudad de Polotsk adquirió la imagen de la Madre de Dios de Polotsk, pintada por el evangelista Lucas y, al regresar a Moscú, ordenó que se construyera un nuevo templo en el sitio de la iglesia de madera.

Érase una vez, sobre los cuatro pisos de piedra existentes de la torre, había un quinto piso de madera, decorado con un reloj y rematado con una alta aguja con una estatua de un arcángel. En total, la torre era casi un metro más alta que el campanario de Iván el Grande. En el último piso de la torre Menshikov se encontraba un reloj de sonería traído desde Londres.

Sin embargo, cabe señalar que el trabajo en la iglesia nunca se completó por completo: el iconostasio quedó sin terminar, el trabajo interior no se completó y la iglesia en sí no fue consagrada. Esto se debe al nombramiento de Menshikov como gobernador de la nueva capital, San Petersburgo, y a la pérdida de su interés en la finca de Moscú en Myasnitskaya.

El 13 de junio de 1723, un rayo cayó sobre la torre y prendió fuego a la cúpula. Entre el pueblo, este hecho fue inmediatamente explicado como un castigo por el orgullo de Su Alteza Serenísima, que se situaba por encima de las personas reales. El terrible incendio duró dos horas y no pudo extinguirse debido a la altísima altura de la torre. La parte superior de la torre se quemó por completo y 50 campanas cayeron al suelo, aplastando a muchas personas que salvaban los utensilios de la iglesia del incendio.

Después del incendio, la Iglesia del Arcángel Gabriel estuvo abandonada durante mucho tiempo y quedó sin terminar. Sólo en 1787 fue restaurado después de un incendio por el famoso masón moscovita Gavriil Zakharyevich Izmailov, que vivía cerca de Myasnitskaya. Fue entonces cuando apareció la extraña cúpula en espiral. El templo fue adaptado para reuniones masónicas y decorado con símbolos masónicos.

En la década de 1860, el metropolitano Filaret (Drozdov) ordenó la destrucción de todas las imágenes e inscripciones masónicas simbólicas del interior del templo. Los niveles superiores nunca fueron restaurados. La iglesia se mantuvo por debajo de su máxima altura histórica.

Como la iglesia era una iglesia de verano y se quedó sin campanas, cerca se construyó el templo de Fyodor Stratelates, que era cálido y tenía un campanario. La cúpula figurada con una cruz en la torre apareció en 1838, después de reparaciones.

En 1923, bajo el dominio soviético, la iglesia fue cerrada. En los años 40 del siglo XX, fue reconstruido seriamente, se recrearon algunos elementos del siglo XVIII, el templo fue transferido al Patriarcado de Antioquía y la iglesia entró en funcionamiento. El iconostasio fue trasladado aquí desde la Iglesia de Pedro y Pablo en Preobrazhenskaya Sloboda, que fue destruida en 1960.

Después de la muerte de Pedro, comienza el verdadero caos de la llamada "era de los golpes palaciegos" en torno al trono ruso."Toda la inconstancia del mundo no se puede comparar con la inconstancia de la corte rusa", escribió uno de los enviados en 1730.

Década de 1730: la época oscura del reinado de Anna Ioannovna, el poder estatal despótico y el dominio de los extranjeros.

Tras la muerte de Pedro I, los gustos cambian y ahora Rusia tiene los mejores.los arquitectos construyen palacios para emperatrices y dignatarios.En los años 1720-1730. arquitectos talentosos M.G. Zemtsov, I.K. Korobov y el importante urbanista P.M. Eropkin.

Mijail Grigorievich Zemtsov(1688-1743), arquitecto ruso. Representante del Barroco temprano. Participó en la creación del Jardín de Verano en San Petersburgo, complejos palaciegos en Petrodvorets y Ekaterinental (Kadriorg, la actual Tallin).

De los edificios religiosos de Zemtsov, el más grande fueIglesia de Simeón y Ana en la calle Mokhovaya(1731-1734).

Iván Kuzmich Korobov(1700(01)-1747) Arquitecto e ingeniero ruso, representante del primer barroco. En 1727-38 reconstruyó el edificio del Almirantazgo en San Petersburgo. Korobov diseñó una torre con una alta aguja dorada que llevaba una veleta en forma de barco de tres mástiles (1732). Durante la reconstrucción del edificio del Almirantazgo al principio. XIX siglo, Zakharov conservó la aguja de Korobov, incorporándola a la nueva composición.

Petr Mijáilovich Eropkin(hacia 1698-1740) Arquitecto y teórico ruso. Bajo el liderazgo de Eropkin, se compiló un plan general de San Petersburgo (con una composición de 3 rayos de la parte del Almirantazgo, 1737) y el primer tratado ruso de arquitectura y construcción, "La posición de la expedición arquitectónica" (1737). -41), fue creado. Ejecutado como participante en la conspiración de A.P. Volynsky contra Biron.

La transición decisiva de lo antiguo a lo nuevo, la asimilación del “lenguaje” artístico europeo y la familiarización con la experiencia del arte mundial se notan especialmente en la pintura.. Sin embargo, el debilitamiento del sistema artístico de la pintura rusa antigua se produjo, como hemos visto, allá por Siglo XVII.

Con principios del XVIII v. El lugar principal en la pintura comienzan a ocuparlo las pinturas al óleo sobre un tema profano.Bajo la influencia del arte de Europa occidental, aparecieron en este momento nuevos géneros y nuevos temas..

Comenzó un fenómeno particularmente significativo en el arte ruso. Siglo XVIII había retratos.No sólo se desarrolló rápidamente en estos años, sino que también logró notables éxitos, que se basaron en el creciente interés por la personalidad humana característico de la época.

El auge del retrato XVIII siglo fue preparado, por un lado, por un nivel bastante alto de desarrollo de parsuna al final XVII siglo, con otra influencia de la pintura de Europa occidental.Se produjo la asimilación por parte de los artistas rusos de nuevas técnicas pictóricas y soluciones figurativas.a través de viajes de jubilación al extranjero, así como bajo la influencia de artistas extranjeros invitados por Peter.

Entre los pintores extranjeros, el lugar más destacado lo ocupó el alemán.Johann Gottfried Tannauer(1680-1737) y francés Luis Caravaque (1684-1754).

Johann Gottfried TannauerLlegó a Rusia en 1711 y enseñó a los maestros las técnicas del barroco tardío de Europa occidental (retratos de Pedro I , retrato de Alexey Petrovich, retrato de A.D. Ménshikova, 1727). Una de sus mejores obras.retrato del Conde P.A. Tolstoi (1719).

El francés Luis Caravaque. , "el primer molar de la corte", creó retratos de toda la familia real e introdujo a los rusos en el arte del rococó: retratos de Pedro I, sus hijas retrato de la reina Natalia Petrovna(1722), doble retrato de las princesas Anna y Elizaveta Petrovna(1717), retrato de los nietos de Pedro I Pedro y Natalia de niños, como Apolo y Diana.(1722), más tarde retrato de la emperatriz Anna Ioannovna(1730) y retrato de la emperatriz Isabel Petrovna (1750).

Para formar a su propio personal, Peter I introduce las pensiones, en 1716 los primeros artistas rusos viajan al extranjero para estudiar arte nuevo y secular.

Uno de los primeros artistas rusos de la nueva pintura secular en el arte ruso. Se considera el siglo XVIII. IVAN NIKITICH NIKITIN(mediados de la década de 1680 no antes de 1742). Su biografía es trágica en muchos sentidos. Hijo de un sacerdote moscovita, sobrino del confesor de Pedro, se desarrolló temprano como artista y pintó retratos de la familia real incluso antes de viajar al extranjero: RETRATO PRASKOVI IOANNOVNA,LAS SOBRINAS DE PEDRO I (1714, Museo Estatal Ruso); RETRATO DE CERESARAN ANNA PETROVNA(a más tardar en 1716, Galería Tretyakov),retrato de natalya alekseevna, amada hermana de Pedro Yo (1716, Galería Tretyakov).

En el retrato de Praskovya Ioannovna todavía hay mucho de la pintura rusa antigua: no hay corrección anatómica, el modelado de la forma se realiza resaltando de oscuro a claro, la pose es estática. No hay reflejos de color. La luz es uniforme y difusa. E incluso los frágiles pliegues de la ropa recuerdan un poco a los antiguos huecos rusos. Pero con todo esto, en la persona de Praskovya Ioannovna se puede leer su propio mundo interior, un cierto carácter, un sentido de autoestima. Este rostro de ojos grandes y expresivos que mira con tristeza al espectador es el centro de la composición. No hay sombra de coquetería, nada de ostentación en este rostro, pero hay ensimismamiento en uno mismo, que se expresa en un sentimiento de paz, estática, silencio. Como decía el poeta, “lo bello debe ser majestuoso”.

Los estudios en Italia duraron de 1716 a 1719. Antes de partir, Peter I se reunió personalmente con Nikitin, le escribió a Ekaterina I , de modo que encarga a Nikitin, que estará de paso por Berlín, que pinte un retrato del rey de Prusia, “... para que sepan que hay buenos maestros entre nuestro pueblo”. El artista estudió en Venecia y Florencia.

A principios de 1720, Peter llamó a Nikitin, nombró al artista Hofmahler, "maestro personal de los asuntos", y le regaló una casa en el centro de San Petersburgo. Los últimos cinco años antes de la muerte de Peter fueron el apogeo de la creatividad de Nikitin.

La pensión ayuda al artista a liberarse de las limitaciones de algunas de las características de la pintura rusa antigua, pero no cambia su visión artística general del mundo, su comprensión de las tareas del arte, al tiempo que lo enriquece con el conocimiento de todas las complejidades de la tecnología europea.

Escrito después de regresar del extranjero.“RETRATO DE SERGEY GRIGORIEVICH STROGANOV”(1726, Museo Ruso) representa a un cortesano elegante y lleno de energía, que provenía de entre los industriales. El retrato se acerca a los retratos “preitalianos” en su solución compositiva general, ubicación de la figura en el espacio y combinación de colores. El fondo siempre tiene un carácter algo plano, “icónico”, del que “sobresale” la figura. Los accesorios no juegan un papel importante; toda la atención del artista se centra en el rostro.

“RETRATO DEL CANCILLER GAVRIIL IVANOVITCH GOLOVKIN”(década de 1720, Galería Tretyakov) representa a un diplomático inteligente y de carácter fuerte que conoce todas las complejidades de la política estatal, que posee una intensa vida interior, seriedad espiritual, concentración y casi melancolía.

“RETRATO DEL SUELO HETMAN"(década de 1720, Museo Ruso) tiene aún más psicologismo interno y virtuosismo pictórico.

Muchas veces Nikitin le escribió a Peter. I . Se le atribuye el famoso RETRATO DE PEDRO I (en círculo, a partir de 1620, Museo Ruso). El emperador ruso es representado sin los símbolos del poder, de los que abusaban con entusiasmo los retratistas de la corte de los monarcas europeos. Impresiona por la majestuosidad de la apariencia del autócrata, el sentimiento de su voluntad inquebrantable y, al mismo tiempo, su sencillez y humanidad.

Por las anotaciones en el diario de Chamber-Fourier se sabe que escribió al emperador "en la isla de Kotlin" en 1721. En Florencia se descubrieron dos imágenes ceremoniales emparejadas de Pedro y Catalina, pintadas por un artista en Italia en 1717, Pedro aparece con armadura y con la Orden de San Andrés, Catalina con un vestido de brocado decorado con joyas y con la Orden de San Andrés; Calle. Catalina. Las túnicas rojas forradas de armiño realzan el esplendor de la imagen. El retrato demuestra la excelente familiaridad de Nikitin con el esquema paneuropeo del retrato barroco representativo.

Otro retrato de Nikitin está imbuido de una emoción genuina y profunda y un sincero dolor por la pérdida."PEDRO I EN EL LECHO DE MUERTE"(1725, Museo Estatal Ruso). El retrato fue pintado como en una sola sesión, como un boceto, a la prima , sobre fondo rojo, brillando a través de trazos virtuosos de luz líquida.

La muerte del emperador marcó el comienzo de la última etapa trágica de la vida de Nikitin. Durante el reinado de Anna Ioanovna, el artista se mudó a Moscú, se unió a la oposición y en 1732, junto con sus hermanos, fue arrestado acusado de posesión de cartas que denigraban al vicepresidente del Santo Sínodo, Feofan Prokopovich. Después de la tortura, Ivan Nikitin fue mantenido en régimen de aislamiento en la Fortaleza de Pedro y Pablo durante cinco años, luego golpeado con un látigo y en 1737, "encadenado", fue enviado a trabajos forzados eternos en Tobolsk, donde permaneció hasta 1742. . Aquí recibió el perdón, pero no llegó a Moscú, lo más probable es que muriera en el camino.

Su hermano Roman, que estudió con él en Italia y compartió el mismo destino trágico, continuó trabajando en Moscú después del exilio. Como retratista, Roman Nikitin fue un artista muchísimo más arcaico. Podemos juzgar su obra sólo por el retrato de María Stroganova (c. 1722, Museo Estatal Ruso), así como por el retrato anterior de su marido Grigory Stroganov que se le atribuye (1715, Galería de Arte de Odessa).

El segundo artista más famoso que enriqueció el arte ruso de la primera mitad. XVIII siglo, los logros de la escuela europea de pintura, fue ANDREY MATVEEVICH MATVEEV(17011739).

“En el decimoquinto año de su vida”, como él mismo indica en el informe, se dirigió a Holanda en el séquito real, donde estudió con el retratista A. Boonen, y en 1724 se trasladó a Flandes, al Museo Real de Amberes. Academia, todavía cubierta por la gloria de Rubens y la escuela de pintura flamenca XVII siglos para comprender los secretos de los maestros que crearon pinturas históricas y alegóricas. En 1727 regresó a su tierra natal.

De la época de jubilado se conoce una obra de A. Matveev, firmada y fechada en 1725."ALEGORÍA DE LA PINTURA". Esta es la primera pintura de caballete sobre una trama alegórica que nos ha llegado en Rusia. De tamaño pequeño, pintado sobre un tablero de parquet, representa una figura alegórica del cuadro sentada ante un caballete, rodeada de cupidos. Atenea Pallas posa para ella, dándole los rasgos de Catalina en el lienzo. I . Tal metamorfosis no debería sorprender si recordamos que Matveev envió este trabajo a la emperatriz con la solicitud de ampliar sus estudios, y para ello necesitaba demostrar sus habilidades. La obra presenta rasgos de la escuela flamenca del barroco tardío y revela el rico talento colorista del artista.

Es posible que los escritos de Matveev también se refieran a sus años de jubilación como estudiante.retrato de Pedro en el óvalo(c. 1725, GE).

Al regresar a su tierra natal, San Petersburgo, Matveev inmediatamente se involucró en el trabajo de decoración de la principal catedral de la ciudad, Pedro y Pablo. Desde 1730 hasta su muerte, Andrei Matveev, el primero de los maestros rusos, jefe del “equipo de pintura” de la Cancillería de los edificios, dirigió todos los trabajos monumentales y decorativos que se llevaron a cabo en San Petersburgo y sus alrededores. Junto con su equipo, decora la Sala del Senado de los Doce Colegios (ahora Sala Petrovsky de la Universidad de San Petersburgo) con paneles pintorescos, pinta iconos para muchas iglesias de San Petersburgo, en particular para la Iglesia de Simeón y Ana, construida sobre Calle M.G. Zemtsov, hace varios otros trabajos. Pero sólo nos han llegado las obras de caballete de Matveev, ya que casi todas las pinturas monumentales desaparecieron junto con los interiores para los que fueron ejecutadas.

En 1728, Matveev recibió un pedido deRetratos emparejados de cónyuges I.A. y A.P. Golitsyns(Moscú, colección privada de I.V. Golitsyn). De estos, el más interesante parece serRETRATO DE A.P. GOLITSYNA, princesas, damas de estado y, al mismo tiempo, la "príncipe abadesa" del "Consejo más bromista" de Pedro el Grande y la "galleta" de Catalina. I , golpeado por batogs en relación con el caso del zarevich Alexei.

Matveev crea una caracterización inusualmente expresiva, impartiendo al rostro del modelo la más sutil mezcla de mal humor, arrogancia y al mismo tiempo resentimiento y desconcierto, tristeza y fatiga. Y esto es aún más sorprendente porque el artista ha conservado el esquema habitual de un retrato por encargo: un giro de hombros, una cabeza orgullosamente plantada y los complementos de vestir necesarios. El artista no transmitió condena, sino simpatía por el modelo de este retrato.

"AUTORRETRATO CON ESPOSA"(1729 (?), Momento) la obra más famosa de A. Matveev.Matveev fue el primer artista ruso que creó una imagen poética de una unión matrimonial. Sinceridad y sencillez, confianza y apertura, lirismo y pureza espiritual son sus principales características.

En el reverso del retrato hay una inscripción orgullosa: “Andrey Matveev, el primer pintor ruso y su esposa. El propio artista escribió”.

La pintura de Matveev en esta obra alcanza la perfección y da testimonio del pleno florecimiento de sus poderes creativos.La pintura de Matveev es transparente, con gradaciones de luces y sombras poco claras y contornos que se disuelven, rica en veladuras y tiene una coloración sutil y elegante.

I. Nikitin y A. Matveev son considerados legítimamente los fundadores de la pintura secular rusa. Siglo XVIII. Su pintura demuestra un notable dominio de las técnicas de la artesanía de Europa occidental, preservando al mismo tiempo el espíritu nacional y la individualidad creativa, ya sea el rigor, e incluso cierto ascetismo, de las imágenes de Nikitin o la sutileza y poesía de las de Matveev. Matveev fue maestro de pintores como Vishnyakov y Antropov, cuyo legado a su vez construyó una especie de “puente” hacia la obra de maestros famosos de la segunda mitad del siglo.

Diverso al principio XVIII siglo hubo un retrato en miniatura, en el que se desarrollan las tradiciones de las miniaturas de manuscritos y libros de la antigua Rusia y la pintura sobre esmalte (esmalte). Los maestros más destacados fueron Andrei Grigoryevich Ovsov (alrededor de 1678-1740/50) y Grigory Semenovich Musikiysky (1670/1-después de 1739). Indicativo de la época es el “Retrato de Pedro I » G.S. Musikiysogo (1723), GE).

Los gráficos, como forma de arte más operativa y móvil, que respondía rápidamente a los acontecimientos de la época, gozaron de un éxito especial en la época turbulenta de Pedro el Grande.Grandes grabados representaban victorias de las armas rusas en el mar y en tierra, entradas ceremoniales a las ciudades, vistas de las ciudades mismas: vedettes de la ciudad, fuegos artificiales en honor a gloriosas victorias, retratos de personajes famosos. Se utilizaron gráficos con fines educativos (calendarios, atlas). El grabador Alexey Rostovtsev participó en la creación del primer globo terráqueo ruso.

Los grabadores extranjeros invitados por Peter también trabajaron en Rusia. Así, en 1698 llegó el experto grabador Schonebeck (Schonebeck, 1661-1705), seguido de su pariente Peter Picart (1668-1737).

El arte móvil y masivo del grabado en cobre tenía sus propias tradiciones de larga data en Rusia y floreció especialmente a finales del siglo XIX. XVII siglos en los talleres de la Armería. De ahí provienen los orígenes de la creatividad de grabadores tan notables de la época de Pedro el Grande como los hermanos Alexey e Ivan Zubov (hijos del pintor de la Armería Fyodor Zubov) y Alexey Rostovtsev. Habiendo aprendido de Schonebeck una serie de nuevas técnicas técnicas, conservaron el carácter nacional del grabado ruso.

Primer plano del maestro del grabado y aguafuerte al principio. XVIII siglo fue ALEXEY FEDOROVICH ZUBOV(1682/3- después de 1749).

Los paisajes arquitectónicos documentalmente precisos, construidos sobre una combinación de técnicas de perspectiva lineal, crean la apariencia de San Petersburgo., la joven capital de una gigantesca potencia marítima(“PANORAMA DE SAN PETERSBURGO”(en ocho hojas unidas, 1716).

Además de los motivos arquitectónicos, Zubov también creóhojas gráficas en el género de batallaRepresentación de campañas militares y victorias de la flotilla de Pedro el Grande.(“La entrada ceremonial de las fragatas suecas capturadas en San Petersburgo”, 1720).

En sus vedats y batallaspredomina un dibujo lineal lacónico, el color del papel blanco juega un papel importante, la composición es simple y lógica, Todo el espacio se divide con mayor frecuencia en tres planos. En las vedutas se representa una escena de género en primer plano, el fondo lo ocupa un espacio de agua y el tercero es una imagen de arquitectura, que da nombre a todo el grabado. El nombre, por cierto, conserva ingenuamente tradiciones arcaicas. XVII siglos, se coloca en una cinta desenrollada en la parte superior, a modo de pergamino.

Un motivo casi obligatorio en los grabados de Zubba: el barco envuelto en nubes de humo en las batallas("Batalla de Graingham", 1721) o elegantemente chapoteando velas al viento en vedutes(“Isla Vasilievsky”, 1714).

Junto con los vedutes y las batallas, en este período también era común la imagen de los fuegos artificiales, “diversión ardiente” (o “luces divertidas”) en honor a algún evento significativo. En 1720-1722 creó una serie de fuegos artificiales.Alexey Ivanovich Rostovtsev, también es propietario del grabado"Asedio de Vyborg" (1715).

El hermano mayor de A. ZubovIván Fedorovich ZubovRealizó principalmente grabados con vistas de Moscú.

Los grabados populares también continuaron desarrollándose durante la época de Pedro. La imagen popular sobre madera, plana, de colores brillantes y primitivamente original, tenía el contenido más variado: satírico, épico de cuento de hadas, cotidiano, manteniendo siempre el llamativo carácter decorativo de la solución general y el humor puramente popular.

Como ejemplos del arte del primer tercio. XVIII v. También han sobrevivido dibujos dibujados a mano, obras gráficas únicas de la época. Se trata de dibujos cotidianos y de paisajes, aparentemente de estudiantes de la escuela de dibujo de la imprenta de San Petersburgo (pluma, pincel, carboncillo, lápiz Museo Estatal Ruso, colección de Argutinsky-Dolgorukov), una serie de dibujos de San Petersburgo del arquitecto F. Vasiliev para 1718-1722. (GRM). Los artistas gráficos de Peter también trabajaron en el género del retrato, pero es menos interesante que el género pictórico porque, por regla general, para un retrato gráfico se utilizaba alguna muestra pictórica ya conocida.

Los logros artísticos también son característicos del desarrollo de la escultura en la primera mitad. Siglo XVIII.

La “mundialización” y el desarrollo de nuevos métodos en escultura se producen más lentamenteque en otras formas de arte. Miró demasiado tiempoLos rusos miran la escultura redonda como si fueran ídolos paganos, "tetas". De hecho, durante los ocho siglos de existencia de la antigua Rusia, no se desarrolló.

Es cierto, en la primera mitad. Siglo XVIII, y Anteriormente, la escultura monumental y decorativa estaba bien desarrollada en la decoración de interiores religiosos y seculares. Barroco Plástico de la Iglesia del Signo en Dubrovitsy y la Torre Menshikov, talla de iconostasios de iglesias (Iconostasio de la Catedral de Pedro y Pablo. obras de Ivan Zarudny), relieves de la Puerta PetrovskyFortaleza de Pedro y Pablo, llena deConrad Osner el Viejo, paneles decorativos de la oficina de roble de Peter en el Palacio Peterhof de Nicola Pino,Relieves de Andreas Schlüter en las fachadas del Palacio de Verano. en el Jardín de Verano había sin duda una determinada etapa en el estudio de las técnicas de arte plástico de Europa occidental.

En el arte ruso antiguotambién había una escultura de madera policromadaPerm, Vologda, la propia escuela de Moscú. Pero ella era mayoritariamentecontenido religioso, y la escultura secular necesitaba otras formas de desarrollo. Por lo tanto, los maestros extranjeros invitados a enseñar el arte de la escultura jugaron un papel importante en su desarrollo en el arte. XVIII siglo. Los maestros escultores rusos también estudiaron en el extranjero, principalmente con Baratta en Venecia.

El conocimiento de la escultura de Europa occidental también se logró mediante la compra en el extranjero de obras del barroco tardío, esculturas de maestros del círculo de Bernini y, a veces, incluso antiguas. Así, se compró en Roma la famosa Venus, que más tarde recibió el nombre de Táurida.En cuanto a los retrasos en su retirada, Yuri Kologrivov, que la compró por 196 efimki, escribió expresivamente a Peter: “Y prefiero morir antes que poseer esa estatua”.

El nacimiento de la escultura y el monumento circular secular en el arte ruso de la primera mitad Siglo XVIII asociado con la difusión del barroco y las actividades del escultor italianoBARTOLOMEO CARLO RASTELLI(Rastrelli el Padre, o Rastrelli el Viejo, como lo llaman los historiadores del arte, 1675, Florencia 1744, San Petersburgo).

Bartolomeo Carlo Rastrelli, florentino de nacimiento, que trabajó en Roma y París, criado en las tradiciones barrocas de Bernini, llegó a Rusia con su hijo en 1716 y encontró aquí un segundo hogar. El contrato con él incluía la ejecución de una amplia variedad de órdenes. Trabajó como arquitecto y escultor en diversos géneros: desde la escultura circular hasta la construcción de fuentes y la creación de escenografías teatrales.

BUSTO A.D. MENSHIKOVA(1716-1717, bronce, GE) primera obra B.-K. Rastrelli En Rusia. Se creó una imagen algo teatral, aparentemente espectacular y majestuosa de un "gobernante semi-soberano", de quien casi el mismo Pedro dijo ingeniosamente en alguna ocasión: "Fue concebido en iniquidad, nació en pecado y terminará su vida en engaño".

Pero lo principal por lo que Rastrelli fue invitado a Rusia fue la creación de un monumento a Pedro. I . En 1720, el escultor presentó bocetos y maquetas de un monumento ecuestre, con numerosas figuras alegóricas, decisión que luego abandonó.

La creación del busto estuvo precedida por mucho trabajo del natural. En 1919, el escultor hizo una máscara de Pedro vivo y luego un modelo de cera de la figura.

En el proceso de trabajo en el monumento, se llevó a caboBUSTO DE PEDRO DE BRONCE I (1723-1729, GE; repetición en hierro fundido 1810, Museo Ruso). El busto del emperador representa una obra típica del barroco: es una composición dinámica con un giro helicoidal del torso, con contrastes de luces y sombras de las masas plásticas, su pintoresquismo y una acentuada diversidad de texturas. Esta es más una imagen de toda una época que de un individuo específico, y esta generalización le da al busto características monumentales, preservando al mismo tiempo la auténtica verdad histórica.

Rastrelli también se destacó por la fuerza de sus características individuales y su expresividad plástica.Busto del desconocido(1732, Galería Tretiakov).

El florecimiento de la escultura monumental rusa comienza con el primer monumento ruso, realizado por B.-K. Rastrelli, – ESTATUA DE ANNA IOANNOVNA CON EL ARAPCHOT(17321741, Museo Estatal Ruso), uno de los monumentos más destacados en términos de integridad de la imagen artística y expresividad plástica.

La estatua barroca de Anna Ioanovna es espectacular, pero en la imagen de una anciana elegante, con sobrepeso y rostro repulsivo, el despotismo asiático y el sofisticado lujo cortesano de Europa occidental se fusionaron.("Tenía un aspecto terrible", escribió N.B. Sheremeteva sobre Anna Ioannovna, "tenía una cara repugnante, era tan grande que cuando caminaba entre los caballeros, era más alta que todos los demás y extremadamente gorda".). Este es un raro ejemplo de un retrato formal verdaderamente revelador. Aquí se puede ver la simpatía de Rastrelli por Pedro y la antipatía hacia sus sucesores.

Introducción en la composición de la figura del negrito, personaje característico de la vida cortesana. XVIII siglo, necesario para el escultor para el equilibrio plástico de las masas, combinó los motivos ceremoniales y de género, intensificando el contraste con la figura “piedra” de la emperatriz. Rastrelli demostró aquí no solo un dominio impecable del lenguaje de la escultura monumental, la habilidad de generalizar preservando las características individuales, sino también una profunda penetración en el mundo de la vida rusa, en los contrastes de la vida rusa. XVIII siglo, creando un símbolo de la época.

“El ascenso de un genio” B.-K. Rastrelli los últimos cuatro años de su vida. Para 17411744 Durante el nuevo reinado de la hija de Pedro, Elizaveta Petrovna, considerada con esperanza como la sucesora de las obras de Pedro, crea un monumento ecuestre al emperador, encontrando en sus más de 60 años la fuerza creativa para cambiar por completo la primera decisión barroca de la década de 1720.

"EL MONUMENTO ECUESTRE DE PEDRO Yo » B.-K. Rastrelli crea la imagen de un comandante, un triunfante en las tradiciones, cuyo comienzo se encuentra en los monumentos a Marco Aurelio, la "Gattamelata" de Donatello y el "condottiere Colleoni" de Verrocchio. Vemos la disposición libre de la figura, la claridad y severidad de la silueta, la unidad orgánica de masa y silueta con el espacio, la integridad y definición de todas las formas en el monumento en lugar de la complejidad barroca del movimiento y la pompa de las exuberantes cortinas. . El lenguaje plástico valiente, simple y claro con el que Rastrelli glorifica la fuerza y ​​​​el poder del poder estatal ruso continúa sin duda las antiguas tradiciones del Renacimiento. Fue en ellos donde el escultor pudo crear una imagen gigantesca que personifica a una Rusia triunfante y victoriosa, la imagen de un héroe que logró una hazaña histórica y nacional: la transformación de Rusia.

El destino del monumento fue más que dramático. Durante su vida, Rastrelli sólo hizo un modelo de tamaño natural; el casting ya lo hizo su hijo (1748). Después de la muerte de Isabel, la limpieza del monumento se detuvo y luego quedó completamente olvidado. Sólo bajo Pablo I El monumento fue erigido en el Castillo Mikhailovsky (Ingenieros), donde permanece hasta el día de hoy, convirtiéndose en una parte integral del conjunto general.

Una descripción de Rastrelli estaría incompleta sin mencionar cuán fructíferamente participó en el trabajo decorativo en el diseño de la Gran Cascada en Peterhof, así como en otros géneros, incluidos bocetos de vestidos de disfraces. Él y A.K. Nartov es responsable del diseño arquitectónico y los relieves del Pilar Triunfal en honor a la Guerra del Norte. Lamentablemente, el trabajo quedó inconcluso. Sólo conocemos algunos bajorrelieves (GE y Museo Estatal).

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Hasta principios del siglo XVIII, en la pintura rusa se desarrollaron tradiciones predominantemente iconográficas.

Según las memorias de los contemporáneos, en Rusia en aquella época cualquier imagen se confundía con iconos: a menudo, cuando llegaban a la casa de un extraño, los rusos, según la costumbre, se inclinaban ante la primera imagen que les llamaba la atención. Sin embargo, en el siglo XVIII. La pintura comenzó a adquirir gradualmente características europeas: los artistas dominaron la perspectiva lineal, lo que les permitió transmitir la profundidad del espacio, buscaron representar correctamente el volumen de los objetos utilizando el claroscuro y estudiaron anatomía para reproducir con precisión el cuerpo humano. La técnica de la pintura al óleo se extendió y surgieron nuevos géneros.

Un lugar especial en la pintura rusa del siglo XVIII. tomó el retrato. Las primeras obras de este género se acercan a la parsuna del siglo XVII. Los personajes son solemnes y estáticos.

Ivan Nikitich Nikitin (1680 - c. 1742) fue uno de los primeros retratistas rusos. Ya en sus primeros retratos, la hermana mayor de Pedro I, Natalya Alekseevna (1715-1716) y su hija Anna Petrovna (antes de 1716), el volumen y la pose natural del modelo se transmitieron con una habilidad poco común para esa época. Sin embargo, en estas obras se advierte cierta simplificación: las figuras son arrancadas de la oscuridad de un espacio indefinido por un haz de luz brillante y existen sin conexión con el entorno; El artista todavía representa de manera inepta la estructura de la figura y la textura de los materiales: terciopelo, pieles, joyas.

Al regresar a San Petersburgo después de un viaje de cuatro años a Italia, Nikitin creó sus mejores obras, que mostraban la creciente habilidad del artista. Se trata de un retrato del Canciller G.I. Golovkin y un retrato conocido como “The Floor Hetman” (ambos de los años 20).

Durante la época de Pedro el Grande, muchos maestros extranjeros se establecieron en Rusia, trabajando en diferentes estilos y géneros. Johann Gottfried Tannauer (1680-1737), procedente de Alemania, pintó retratos de miembros de la familia imperial y

colaboradores cercanos de Pedro I, así como pinturas de batalla. Su famoso cuadro “Pedro I en la batalla de Poltava” (años 10) es una especie de retrato de un comandante en el contexto de una batalla, común en Europa.

Louis Caravaque (1684-1754), maestro francés invitado a Rusia, pronto alcanzó gran fama y el puesto de pintor de corte. Trabajó en Rusia durante muchos años y pintó retratos de todos los monarcas rusos, desde Pedro hasta Isabel. Su pincel es el famoso retrato ceremonial de Anna Ioannovna con un vestido de coronación (1730), que sirvió de modelo para otras obras de este género. El retrato transmite no solo la apariencia de la emperatriz, una mujer de físico poderoso, representada en una pose solemne y majestuosa, sino también su naturaleza, supersticiosa y desconfiada. Muchos pintores rusos de mediados del siglo XVIII procedieron del taller de Caravacca.

A finales de los años 20 y 30. Siglo XVIII se refiere a la breve pero brillante obra del pintor Andrei Matveevich Matveev (1701 - 1739). Después de pasar más de diez años en Holanda y Flandes, se convirtió en el primer maestro ruso que supo “escribir historias y personas”, es decir, no sólo retratos, sino también pinturas sobre temas mitológicos e históricos.

Sin embargo, Matveev es más famoso como retratista. Se considera que su obra más famosa es “Retrato de una esposa” (hacia 1729). Las discusiones entre los críticos de arte sobre quién está representado en él no han disminuido hasta el día de hoy. Lo más probable es que se trate de un autorretrato del artista con su esposa, es decir, el primer autorretrato en la historia de la pintura rusa.

Desde 1727 hasta su muerte, Matveev dirigió el "equipo de pintura" de la Cancillería desde los edificios. Antes de la apertura de la Academia de las Artes, casi todos los artistas estudiaban y trabajaban allí.

Entre los 40 y los 50. Siglo XVIII se refiere a la obra de Ivan Yakovlevich Vishnyakov (1699-1761). El retrato más exquisito de Vishnyakov representa a Sarah Eleanor Fermor, hija del jefe de la Cancillería de Edificios (1749). Una joven con un lujoso vestido de satén gris plateado bordado con flores se prepara para hacer una reverencia. Ella sostiene con gracia un abanico en su mano. Las manos en los lienzos de Vishnyakov casi siempre están pintadas con especial gracia: los dedos sólo tocan ligeramente los objetos, como si se deslizaran por su superficie. En "Retrato de Sarah Fermor", se llama la atención tanto sobre la delicada pintura de encaje como sobre el fondo decorativo del paisaje, cuyos motivos hacen eco del bordado del vestido.

Alexei Petrovich Antropov (1716-1795) nunca logró superar parte de la planitud iconográfica de la imagen: en sus retratos el espectador no siente el espacio que rodea a los modelos. Así, en el “Retrato de la dama de estado A. M. Izmailova” (1759), una mujer anciana y tosca, los colores brillantes del primer plano contrastan con un fondo absolutamente oscuro y “sordo”. En el retrato de Pedro III (17b2), representado por el artista como un comandante con un bastón de mariscal en la mano, uno llama la atención por el contraste entre la elegante figura del monarca como un títere y el ambiente pomposo con los atributos del poder imperial. - un manto, un orbe y una corona - en el contexto de la batalla.

En la segunda mitad del siglo XVIII, aparecieron nuevos géneros en la pintura de los maestros rusos: el paisaje, la vida cotidiana y la historia, que la Academia de las Artes consideraba los principales. Sin embargo, las obras más importantes todavía se crearon en el género del retrato.

Uno de los cuadros más queridos entre la gente fue pintado por Ivan Shishkin en la isla de Gorodomlya, en el lago Seliger en la región de Tver. Todo el mundo parece poder imaginarlo con tanta claridad ante sus ojos que a menudo pierden de vista algunos detalles importantes, lo que conlleva ideas erróneas. En primer lugar, no fue sólo Shishkin quien pintó el cuadro. Los osos favoritos de todos fueron representados por el famoso pintor Konstantin Savitsky. Se cree que Pavel Tretyakov eliminó su firma con las palabras que "todo en el lienzo, desde el principio hasta la ejecución, habla del estilo de Shishkin", pero no es así. De hecho, la pintura se exhibió inicialmente con las firmas de dos autores, y solo entonces el propio Savitsky pidió que eliminaran su nombre. Además, la gente a menudo confunde el título de la obra: a veces resulta ser "Tres osos", aunque hay cuatro osos, o "Mañana en un bosque de pinos", aunque el bosque es, por definición, pino.

ALEXÉI KONDRATIEVICH SAVRASOV

"Las torres han llegado"

La historia de la creación del cuadro más famoso de Savrasov, "Las torres han llegado", aún no está clara: los investigadores tienen opiniones diferentes sobre el lugar donde fue pintado. A pesar de la firma del autor de que el lugar de este trabajo fue el pueblo de Molvitino, en la provincia de Kostromá, existe la hipótesis de que el primer boceto se realizó en Yaroslavl. También se supone que Savrasov pintó el cuadro de memoria y finalmente lo completó estando ya en Moscú. Pero al mismo tiempo, los biógrafos del artista afirman que el paisaje se completó en un día.

"Las torres han llegado" fue muy apreciada por los contemporáneos: la pintura fue adquirida inmediatamente por Pavel Tretyakov. Pero el cuadro tuvo tal éxito que el autor recibió el encargo de realizar un gran número de réplicas. Savrasov a veces les hacía cambios: todas las pinturas se distribuyeron inmediatamente en varias colecciones.

MIJÁIL NÉSTEROV

"Visión a la Juventud Bartolomé"

Cuando el cuadro de Nesterov se presentó por primera vez al público a principios del siglo XX, causó una impresión desagradable en el público. Muchos críticos, incluidos artistas famosos, gritaron a todo pulmón que esta pintura era “dañina”. En su opinión, Nesterov casi había entrado en el campo de los pintores de iconos y consideraban inaceptable cruzar una obra de arte con una imagen de la iglesia. Sin embargo, hubo quienes sintieron la sutil intención del autor, que aún hoy hace que el público se congele ante la imagen: el artista combinó lo divino y lo real en un lienzo: las imágenes de un anciano y un niño.

El propio Nesterov estaba convencido de que este cuadro era su mejor obra y, en su vejez, le gustaba repetir: “No seré yo quien vivirá. "El Joven Bartolomé" vivirá. Ahora, si treinta o cincuenta años después de mi muerte todavía le dice algo a la gente, eso significa que está vivo, y eso significa que yo también estoy vivo”.

Ivan Glazunov

“¡Crucifícalo!”

Ivan Glazunov es el sucesor de la dinastía creativa, hijo del famoso artista Ilya Glazunov, a quien a menudo se confunde con el creador de la pintura "¡Crucifícale!". El caso es que el cuadro “¡Crucifícale!” Era el trabajo de graduación del joven Iván, pero a los espectadores generalmente les resulta difícil imaginar que un lienzo tan grandioso haya sido creado por un estudiante. La pintura, que en 1994 asombró al comité de graduación con su composición y ejecución, hoy sigue provocando admiración y acalorados debates. La imagen de Jesús atado en el cuadro, rodeado de hombres armados agresivos, a menudo se asocia con la imagen de Rusia.

No fue casualidad que Ivan Glazunov recurriera a la imagen de Cristo: su rostro aparecía a menudo en los lienzos de su padre, Ilya Glazunov. Luego, la apelación del padre Glazunov a la imagen del santo despertó la ira entre las autoridades soviéticas; hoy la dinastía de artistas es conocida y respetada en todo el mundo.

MIKHAIL KLODT

"Robledal"

Klodt se destacó entre los paisajistas rusos del siglo XIX porque siempre representó la vida de los aldeanos, sin embellecerla ni idealizarla. En sus pinturas, el artista transmitía la vida y la naturaleza tal como aparecían ante sus ojos. Y para lograr una alta precisión de la imagen, Klodt a veces tuvo que reescribir sus lienzos varias veces. Su especial atención al detalle se nota en la pintura "Oak Grove", que también es interesante porque en ella Klodt viola específicamente los cánones académicos: los planos cercano y medio se representan con la misma claridad y el fondo está completamente ausente.

A pesar de la gran apreciación de la obra de Klodt por parte de sus contemporáneos, su situación financiera siempre fue difícil, lo que puede atribuirse a la falta de espíritu empresarial del artista: no sabía cómo vender con éxito sus pinturas. Y los últimos años de la vida del fructífero maestro resultaron especialmente difíciles: Klodt estaba necesitado y se vio obligado a pedir dinero prestado a diferentes personas.

IGOR GRABAR

"Nieve de marzo"

Grabar estudió en la Facultad de Derecho de la Universidad de San Petersburgo, pero después de graduarse decidió convertirse en artista y en 1894 ingresó en la Academia de las Artes, donde enseñaba el famoso pintor ruso Ilya Efimovich Repin.

"March Snow" fue escrito por Grabar en 1904, cuando estaba visitando a su amigo en el pueblo de Churilkovo, cerca de Moscú. En la pintura, el artista quería representar un día normal de marzo acercándose al atardecer. Todo en el lienzo habla de la proximidad de la primavera: la nieve es oscura y saturada de agua, y en los tejados de las cabañas del pueblo, visibles a lo lejos, no queda nada de nieve. Grabar casi había terminado el trabajo en el lienzo, pero en un camino descongelado vio accidentalmente a una niña con una mecedora y dos cubos corriendo a buscar agua; el artista inmediatamente decidió cambiar la trama del lienzo y capturó la figura de la niña en el centro de su pintura.

ARKHIP KUINDZHI

"Noche de luna en el Dnieper"

Se organizó una exposición personal del cuadro "Noche de luna en el Dnieper", un hecho sin precedentes en ese momento. Kuindzhi fue llamado el "artista del color" por su amor por el juego de contrastes de luces y sombras y su capacidad para transmitir eficazmente puestas de sol solares y noches de luna. Pero esta pintura superó todas las expectativas del público y ya durante su creación adquirió una fama sin precedentes: Kramskoy, Mendeleev, Turgenev y muchos otros vinieron al estudio del artista para contemplar el inusual paisaje. "La noche de luna en el Dnieper" fue adquirida rápidamente por el gran duque Konstantin Konstantinovich, quien ni siquiera en un viaje alrededor del mundo quiso desprenderse de ella. Con el tiempo, también debido al aire húmedo del mar, el paisaje empezó a oscurecerse y, desgraciadamente, gran parte de la riqueza de los medios tonos de esta imagen se ha perdido hoy.

VASILÍ POLÉNOV

"Otoño dorado"

El “Otoño dorado” todavía hoy parece ser la encarnación del sueño de un habitante de la ciudad de un paisaje libre del bullicio cotidiano. Antes de empezar a trabajar, el artista deambuló durante mucho tiempo por las orillas del Oka en su propia finca en busca de una naturaleza mejor. Finalmente, eligió un lugar en una colina que ofrecía una de las mejores vistas panorámicas del río, que el artista ya había plasmado en los cuadros “Nieve temprana” y “Ojos en verano”. Esta vez Polenov quería representar no sólo un paisaje cercano a su corazón, sino también su estación favorita: el otoño. Para la composición de la pintura "Otoño dorado", el artista eligió una solución inusual: capturó el río en forma de arco. Esta forma del Oka, como señalan los críticos de arte, completa el paisaje y ayuda al ojo del espectador a realizar un viaje visual a través del lienzo.

VASILY ANDREEVICH TROPININA

"La encajera"

El cuadro del siervo Tropinin “La encajera” se hizo famoso gracias a una feliz coincidencia. Como regalo de Pascua, Tropinin, que había sido siervo durante 47 años, recibió la libertad de su amo, el Conde Morkov. Inmediatamente fue a San Petersburgo con el objetivo de cumplir su viejo sueño: recibir un diploma de la Academia de las Artes, donde anteriormente había estudiado el arte del dibujo. Entre las otras pinturas que presentó a la comisión se encontraba “La encajera”. Este viaje cambió toda la vida del ex siervo. Un año más tarde, el artista recibió el título de académico y en 1843 fue elegido miembro honorario de la Sociedad de Arte de Moscú.

La pintura en sí fue un fenómeno de un nuevo género de retrato, que representaba las alegrías ordinarias de la vida y abrió al artista Tropinin a la sociedad. Se destacó especialmente cómo la autora logró capturar el carácter de una chica sencilla inclinada sobre su trabajo.

ISAAC ILYICH LEVITAN

"Otoño dorado"

Tanto la obra de Levitan en general como “Otoño dorado” en particular no eran muy comunes en la pintura rusa de esa época. Levitan introdujo el concepto de "paisaje ambiental" en la pintura rusa, y "Otoño dorado" es una de las obras más emblemáticas y queridas en este sentido por el público.

Pero la imagen no le resulta demasiado familiar al propio Levitan. El artista dedicó más de cien cuadros al otoño, pero en este en particular no reflejó la tristeza tradicional en estos casos. Al contrario, cada elemento del lienzo parece estar iluminado por la luz dorada del sol. Los historiadores del arte asocian este hecho con un período especial en la vida del artista: en el momento de pintar, Levitan estaba enamorado. Hay una versión de que el autor no estaba satisfecho con su trabajo y un año después pintó otro cuadro con el mismo nombre: el nuevo lienzo fue ejecutado de la manera familiar para el artista.

GAVRIIL ROMANOVICH DERZHAVIN

"Monumento"

Con este trabajo, Derzhavin realmente cambió la idea que la sociedad tenía de los poetas y los transfirió de la categoría de "bufones" a la categoría de maestros de un género serio. En el siglo XVIII estaba muy extendida la idea del poeta-payaso, que se veía obligado a soportar los caprichos y las burlas de la corte. El poema de Derzhavin, escrito en 1795, se convirtió en la primera obra de la literatura rusa en la que el personaje principal era un poeta creador con un sentido de autoestima. El autor de “Monumento” defiende al poeta y habla de la necesidad de reconocer el derecho a la libertad de creatividad. Más tarde, la historia de una creación milagrosa quedó plasmada en las obras de los contemporáneos del escritor: Kapnist y Lomonosov. Este tema sobrevivió durante mucho tiempo a la era del propio Derzhavin: Pushkin, Mayakovsky y Akhmatova regresaron a él.

A principios de los siglos XVII y XVIII, Rusia entró en una nueva etapa de la vida social y estatal. Las reformas de Pedro I, que entendió correctamente las exigencias del desarrollo interno del país, aceleraron y consolidaron este giro histórico, que se manifestó decisivamente en todas las esferas de la vida; las nuevas tareas espirituales y estéticas que enfrentaba la cultura de Rusia ya no podían; resolverse con éxito en el marco del antiguo arte ruso, que había agotado sus capacidades. Sin embargo, cabe señalar que fueron precisamente las conquistas que acumuló en las formas de reflejar la realidad las que brindaron la oportunidad de una asimilación sin precedentes de todos los logros de la cultura europea.

Sería un error explicar esta brusca transición de la cultura eclesiástica medieval de Rusia a la nueva cultura predominantemente secular sólo aprendiendo de Europa occidental. El valor de la contribución de los artistas rusos al arte mundial no está en la imitación, no en los préstamos, sino en la originalidad nacional, en la originalidad de la respuesta del nuevo arte ruso a las necesidades sociales y espirituales de su tiempo, su país, su gente. .

La pintura rusa del siglo XVIII, habiendo cumplido su misión histórica, fue casi olvidada en el siglo siguiente. Sólo a finales del siglo XIX revivió el interés por este arte único y se empezó a percibir nuevamente su encanto. Un crédito considerable por resucitar una capa entera en la historia de la pintura rusa pertenece a los primeros artistas, especialmente A. N. Benois y S. P. Diaghilev. Se abren grandes exposiciones de pinturas de maestros del siglo XVIII, aparecen nuevas publicaciones en la literatura de historia del arte y se pone de moda sentir y apreciar el aroma de tiempos pasados.

Pero realmente fue posible imaginar la imagen del desarrollo de la pintura rusa del siglo XVIII solo gracias a los esfuerzos de los investigadores soviéticos, el trabajo minucioso de los restauradores y la actividad desinteresada de los trabajadores del museo. Ahora este maravilloso arte ha ocupado el lugar que le corresponde en la cultura de nuestro tiempo.

El arte ruso del período de transición, el primer cuarto del siglo XVIII, se distingue por su especial originalidad. Entrelaza de manera compleja, a veces inesperada e intrincada, elementos de la antigua cultura rusa emergente y el nuevo arte, dominando con energía y avidez los medios visuales modernos. Toda la vida de esta época está imbuida del patetismo de las victorias militares y del espíritu de transformación. Los artistas comienzan a utilizar los logros de la ciencia, estudian anatomía, perspectiva, claroscuro y dominan el lenguaje alegórico de la pintura de Europa occidental. Una comprensión fundamentalmente nueva del valor de la personalidad humana, su actividad, el significado de la actividad con propósito es inseparable de las duras, pero llenas de grandes hazañas de la época de Pedro 1. En pintura, esto se manifestó más claramente en el retrato, con el que se asocian los primeros logros del nuevo arte ruso.

Bajo Pedro 1 trabajaron muchos pintores extranjeros que nos dejaron imágenes de miembros de la familia imperial, militares y figuras gubernamentales de la época. Sin embargo, en las exposiciones de retratos del primer cuarto del siglo XVIII, la atención principal no la atraen las pinturas de extranjeros, bastante profesionales, pero superficiales, sino los retratos de artistas rusos: Nikitin y Matveev, a quienes Yakov Shtelin llamó grandes maestros en sus notas. Al contemplar sus obras, es imposible no sorprenderse de la rapidez con la que los pintores rusos, formados en iconos y parsuns, supieron dominar las técnicas del arte europeo y con qué verdadero sentido de las tareas de su época las aplicaron en los retratos. .

I. N. Nikitin (c. 1690-1741 o c. 1680, no antes de 1742) fue enviado por Pedro 1 a estudiar pintura en Venecia y Florencia. El aprendiz de Peter no abordó el dominio del arte europeo de manera escolástica, sino que logró desarrollar su propio lenguaje artístico independiente. Sus retratos se distinguen por la sencillez de composición y la moderación, acordes con el duro espíritu de la época y el estilo de vida puritano del emperador y sus asociados. 1 no veremos aquí ni una sombra de la pompa y la apariencia del retrato ceremonial de Europa occidental. Las últimas obras maestras de Nikitin (Pedro I en su lecho de muerte, Retrato del canciller G.I. Golovkin y Floor Hetman) combinan una habilidad pictórica madura con una aguda observación, la capacidad de transmitir la importancia del carácter de los modelos. Pedro 1 apreció el arte de su maestro personal; le escribió a su esposa que Nikitin debería pintar el retrato del rey polaco, para que supieran que hay buenos maestros entre nuestro pueblo.

Otro polluelo del nido, L.M. Matveev (1701 - 1739), también fue enviado a estudiar al extranjero, a Amsterdam y Amberes, donde el seco academicismo dominaba el arte de esa época. El joven artista aprendió allí sólo habilidades técnicas, conservando plenamente su independencia creativa. En San Petersburgo, que estaba en construcción, supervisó la pintura de iglesias y palacios, dirigiendo el equipo de pintura de la Oficina de Edificios. El mayor valor lo representan los pocos retratos que se conservan de su obra, extremadamente veraces y espontáneos, llenos de un alto sentido de la dignidad humana.

El primer período de reacción que siguió a la muerte de Pedro no pudo tener un efecto beneficioso en el desarrollo del arte nacional ruso. En los tiempos oscuros del bironovismo, el predominio de artistas extranjeros que no eran de primer rango, que trabajaban en las tradiciones de la pintura ceremonial del barroco tardío, aunque en cierta medida amplió los horizontes puramente técnicos y profesionales de los artistas rusos, aún frenó las tendencias progresistas. . Sólo en los años 40 comenzó un nuevo auge de la pintura rusa.

El arte de los "tiempos felices de Isabel" se distinguió por la dualidad. Los mejores logros de este período pertenecen a la arquitectura, donde floreció el genio del notable maestro barroco Rastrelli. En la pintura ceremonial de esa época triunfaron la decoratividad y la alegoría. Sin embargo, en el retrato, las tendencias más importantes resultaron ser las asociadas no con la espectacular pintura de extranjeros (G. Groot, P. Rotary, L. Tokke), sino con el arte nacional, que tiene profundas raíces en la cultura popular rusa. .

Después de la muerte de Matveev, el equipo de pintura pasó a estar dirigido por I. Ya Vishnyakov (1699 - después de 1761), un artista cuya obra aún ha sido poco estudiada. Compitiendo con éxito con los italianos visitantes en pintura decorativa, en retratos dio ejemplos muy originales de la combinación de planitud y parsuna estática con la gracia del rococó. La brillante individualidad de su talento le permitió aportar vitalidad a las tendencias parsun y al mismo tiempo superar el manierismo de los retratos ceremoniales de Europa occidental.

Las tradiciones nacionales se manifestaron con especial claridad en las obras del artista siervo I. P. Argunov (1727-1802) y del hijo de un simple cerrajero L. P. Antropov (1716-1795). No tuvieron que estudiar en el extranjero, pero dominaron a la perfección las técnicas y composiciones del retrato ceremonial de Europa occidental. Sin embargo, lo que cautiva en sus obras no es tanto la habilidad formal como el realismo, la veracidad y la capacidad de delinear claramente los personajes. Su trabajo reflejaba la identidad nacional de la sociedad rusa de mediados del siglo XIX, lo que presagiaba el inminente florecimiento del arte. El colorido e incluso a veces el carácter decorativo de las pinturas de Antropov no se acercan a los ejemplos italianos, sino al florecimiento del arte popular ruso. La actitud atenta hacia las personas y el realismo de la pintura determinaron la importancia de Antropov en el desarrollo posterior del arte ruso; basta decir que entre sus alumnos se encontraba un artista tan destacado como D. P. Levitsky.

La segunda mitad del siglo XVIII fue una época de verdadero florecimiento, de verdadero auge de la pintura rusa. Durante el último medio siglo, Rusia ha logrado alcanzar a otros países europeos en cuanto a desarrollo cultural. Además, si, por ejemplo, en Francia en el siglo XVIII la aristocracia estaba en declive y se preparaba para finalmente ceder su posición a una nueva clase, entonces en Rusia la monarquía absolutista y la nobleza todavía estaban llevando a cabo una misión histórica progresista encaminada a fortalecer y desarrollar su país.

Los rusos avanzados asimilaron las ideas de los ilustradores franceses; soñaban con el desarrollo de una persona "natural", con una monarquía razonable, los sentimientos patrióticos eran fuertes en Rusia; Por primera vez en Rusia se formó un círculo de intelectuales avanzados. Se organizó una universidad en Moscú, apareció el primer teatro profesional y la enseñanza de lenguas extranjeras abrió el acceso a los tesoros del pensamiento mundial. Después de las grandes obras de M.V. Lomonosov, la literatura se desarrolló rápidamente. El clasicismo en la arquitectura dio resultados brillantes en Rusia. El aspecto de la pintura rusa también ha cambiado radicalmente.

En 1757 se creó la Academia de las Tres Nobles Artes, destinada a desempeñar un papel importante en la formación de cuadros nacionales de maestros de arquitectura, escultura y pintura. La cobertura de los fenómenos de la vida por parte de las bellas artes se expandió significativamente en este momento. Han aparecido nuevos géneros en la pintura y el nacimiento de la pintura histórica rusa está relacionado precisamente con la Academia.

A pesar del carácter normativo de los programas de formación, la Academia proporcionó a sus estudiantes una excelente formación profesional, especialmente en el campo del dibujo. Los viajes de negocios de los graduados al extranjero también fueron muy importantes para ampliar sus horizontes. Así, el primer pintor histórico ruso, A. P. Losenko (1737 -1773), hijo de un campesino, que luego se convirtió en director de la Academia, tras completar sus estudios en San Petersburgo, se fue primero a París, donde trabajó para el pintores famosos Retu y Vienne, y luego a Roma. Talentoso y persistente, que tomó en serio los ideales cívicos del clasicismo y dejó en su Diario valoraciones precisas de las pinturas de viejos maestros que vio en Europa, Losenko no era un estudiante tímido de provincias extranjeras. La Academia de París le concedió dos medallas.

Pintó sus cuadros principales después de regresar a su tierra natal, y la composición "Vladimir y Rogneda", que tuvo un éxito rotundo, se convirtió en la primera pintura sobre el tema de la historia rusa. Su temprana muerte le impidió terminar su segundo gran cuadro, El adiós a Andrómaca de Héctor. Posteriormente, ya a principios del siglo XIX, Reiners escribió que “en él se había perdido el Lomonosov de la pintura rusa”. Las pinturas históricas de sus sucesores en la Academia (P.I. Sokolov e I.A. Akimov) estaban lejos de distinguirse por ese patetismo y habilidad patrióticos.

Otro nuevo tipo de pintura fue el paisaje. Es cierto que en la Academia se consideraba un género secundario, y el primer paisajista profesional ruso, S. F. Shchedrin (1745-1804), sólo a finales de siglo encabezó la recién formada clase de paisajistas. Pero el sentimiento de la naturaleza, la comprensión de su belleza, se arraigó cada vez más en la cultura rusa. La admiración poética por la naturaleza en la literatura y el florecimiento del arte de los parques rusos se volvieron especialmente característicos de finales del siglo XVIII. Durante el período del sentimentalismo y del romanticismo temprano, el paisaje finalmente adquirió un significado artístico independiente. El papel de Shchedrin en este proceso es importante: no sólo dominó para la pintura rusa los logros de los paisajes de Europa occidental, desde Lorena hasta Hubert Robert, sino que también logró mostrar en sus pinturas, aunque todavía bastante convencionales y decorativas, el encanto de la naturaleza rusa y la belleza de los maravillosos parques rusos.

Un lugar importante en la pintura de paisajes lo ocupó el paisaje urbano, especialmente las vistas de San Petersburgo, el esplendor de sus conjuntos se convirtió en motivo de orgullo para el pueblo ruso y admiración para los extranjeros. El primer cantante de pintura del norte de Palmira fue F. Ya. Alekseev (1753/55 - 1824). Habiendo aprendido el arte de la pintura de los venecianos, pudo apreciar y revelar plenamente las oportunidades que le brindaba al artista la ciudad real del Neva. Sus vistas de San Petersburgo estaban al nivel de las magníficas creaciones de los arquitectos rusos.

Al igual que el paisaje, la Academia consideraba que el género cotidiano era el tipo de pintura más bajo. La especificidad de una cultura predominantemente noble no contribuyó a su desarrollo, pero aún así fue un enfoque realista de la realidad, el surgimiento de nuevas fuerzas sociales impulsó a los artistas a centrar su atención en temas rurales y campesinos (M. Shibanov, I. Ermenev), y a la vida privada de la clase media. Es característico que el autor de la primera pintura de género rusa, el joven pintor, fuera I. Firsov (alrededor de 1733-después de 1784), que procedía de entre los comerciantes de Moscú. Maestro de la pintura decorativa, fue enviado a París en 1765, donde trabajó bajo la supervisión del famoso conocedor y mecenas de las artes D. A. Golitsyn, quien, dicho sea de paso, escribió: “La clase media también es necesaria para la prosperidad. de las ciencias y las artes. Firsov no pudo evitar verse influenciado por las ideas de igualdad, el nivel de autoconciencia de los pintores parisinos, así como por las obras maestras del género cotidiano de Chardin y el trabajo de sus seguidores.

Sin embargo, la ampliación de la gama temática no pudo privar al género de su lugar destacado, cuyos logros pusieron la pintura rusa al mismo nivel que las escuelas europeas más desarrolladas. El arduo trabajo de los artistas rusos en el retrato a finales del siglo XVIII dio sus frutos. Fue aquí donde se alcanzaron las alturas de la maestría pictórica, y fue en el retrato donde los maestros rusos pudieron expresar con particular profundidad las ideas educativas avanzadas de su época. La pintura rusa incluía psicologismo y un rico contenido ideológico y filosófico.

Una nueva etapa en el desarrollo del arte del retrato, que ahora no se limita a capturar los rasgos individuales de una persona, sino que penetra en su mundo interior, estuvo marcada por el trabajo de quizás el artista ruso más atractivo del siglo XVIII: F. S. Rokotov. (1735/Z b-1808). Sólo recientemente, y aun así lejos de ser exhaustivos, fue posible esclarecer las circunstancias de su vida, envueltas en numerosas leyendas y especulaciones.

El asombroso talento de Rokotov rápidamente le trajo fama y reconocimiento en la corte (pintó retratos ceremoniales de Catalina II y los herederos al trono), pero sus mejores obras se remontan al período de su vida en Moscú, donde el talento del artista en el campo de la intimidad. , Florecieron los retratos de cámara. La antigua capital, más librepensadora que la oficial San Petersburgo, y sus círculos progresistas ilustrados ejercieron una influencia beneficiosa sobre Rokotov. Sabía transmitir inteligencia, ironía y creatividad en los retratos de representantes de la intelectualidad moscovita; estos retratos asombraron a sus contemporáneos por su vitalidad y psicologismo; El amigo de Rokotov, N. E. Struisky, le escribió al artista sobre su retrato de A. P. Sumarokov: ... tú, casi en un juego, notaste solo la apariencia de su rostro y la agudeza de sus ojos, en esa hora su alma ardiente, con toda su ternura. de corazón, en el lienzo que le das vida no se esconde...”

Con el paso de los años, la sofisticación de la habilidad del artista crece, su visión del mundo interior del hombre se vuelve más aguda. El objetivo principal no es recrear la plenitud del carácter, sino los movimientos del alma más sutiles, a veces difíciles de captar. Las imágenes femeninas de Rokotov son especialmente buenas ahora, cuyo lirismo, suavidad y poesía eran tan consistentes con el estilo pictórico del artista. Al tratar de resolver cada retrato en una clave, correspondiente a la estructura espiritual del modelo, Rokotov permite que la cálida pintura subyacente brille a través de los más finos veladuras. Los movimientos libres del pincel aplican al lienzo trazos ligeros y derretidos de colores ahumados, azulados plateados, oliva y rosa ceniza. El juego de medios tonos, la musicalidad del color, el “crepúsculo” de los fondos y la suavidad de las formas añaden misterio a sus imágenes femeninas, una atmósfera de tristeza poética surge a su alrededor, el movimiento del color se siente en el lienzo y en la mirada. Se profundiza mágicamente, las pestañas se agitan, las comisuras de los labios tiemblan, el estado de ánimo cambia sutilmente.

Menos subjetivo es el retrato de otro gran maestro de la segunda mitad del siglo XVIII: D. G. Levitsky (1735 - 1822). El abanico de posibilidades de este artista es inusualmente amplio. Su pintura es más material y sólida, el colorido es más intenso, sabe y le encanta extraer efectos decorativos, cambiando la naturaleza de la disposición de las manchas de color saturado en el lienzo. Por lo tanto, Levitsky pintó voluntariamente retratos ceremoniales, que no eran inferiores a los mejores ejemplos de Europa occidental en términos de representación, capacidad de utilizar accesorios, fondo, pose, gesto y brillo pictórico.

En sus cuadros se puede sentir el peso del terciopelo, el susurro de la seda, el frío brillo del metal, la punzante aspereza de los bordados de oro, la transparencia y el juego de las piedras preciosas. Sin embargo, todo este lujo pictórico no impide que el artista demuestre la vigilancia de un psicólogo en los mejores retratos ceremoniales (por ejemplo, P. A. Demidov o A. F. Kokorinov). Los efectos decorativos de la famosa serie de grandes retratos de "Smolnyankas" (alumnos del Instituto Smolny para Doncellas Nobles) sólo ayudan al maestro a resolver la tarea principal: glorificar el encanto de la juventud y la alegría de vivir.

Pero, tal vez, lo que era especialmente querido en el corazón de Levitsky, como el de Rokotov, era el trabajo sobre retratos íntimos, conmovedores y llenos de calidez. Conoció a las personas mejores y más ilustradas de su tiempo, fue miembro del círculo de G.R. No es coincidencia que los retratos de Levitsky incluyan a Novikov, Lvov y Diderot, quienes visitaron Rusia en 1773. La claridad mental y la profundidad de la percepción de la realidad ayudaron a Levitsky a crear retratos extremadamente convincentes y completos de personas de su época.

A finales de siglo, surgieron nuevas opiniones y estados de ánimo en la literatura y la pintura rusas. Se siente un cierto alejamiento del culto al pensamiento racionalista, se empiezan a valorar especialmente los sentimientos tiernos”, el sentimentalismo colorea la poesía, el paisaje y el retrato en tonos específicos. Aquí, los mayores logros recaen en el tercer retratista ruso destacado: V. L. Borovikovsky (1757 - 1825), cuya creatividad floreció a finales de los siglos X-XIX. En sus retratos íntimos, especialmente los de mujeres, además de su virtuosa habilidad pictórica, cautivan la pureza moral, el lirismo y la sinceridad. Hay en ellos un matiz de idealización, pero proviene de la estructura espiritual del propio artista, de su calidez y sensibilidad, de elevadas ideas sobre el hombre.

Sus pocas composiciones ceremoniales son más objetivas e individualizadas, entre las que destaca el brillante retrato del príncipe A. B. Kurakin.

No menos característico del arte de esta época es el trabajo de S. S. Shchukin (1758 - 1828), quien estudió en París y luego reemplazó a Levitsky como profesor de retratos en la Academia. Posee el famoso retrato de Pablo I, en el que la simplicidad de la composición y la moderación del color se combinan con el sorprendente poder y la expresividad del análisis psicológico. El arte de Shchukin, en el que ya se notan elementos del romanticismo, presagia el mayor desarrollo del retrato ruso en el primer tercio del siglo XIX.

A lo largo de estos cien años, la pintura rusa ha recorrido un largo camino desde el arte ruso antiguo hasta convertirse en ejemplos perfectos del nivel europeo. Sus conquistas en varios géneros brindaron la oportunidad para el surgimiento de futuros magníficos maestros: Kiprensky, Venetsianov y Sylvester Shchedrin.

Iván Petrovich Argunov

Biografía de Ivan Petrovich Argunov

Argunov I.P. es un retratista ruso, uno de los fundadores del retrato de cámara en Rusia. En su obra utilizó técnicas barrocas, que tuvieron una gran influencia en el desarrollo del retrato realista ruso. Argunov dominó el estilo de pintura de Europa occidental y en sus obras combinó armoniosamente técnicas extranjeras con una originalidad verdaderamente rusa. Sus obras reflejan las tradiciones del retrato europeo y el estilo de pintura de iconos rusos, lo que hace que sus obras sean originales y únicas.

Ivan Petrovich creció en la familia de su tío Semyon Mikhailovich Argunov. Su tío era mayordomo de los príncipes de Cherkasy y más tarde administrador de la casa de los condes Sheremetev. A lo largo de su juventud, el futuro artista tuvo que realizar numerosas tareas domésticas. Se convirtió en mayordomo en la casa de P.B. Sheremetev primero en San Petersburgo y luego en Moscú.

A diferencia de muchos artistas rusos, nunca experimentó la pobreza, pero toda su vida sintió la dualidad de su posición: por un lado, un artista reconocido, por el otro, un esclavo impotente.

Iván no recibió ninguna educación artística especial. Según algunas fuentes, sus profesores eran sus primos, alumnos de Andrei Matveev en la Oficina de Edificios. Tuvieron una influencia significativa en la formación de la cosmovisión artística de su hermano menor. Presumiblemente, en el período de 1746 a 1749, Argunov estudió con G.H. Groot, el artista de la corte de la emperatriz Isabel.

En 1747, junto con Groot, creó iconos para la iglesia del Gran Palacio Tsarskoye Selo.

Los primeros retratos de Argunov incluyen imágenes del príncipe Ivan Ivanovich y la princesa Ekaterina Alexandrovna Lobanov-Rostovsky. El retrato de la princesa es impresionante. Una cierta rigidez, combinada con una combinación cromática basada en matices de colores fríos, confiere al retrato una peculiar y frágil ternura.

Las obras del período 1750-1760 inician una nueva etapa en la obra de Ivan Argunov. En "Retrato de un artista desconocido" y "Retrato de una mujer desconocida", el artista crea un nuevo tipo de imagen: un "retrato íntimo". El artista representa a una persona en una conexión orgánica con objetos que caracterizan sus intereses e inclinaciones: el personaje principal está representado con un periódico y su esposa con un libro. Esto indica la educación de la pareja.

El artista parece exponer sus almas, revelando el secreto de su esencia. Los retratos reflejan personalidad. Como regla general, estos retratos son de tamaño pequeño, representados principalmente de cintura para arriba y la paleta de colores es modesta.

La creatividad de Argunov floreció en la década de 1760. A finales de los años sesenta, los Sheremetev se trasladaron a Moscú y nombraron al artista director de su Casa del Millón en San Petersburgo.

Debido al trabajo constante en la casa, como gerente, el artista escribe muy raramente. Pero fue durante estos años cuando creó quizás su obra más famosa, “Retrato de una mujer desconocida vestida de ruso”.

Su pintura se convirtió en la primera pintura sobre un tema campesino en el arte ruso. La pintura representa a una mujer vestida de campesina de la provincia de Moscú. Esta es una imagen pura y brillante de una mujer rusa con un alma pura. En el retrato, la artista encarna la tranquilidad, la majestuosidad y la dignidad interior de una mujer del pueblo.

Un lugar importante entre las obras de Argunov de la década de 1760 lo ocupan los retratos ceremoniales encargados. Argunov era el retratista de la corte de los Sheremetev y, por lo tanto, pintó repetidamente retratos de los Sheremetev ("Retrato del conde P.B. Sheremetev" y el "Retrato de la condesa V.A. Sheremeteva" emparejado).

Buscó crear una atmósfera de secularismo refinado y relajado, representando, por ejemplo, al Conde Sheremetyev en una pose espectacular sobre un fondo de paisaje convencional, y a la Condesa con un lujoso vestido de brocado decorado con rosas.

También creó una serie de retratos familiares de los nobles Lazarev: armenios que se mudaron a Rusia y contribuyeron a la difusión de la educación entre el pueblo armenio y su introducción a la cultura rusa.

En 1768, Argunov creó el "Retrato de Tolstoi". Representa a una mujer mayor de rostro inteligente y tranquilo. En sus manos sostiene agujas de tejer e hilo, lo que añade una nota inesperadamente íntima al tipo ceremonial del retrato.

Con el paso de los años, el arte del artista adquiere mayor profundidad, se vuelve más perfecto y sutil, lo que se expresa especialmente en el retrato infantil "Retrato de la mujer kalmyk Annushka".

En 1788, Argunov fue nombrado director de la Casa Sheremetev de Moscú. Aquí se desempeñó como gerente y enseñó a sus hijos, el arquitecto Pavel Ivanovich, los pintores Nikolai y Yakov, y también participó en la construcción del famoso teatro palaciego en Ostankino, construido según el diseño de su hijo Pavel Ivanovich Argunov.

La era de Pedro I es de fundamental importancia para todo el arte ruso de los tiempos modernos. Rusia en todos los ámbitos, incluso en el campo de la construcción cultural, tenía que estar a la par de los países de Europa occidental. Peter comprendió la enorme importancia que para Rusia tenía el dominio de la avanzada experiencia artística de Occidente. Se compraron obras de maestros de Europa occidental, se organizaron viajes de jubilados a expensas de los maestros rusos para estudiar en Europa, se invitó a artistas extranjeros a trabajar y formar a maestros rusos en Rusia.

I. N. Nikitin. Retrato del hetman del suelo. década de 1720 Lienzo, óleo.

Si bien notamos los cambios en el arte ruso, no debemos olvidar que se basaron en un gran patrimonio histórico y fueron preparados por el curso anterior del desarrollo de la cultura artística. En el arte del siglo XVII. Ya aparecieron nuevas características, por ejemplo, la construcción de palacios, comenzó a determinarse el género del retrato en la pintura, pero se revelaron más plenamente a principios del siglo XVIII. Las tradiciones nacionales influyeron decisivamente en la naturaleza de la creatividad de muchos maestros extranjeros que trabajaron en Rusia.

A. M. Matveev. Respuesta automática con mi esposa. Lienzo, óleo.

La esencia de las transformaciones de Pedro en el campo de la cultura es su "secularización". Esto significa que el arte se vuelve secular, deja de servir únicamente a los intereses del culto religioso. La composición misma del arte se está transformando, aparecen nuevos tipos de actividad y géneros artísticos y, finalmente, el lenguaje visual está cambiando. La base de la pintura pasa a ser la observación, el estudio de las formas de la naturaleza terrena y del hombre, y no seguir modelos canonizados, como en la Edad Media.

Entre los géneros de la pintura, desde la época de Pedro el Grande y durante todo el siglo XVIII. el retrato se convierte en el líder. El trabajo de dos retratistas rusos, I. N. Nikitin y A. M. Matveev, marca el nacimiento del retrato psicológico actual.

V. L. Borovikovsky. Retrato de A. G. y V. G. Gagarin. 1802. Óleo sobre lienzo. Galería Estatal Tretyakov. Moscú

La construcción civil y palaciega de la época de Pedro el Grande es un nuevo período brillante en la historia de la arquitectura rusa.

Subordinado a las tareas de la vida práctica, el arte en la época de Pedro se entendía como un alto grado de habilidad: "arte" en cualquier materia, ya fuera pintura, escultura o fabricación de un modelo de barco o mecanismos de reloj. La fusión del arte con la tecnología, la ciencia y la artesanía determina el carácter artístico y de ingeniería especial de la cultura de la época de Pedro el Grande. No solo el estado, sino también la mayor acción cultural de Pedro I fue la fundación de San Petersburgo, la nueva capital del joven Imperio ruso, que se convirtió en el centro del nuevo arte.

A. G. Venetsianov. En la cosecha. Verano. década de 1820 Lienzo, óleo. Galería Estatal Tretyakov. Moscú.

El arte comienza a servir para decorar la vida y la vida cotidiana, adquiriendo un carácter festivo, magnífico y decorativo junto con una escala monumental. Estos rasgos obtuvieron su expresión más vívida y perfecta en la obra del gran arquitecto V.V. Rastrelli, constructor del Gran Palacio en Tsarskoe Selo y del Palacio de Invierno en San Petersburgo, brillantes ejemplos del estilo barroco.

Segunda mitad del siglo XVIII. - una época de florecimiento poderoso y brillante del arte ruso de los tiempos modernos. El tiempo del aprendizaje de Europa ha pasado. Fundada en 1757, la Academia de las Artes de San Petersburgo se convirtió en una forja de personal artístico nacional. El sistema de educación artística se simplificó y los contactos con el mundo cultural europeo se centraron más. El comienzo de la Academia de las Artes coincidió con el establecimiento del clasicismo, un estilo que contrastaba la pompa decorativa y la extravagancia del barroco con la lógica estricta, la claridad razonable y la proporcionalidad, que se redescubren en las obras clásicas del arte antiguo y el Renacimiento. En arquitectura, este es el momento de la actividad de arquitectos tan destacados como V. I. Bazhenov, autor de la casa Pashkov en Moscú, M. F. Kazakov, constructor del edificio del Senado en el Kremlin de Moscú y de muchos edificios públicos y privados en Moscú, I. E. Starov. Según el proyecto que construyó el Palacio Tauride en San Petersburgo, Charles Cameron es el creador de un magnífico conjunto de palacio, jardines y parques en Pavlovsk, cerca de San Petersburgo. El auge de la escultura rusa en las obras de F. G. Gordeev, I. P. Martos, M. I. Kozlovsky, F. F. Shchedrin también se asocia con la era del clasicismo. El retrato escultórico de F. I. Shubin se distingue por una excepcional perspicacia psicológica, coraje y flexibilidad de técnicas artísticas, ajenas a cualquier esquema convencional. La evidencia de la madurez del arte ruso, lograda en la segunda mitad del siglo XVIII, es la diversidad de individuos creativos, que se refleja, por ejemplo, en la diferencia en el estilo artístico de los dos más grandes maestros del retrato: F. S. Rokotov y D. G. Levitsky. . La pintura de Levitsky está llena de brillo, arrobamiento por la belleza visible del mundo material, cautiva con la plenitud de vida, la asombrosa variedad de tipos humanos recreados, la riqueza de entonaciones emocionales: solemnidad, gracia, astucia, orgullo, coquetería, etc. Rokotov en los mejores retratos de la década de 1770. aparece como un maestro de la caracterización íntima, manifestada en los matices y matices de las expresiones faciales, que parpadean misteriosamente en la oscuridad de fondos pintorescos. La obra de V. L. Borovikovsky, que completa el brillante florecimiento del retrato artístico del siglo XVIII, está marcada por la influencia de ideas y sentimientos del sentimentalismo.

F. S. Rokotov. Retrato de A. P. Struyskaya (fragmento). 1772. Óleo sobre lienzo. Galería Estatal Tretyakov. Moscú.

Con la llegada del siglo XIX. Se están produciendo cambios importantes en el arte ruso. El comienzo del siglo estuvo marcado por el nacimiento de un nuevo movimiento artístico: el romanticismo, cuyo primer exponente fue O. A. Kiprensky. La pintura rusa debe el descubrimiento de la pintura al aire libre en el paisaje a S. F. Shchedrin. A.G. Venetsianov se convierte en el fundador del género cotidiano ruso. Por primera vez, refiriéndose a la descripción de la vida campesina, la mostró como un mundo lleno de armonía, grandeza y belleza. Contrariamente a la oposición entre “naturaleza simple” y “naturaleza elegante” que existía en la estética académica, lo elegante se descubrió en un campo de actividad que antes se consideraba indigno del arte. Por primera vez, el lirismo conmovedor de la naturaleza rural rusa se escuchó en las pinturas de Venetsianov. Excelente maestro, educa a una galaxia de artistas como A.V. Tyranov, G.V. Soroka y otros. El interior se convierte en uno de los géneros protagonistas de su obra, junto al paisaje y el retrato. Se enriquece la composición de géneros del arte ruso. Al representar la vida en su apariencia simple y sin pretensiones, en el pacífico fluir de la vida cotidiana, en imágenes de la naturaleza nativa, hicieron que la belleza en el arte fuera acorde con los sentimientos de la gente común que percibe lo bello y lo poético como momentos de descanso y silencio, ganados de preocupaciones y trabajos cotidianos. Al mismo tiempo, surge un sistema visual, opuesto a la escuela académica, un sistema basado no en una orientación hacia los patrones tradicionales del pasado, sino en la búsqueda de patrones armoniosos y poesía en la realidad cotidiana y ordinaria. La realidad invade poderosamente el arte y nos lleva a los años 40. al florecimiento de la gráfica cotidiana y satírica (V.F. Timm, A.A. Agin), que representa una analogía con la “escuela natural” en la literatura. Esta línea de arte alcanza su culminación en la obra de P. A. Fedotov, quien introduce el conflicto en la imagen cotidiana, desarrolló una acción dramática con un trasfondo social satírico, obligando al entorno externo a servir a los propósitos de las características sociales, morales y más tarde psicológicas de los héroes. Repensar las formas tradicionales de la escuela académica da lugar a creaciones tan monumentales en la pintura histórica como "El último día de Pompeya" de K. P. Bryullov, por un lado, y "La aparición de Cristo al pueblo" de A. A. Ivanov, por el otro. otro. Ivanov enriqueció la pintura con un profundo desarrollo psicológico, el descubrimiento de un nuevo método de boceto para trabajar en un gran lienzo. La sabia asimilación de la herencia clásica, la comprobación de sus preceptos con la propia experiencia de pintar al aire libre, la escala de los conceptos creativos, la actitud hacia el don creativo como una gran responsabilidad por iluminar a la gente y mejorar su cultura espiritual, todo esto. hizo de la obra de Ivanov no sólo una escuela de excelencia, sino también una gran lección de humanismo en el arte.

O. A. Kiprensky. Retrato de un niño A. A. Chelishchev. DE ACUERDO. 1809. Óleo sobre lienzo. Galería Estatal Tretyakov. Moscú.

Primer tercio del siglo XIX. - la etapa más alta en el desarrollo del clasicismo en la arquitectura rusa, generalmente llamado estilo Imperio. La creatividad arquitectónica de este período no es tanto el diseño perfecto de edificios individuales como el arte de la organización arquitectónica de grandes espacios de calles y plazas. Estos son los conjuntos de planificación urbana de San Petersburgo: el Almirantazgo (arquitecto A. D. Zakharov), la Bolsa en el asador de la isla Vasilievsky (arquitecto J. Thomas de Thomon), la Catedral de Kazán (arquitecto A. N. Voronikhin). Los conjuntos de K.I. Rossi, el autor del edificio del Estado Mayor que completó la composición de la Plaza del Palacio, y el complejo de edificios, calles y plazas alrededor del Teatro de Alejandría en San Petersburgo, que él diseñó, están marcados por el grandioso alcance de pensamiento urbanístico.

V. A. Tropinin. Retrato del hijo de Arseny Tropinin. 1818. Óleo sobre lienzo. Galería Estatal Tretyakov. Moscú.

Desde principios de la década de 1860, desde la abolición de la servidumbre, el arte ruso ha recibido una fuerte atención crítica y, por tanto, habla de la necesidad de cambios sociales fundamentales. El arte lo declaró, retratando el mal de la injusticia social, exponiendo los vicios y males de la sociedad (la mayoría de las obras de V. G. Perov de la década de 1860). Contrastó el estancamiento de la vida moderna con el poder transformador de los puntos de inflexión en las épocas históricas (pinturas de V. I. Surikov de la década de 1880).

S. F. Shchedrin. Noche de luna en Nápoles. 1828-1829. Lienzo, óleo. Museo Estatal Ruso.

La combinación de la verdad de los personajes y las circunstancias con una descripción veraz de la vida en las formas en que se percibe en la experiencia cotidiana es una característica del realismo crítico o democrático, en consonancia con el cual el arte ruso avanzado se ha ido desarrollando desde entonces. principios de la década de 1860. El caldo de cultivo y el principal público de este nuevo arte fueron los diversos intelectuales. El apogeo del realismo democrático en la segunda mitad del siglo XIX. asociado con las actividades de la Asociación de Exposiciones de Arte Itinerantes, fundada en 1870 (ver Peredvizhniki). El líder ideológico y organizador de los Peredvizhniki fue I. N. Kramskoy, uno de los artistas más profundos, un teórico, crítico y maestro talentoso. Bajo su influencia rectora, el TPHV contribuyó a la consolidación de fuerzas artísticas avanzadas, la expansión y democratización de la audiencia gracias a la accesibilidad del lenguaje artístico, la cobertura integral de los fenómenos de la vida popular y la capacidad de hacer que el arte sea socialmente sensible, capaz. de plantear temas y cuestiones que preocupan a la sociedad en un momento histórico determinado.

A. I. Kuindzhi. Tarde en Ucrania. 1878. Óleo sobre lienzo. Museo Estatal Ruso. Leningrado.

En la década de 1860. La pintura de género dominó, en los años 70: el papel del retrato (V. G. Perov, I. N. Kramskoy, N. A. Yaroshenko) y el paisaje (A. K. Savrasov, I. I. Levitan, I. . I. Shishkin, A. I. Kuindzhi, V. D. Polenov). El destacado crítico e historiador del arte V.V. Stasov desempeñó un papel importante en la promoción del arte de los Peredvizhniki. Al mismo tiempo, se desarrollaba la actividad coleccionista de P. M. Tretyakov. Su galería (ver Galería Tretyakov) se convierte en un bastión de la nueva escuela realista; el perfil de su colección está determinado por las obras de los Itinerantes;

El siguiente período del arte ruso es el final del siglo XIX y principios del XX. Los años 80 fueron una década de transición, cuando el realismo peredvizhniki alcanzó su apogeo en las obras de I. E. Repin y V. I. Surikov. Durante estos años, se crearon obras maestras de la pintura rusa como "La mañana de la ejecución de Streltsy", "Boyaryna Morozova" de V. I. Surikov, "La procesión religiosa en la provincia de Kursk", "El arresto del propagandista", "Eran No esperado” de I. E. Repin. Junto a ellos ya actúan artistas de la nueva generación con un programa creativo diferente: V. A. Serov, M. A. Vrubel, K. A. Korovin. Las contradicciones del desarrollo capitalista burgués tardío tienen un impacto en la vida espiritual de la sociedad. En la mente de los artistas, el mundo real está marcado por el estigma de la codicia burguesa y la mezquindad de intereses. Se empieza a buscar la armonía y la belleza más allá de los límites de la aparente realidad prosaica, en el ámbito de la fantasía artística. Sobre esta base, renace el interés por los temas fabulosos, alegóricos y mitológicos (V. M. Vasnetsov, M. V. Nesterov, M. A. Vrubel), lo que lleva a la búsqueda de una forma artística que sea capaz de trasladar la imaginación del espectador a la esfera de las ideas folclóricas. recuerdos del pasado o vagas premoniciones del futuro. El predominio de imágenes y formas que expresan indirectamente el contenido de la modernidad sobre las formas de su reflejo directo es uno de los rasgos distintivos del arte de finales del siglo XIX y principios del XX. La complejidad del lenguaje artístico caracteriza el trabajo de los representantes del "Mundo del Arte", un grupo artístico que surgió a principios de los siglos XIX y XX.

V. M. Vasnetsov. Alenushka. 1881. Óleo sobre lienzo. Galería Estatal Tretyakov. Moscú.

El estilo Art Nouveau se volvió definitorio durante este período. Junto con la pintura, la arquitectura se está desarrollando activamente, dominada por el estilo Art Nouveau, las artes decorativas y aplicadas, la gráfica de libros, la escultura y las artes teatrales y decorativas. Las áreas de aplicación de la creatividad artística se están expandiendo enormemente, pero lo más significativo es la interacción y la influencia mutua de todas estas áreas. En estas condiciones, se forma una especie de artista universal que puede “hacer de todo”: pintar un cuadro y un panel decorativo, realizar una viñeta para un libro y una pintura monumental, esculpir una escultura y crear un boceto de un traje teatral. En diversos grados, las características de tal universalismo se observan, por ejemplo, en las obras de M. A. Vrubel y del principal arquitecto del estilo Art Nouveau en Rusia, F. O. Shekhtel, así como en los artistas del mundo del arte.

Los hitos más importantes en la evolución de la pintura rusa de principios de siglo están marcados por las obras de V. A. Serov, cuya obra está imbuida del deseo, utilizando nuevas formas estilísticas, de evitar los extremos formalistas, de lograr la claridad y la sencillez clásicas. manteniendo al mismo tiempo la fidelidad a los preceptos de la escuela realista, su humanismo, en el que se combina una visión sobria y crítica del mundo con una idea del elevado propósito del hombre.

A. K. Savrasov. Han llegado las torres. 1871. Óleo sobre lienzo. Galería Estatal Tretyakov. Moscú.

Vida artística de principios del siglo XX. caracterizado por una intensidad sin precedentes. Acontecimientos revolucionarios de 1905-1907. Estimuló el desarrollo del arte socialmente activo. Las obras de N. A. Kasatkin, S. V. Ivanov y otros encarnaron los acontecimientos sociales más importantes de estos años, la imagen del trabajador como fuerza principal de la revolución. Muchos maestros trabajan en el campo de los gráficos políticos satíricos y las caricaturas de revistas.

La gama de tradiciones artísticas a las que recurre el arte del siglo XX es inusualmente amplia. Junto con el movimiento Errante, que continúa su vida, existe una variante de la pintura impresionista entre los maestros de la Unión de Artistas Rusos, el simbolismo, representado por las obras de V. E. Borisov-Musatov y los artistas de la asociación Blue Rose.

K. A. Korovin. En invierno. 1894. Óleo sobre lienzo. Galería Estatal Tretyakov. Moscú.

El deseo de renovar el lenguaje artístico recurriendo al estilo de la artesanía urbana y el arte popular, juguetes, grabados populares, carteles, dibujos infantiles, teniendo en cuenta la experiencia de la última pintura francesa, caracteriza la actividad de los artistas del "Jack "Diamantes", una sociedad fundada en 1910. En la obra de los maestros de esta dirección - P. P. Konchalovsky, I. I. Mashkov, A. V. Lentulov - el papel de la naturaleza muerta aumenta significativamente. Las tradiciones de la pintura rusa antigua reciben una nueva refracción en el arte de K. S. Petrov-Vodkin.

F. A. Vasiliev. Antes de la lluvia. 1869. Óleo sobre lienzo. Galería Estatal Tretyakov. Moscú.

Alcanza un ascenso significativo a principios de los siglos XIX y XX. escultura. P. P. Trubetskoy introduce en él rasgos impresionistas. Sus composiciones de retratos se distinguen por la nitidez de un momento de la vida capturado y la riqueza de matices sutiles. Trabajando con materiales blandos, Trubetskoy devolvió a la escultura el sentido perdido del material y la comprensión de sus propiedades expresivas. El monumento a Alejandro III, creado por Trubetskoi en 1909, es un ejemplo único de solución de imagen grotesca en la historia de los monumentos. Entre los logros notables de la escultura monumental se encuentra el monumento a N.V. Gogol, creado por N.A. Andreev (1909).

En la escultura de 1912 "El hombre sentado" de A. S. Golubkina, aparece una imagen que sintetiza ideas sobre el destino del proletario moderno: es un símbolo de fuerza temporalmente limitada, pero llena de espíritu rebelde. La creatividad de S. T. Konenkov se destaca por su variedad de géneros y formas estilísticas. Las impresiones reales de las batallas revolucionarias las encarna el escultor en el retrato "Trabajador-combatiente 1905 Ivan Churkin". No sólo los rasgos faciales, sino también la solidez del bloque de piedra, acentuada por el cuidadoso tratamiento, dan lugar a la imagen de una voluntad indestructible, templada en el fuego de las luchas de clases. Las tradiciones de la escultura clásica están reviviendo en la obra de A. T. Matveev.

S. A. Korovin. Al mundo. 1893. Óleo sobre lienzo. Galería Estatal Tretyakov. Moscú.

El deseo de repensar y resucitar a una nueva vida casi todas las imágenes y formas inventadas por la humanidad a lo largo de su historia centenaria, y al mismo tiempo los experimentos formales, que a veces llegaron al punto de negar todas las tradiciones, son manifestaciones extremas de La situación artística del arte ruso de principios del siglo XX. Sin embargo, estos extremos en sí mismos fueron un indicador del profundo conflicto interno de la vida rusa en vísperas de la revolución y, a su manera, reflejaron la complejidad de la época, que, en palabras de A. Blok, trajo “cambios inauditos , revueltas sin precedentes”. En estas condiciones se cultivó esa sensibilidad a los fenómenos del tiempo que, junto con una alta cultura artesanal, los mejores artistas del período prerrevolucionario trajeron al arte soviético (ver.