18세기 외국과 러시아 예술. 학교 백과사전

일찍이 17세기에 새로운 변화가 나타났다는 사실도 인식해야 하지만, 18세기 초에 이르러 새로운 예술은 급속한 발전을 이루며 결정적인 승리를 거두었다. 따라서 18세기 러시아 예술은 내부적으로 관련이 있지만 여러 면에서 중세 고대 러시아 예술과 크게 다릅니다. 18세기 미술의 특징은 미술의 세속화이다.

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러시아 미술 18 세기

18세기는 러시아 역사에서 중요한 시기이다.지금은 변화와 구조조정의 시기이다경제, 정치, 군사, 사회러시아의 구조와 변화 V 교육, 과학그리고 예술. 피터의 개혁으로 새로운 변화가 시작되었습니다.나.

피터 나는 유럽 문명의 길을 향해 나라를 돌렸다.지금은 러시아 생활의 유럽화 과정이 활발히 진행되는 시기입니다.. 고대 러시아에서 신러시아로, 중세에서 현대로의 전환은 러시아에서 거의 300년 동안 지속되었으며, 새로운 형태의 생명체가 서구에서 이미 형성되는 동안 일어났습니다. 불과 50년 만에 러시아는 모든 분야에서 서구에서 2~3세기 동안 지속된 발전의 길을 거쳐야 했습니다.발달은 역동적이고 강렬하며 활동적인 성격을 띠게 됩니다.따라서 러시아 미술의 특징은 '압축된' 전개이다.이러한 압축은 러시아 예술의 여러 문체 경향의 병행 존재, 일부 문화 현상과 객관적인 조건의 불일치, 변화의 일관성 부족 및 다양한 예술 영역에서의 동시성을 발생시켰습니다.단계별로 원활한 흐름은 없지만 전환점과 급격한 전환을 이야기하고 있습니다.우리도 인정해야 하지만새로운 변화가 나타났다는 사실 XVII 세기, 그러나 처음에는 XVIII 세기, 새로운 예술은 급속한 발전을 이루며 결정적인 승리를 거두었습니다.피터 1세 새로운 시대의 형성을 추진한 기관차였습니다.러시아 최초의 황제가 될 운명의 사람이 왕좌에 오른다는 것은 "종교적 신심"의 지배, 국가 및 국가 권력 숭배, 세속 예술의 형성과 함께 중세 시대의 종말을 의미했습니다.

러시아 세속 예술은 표트르 대제의 불꽃놀이 속에서 탄생했습니다.사람으로서 피터는 새로운 예술의 형성에 일정한 영향을 미쳤습니다. 표트르 대제 시대의 혁신은 일상생활의 급격한 변화와 새로운 패션의 침입에 반영되었습니다. 피터는 사람들을 해외 유학으로 보냅니다. 피터 자신은 많은 것에 관심이 있고 많은 문제에 대한 전문 지식을 보여줍니다.

세계를 이해하려는 열망, 과학의 발전, 서적 인쇄의 확장, 표트르 대왕 통치 말기에 과학 아카데미 창설 등이 모든 것이 새롭고 세속적 문화를 강화하는 데 기여했습니다. 지식의 파토스와 국가의 파토스가 예술에 스며듭니다.

러시아 예술은 중세의 고립을 버리고 범유럽 발전의 길로 들어서고 있지만 결코 수세기에 걸친 국가 전통을 깨뜨리지는 않습니다.

러시아인들은 여러 가지 방법으로 유럽 예술에 대해 알게 되었습니다. 서구 예술가들은 러시아에서 작업하도록 초대되었고, 유럽 예술 작품은 해외에서 구입되었으며, 가장 유능한 대가들은 연금 수급자, 즉 국가 자금을 위해 해외 국가에서 공부했습니다. 첫 번째 사절 인 예술가 형제 Nikitin, M. Zakharov 및 F. Cherkasov는 1716 년 이탈리아로 갔고 Andrei Matveev는 네덜란드로갔습니다.

나머지는 대다수였으며 집에 머물면서 병기고, 상트 페테르부르크 인쇄소, Kunstkamera 또는 기타 정부 부서의 전통을 공부했습니다.

1706년 이래로 시무처가 조직되었고, 1723년에 상트페테르부르크의 모든 건설 작업을 담당하고 공공 서비스에 소위 국가 건축가와 화가를 모두 통합하는 건물 사무실로 이름이 변경되었습니다. Peter는 러시아 예술 아카데미 설립 계획을 세우고 그에게 제안된 프로젝트를 분석했습니다. 그러나 독립 예술 아카데미는 피터 아래 조직되지 않았습니다. 1724년 황제는 '아카데미, 즉 예술과학회'를 설립하라는 칙령을 내렸고, 1726년부터 과학아카데미에는 그림과 판화를 주된 업무로 삼는 미술학과가 생겼다. , 가장 긴급한 성격의 순전히 실용적인 작업입니다. . 1748년이 되어서야 미술학과가 건축, 조각, 회화, 원근법 수업을 포함하도록 확장되었습니다.

따라서, 러시아 예술 XVIII 세기는 중세 고대 러시아 예술과 내부적으로 연결되어 있지만 여러면에서 크게 다릅니다. 예술의 특성 18세기는 예술의 세속화, 즉예술의 세속적 성격;상태, 공개 성격;유럽화 , 유럽 예술 형식을 빌리는 것; 성장하는 역할합리적 사고와 인지; 현실적인 추세의 적극적인 개발.

러시아 미술 감상 XVIII 러시아와 소련 미술사의 세기는 달랐습니다. 이미 40대 19 세기 N. Kukolnik은 우리가 불평했습니다우리의 과거를 망각에 맡기고 현대 미술을 '외계인'으로 인식했습니다.. 중간과 후반의 슬라보필 19 V. 지난 세기의 예술을 비판했다.고대 러시아 뿌리와의 분리. V.V. 민주적 비판의 일반적인 입장을 표현하는 Stasov는 그에게서 보았습니다.고귀한 문화의 표현일 뿐이고,고귀한 이상으로 인해 그를 비난했습니다.카피주의와 모방, 뒤에 "프랑스 패션의 지방적 반복". Viollet le Duc은 일반적으로 다음과 같이 썼습니다. XVIII까지 세기, 러시아 예술은 동양을 향한 활이었고 그 이후로 XVIII 세기 서부 . 그리고 마지막 3번째에만 19 20세기가 지나면서 이 시대의 예술에 대한 관심이 높아지고 있으며, 특히 이곳의 “예술의 세계” 예술가들에게 빚을 지고 있습니다. 본 연구는 『유명인 초상화 역사전』을 시작으로 시작되었다. XVI XVIII 세기." 카탈로그 컴파일러 P.N. Petrov는 1902년 World of Art가 주최한 전시회(1700년부터 1850년까지 150년 동안의 러시아 초상화 전시회)와 1905년에 출품했습니다. (소위 Tauride는 Tauride 궁전에서 열렸 기 때문에) 1906 년 파리와 베를린에서 열린 러시아 초상화 전시회, 1912 년 "Lomonosov and the Elizabethan Time"전시회, "Old"잡지 출판에서 년”, 주로 예술에 전념 XVIII 세기 (19071916). 그러나 연인들은 XVIII 세기, "예술의 세계"는 이 시대의 예술가들에게서도 서유럽 예술의 능숙한 모방자들만을 보았습니다.

연구 XVIII 수세기 동안 지속되었습니다.더블 엑스 세기. 문제를 이해하고 평가하는 소련 미술사 XVIII 세기가 지나면서 다양한 시대가 지났으며 박물관 귀속 연구에서 일반화 이론 연구까지 연구의 성격이 다릅니다.

N. Kostomarov는 이렇게 썼습니다. “역사적 정치가로서 피터는 무의식적으로 그에게 마음을 끄는 매우 도덕적인 특성을 그의 성격으로 우리를 위해 보존했습니다. 이 특성은 그가 평생 동안 영혼을 바친 사상에 대한 헌신입니다. 그는 러시아를 사랑했고, 러시아 국민을 사랑했으며, 자신의 통제하에 있는 현대 러시아 국민 대중의 의미가 아니라 그가 이 국민을 데려오고 싶은 이상이라는 의미에서 그들을 사랑했습니다. 그리고 그의 후손에게 해로운 영향을 끼친 그의 피비린내 나는 학살과 사기를 저하시키는 모든 전제주의를 제쳐두고, 우리 자신의 의지에 반하여 그의 인격을 사랑하도록 우리를 자극하는 높은 특성을 그에게서 구성하는 것은 바로 이 사랑입니다. 러시아 국민의 이상에 대한 피터의 사랑으로 인해 러시아인은 자신이 인민의 이상을 잃을 때까지 피터를 사랑할 것이며, 이 사랑을 위해 그는 그의 기억에 무거운 짐으로 떨어진 모든 것을 그를 용서할 것입니다.” (Kostomarov N. 그녀의 전기에서 가장 중요한 인물의 러시아 역사. T. 3. P. 243).

러시아 미술의 다음 주기화가 채택되었습니다. 18 세기:

• 18세기 전반:

1700-1725 (1분기 XVIII 세기) 베드로 시대;

1730년부터 1740년까지 Anna Iannovna 시대;

• XVIII 중반 세기 (1740-1760) Elizabeth Petrovna 시대.
• XVIII 후반 캐서린의 세기의 시간 II.

전반전의 러시아 예술 XVIII 세기.

1분기에 18 세기 , 소위피터의 시간, 모두 새로운 시대의 모순과 갈등은 특히 적나라하고 악화된 형태로 나타난다.이때도 있다 “순수한” 새로운 예술, 그리고 새로운 요소가 있는 오래된, 그리고 마지막으로옛날 방식의 발전. 극도로 새로운 문체 장치도 다양했습니다.이상한 바로크, 로코코, 고전주의 요소의 혼합. 시작 스타일 시스템의 중간(연결) 링크 XVIII 세기는 페트린 바로크(Petrine Baroque)라고 불리는 초기 바로크 시대이다.

피터 바로크이탈리아 바로크, 초기 프랑스 고전주의, 로코코, 네덜란드 토목 건축 및 기타 여러 스타일과 운동의 영향을 결합한 건축 스타일입니다. 상트페테르부르크에서 일한 각 건축가는 자신이 대표하는 건축 학교인 자국의 전통을 건축한 건물의 모습을 구현했습니다. 따라서 피터의 바로크는 순수한 형태의 바로크가 아니며, 이 용어는 다소 자의적이다. 동시에 이는 표트르 대제 시대의 잠재적이고 여전히 암묵적인 경향을 확실히 반영하고 18세기 중반 러시아 건축이 성숙한 바로크 양식으로 발전한 과정을 설명하는 데 도움이 됩니다.

러시아 건축이 시작되었습니다 XVIII 세기 ( "Petrine Baroque")는 체적 구조의 단순성, 구분의 명확성, 장식 및 조각 장식의 제한, 정면의 평면 해석이 특징입니다.(정면은 선명한 대조 그림자를 제공하지 않는 기둥 또는 블레이드로 구분됩니다). 이는 최종 아키텍처와 비교할 때 특히 두드러집니다. XVII 세기와 XVIII 세기 중반. 당시 모스크바에서 인기가 있었던 Naryshkin 바로크 양식과 달리 Peter the Great 바로크 양식은 비잔틴 전통과의 결정적인 단절을 나타냅니다.

모든 건축 가능성은 상트페테르부르크 건설에 집중되었습니다., 1703년에 항구와 요새로 건설되었으며 1712년에 국가의 수도가 되었습니다.

어려운 북부 전쟁 상황에서 늪지대에 도시를 건설한다는 것은 대담하고 거의 비현실적인 아이디어였습니다. (“세계에서 가장 계획된 도시”라고 F.M. Dostoevsky는 나중에 이에 대해 말했습니다.) 국가의 모든 세력은 과장하지 않고 새로운 도시 건설에 투입되었습니다 (Peter I는 St.를 제외한 모든 곳에서 석조 건물 건설을 금지했습니다. . 당시 상트페테르부르크) . 그렇다고 모스크바에서 건설 작업이 전혀 수행되지 않았다는 의미는 아닙니다. 그러나 상트페테르부르크가 진정한 중심지가 되며 이를 통해 러시아와 서방 간의 살아있는 연결이 실현됩니다. 모스크바와 러시아 지방의 건축물에서는 오래된 전통이 오랫동안 순수한 형태로 살아 있습니다.

우승자 피터는 유럽 군주보다 나쁘지 않고 화려 함도 열등하지 않기를 원했기 때문에 모든 국내 마스터 건축가와 많은 외국인이 상트 페테르부르크와 그 교외 (이탈리아 인, 프랑스 인, 독일인, 네덜란드 인)를 건설하도록 초대되었습니다.

유럽 ​​건축으로 눈을 돌리면 러시아 땅에 도시의 또 다른 이상, 즉 정기적이고 합리적으로 계획된 통합 건축 앙상블이 나타납니다.중세 시대와 달리 이것은 더 이상 역사적, 대체로 자발적인 발전의 최종 결과가 아니라 일종의프로젝트를 기반으로 만들어진 거대한 작품.

피터는 프랑스 왕실 건축가를 초대했습니다장 밥티스트 르블론(16791719), 개발 중상트페테르부르크 계획 프로젝트(1716). 그러나 계획의 일부 추상성과 지역 지형의 복잡성으로 인해 이 프로젝트가 실현되지는 않았지만 Leblond 프로젝트의 규칙성에 대한 일반적인 정신은 상트페테르부르크 건축물에 보존되었습니다.

내 자신 평행하고 수직으로 배열된 거리와 빨간색 선을 따라 건물을 갖춘 규칙성과 대칭성을 갖춘 도시 계획은 고대 러시아 도시에 비해 새로운 것이었습니다.

도시 계획은 중세의 방사형 원형 계획을 버리고 직사각형 거리 네트워크, 주요 도로가 한 지점에 모여 "삼지창"을 형성하는 방식 및 기타 유사한 레이아웃을 선호합니다.

도시는 처음에 요새와 항구로 생겨났습니다.따라서 첫 번째 건물 중 하나는 다음과 같습니다.피터 파벨의 요새(1703년 5월 16일(27) 토끼섬에서 창립)제해권(조선소), 요새로 둘러싸여 있습니다.

도심은 처음에는 요새 바로 아래에 있는 페테르스부르크(페트로그라드 섬) 쪽에 계획되었으나 곧 바실리예프스키 섬으로 옮겨졌습니다. 도시의 중심은 또한 Admiralteyskaya 쪽이었으며, 다소 나중에 발생한 Nevsky 및 Voznesensky Avenues와 Gorokhovaya Street가 첨탑이있는 Admiralty Tower에서 세 개의 광선으로 이어졌습니다.

외국 건축가 중 건축 발전에 가장 큰 역할이 시작되었습니다 XVIII 세기가 속한도메니코 트레시니(c. 16701734), 당시 그는 실제로 상트 페테르부르크의 주요 건축가가되었습니다.

페트로파블로프스크 요새의 페트로파블로프스키 대성당(17121733, 1756년 화재 이후 원래 형태로 복원됨) 새 수도의 지배적인 특징,Domenico Trezzini의 가장 유명한 건물 중 하나. 이것은 첨탑과 날아 다니는 천사 형태의 풍향계가있는 높은 종탑으로 서쪽 부분에 완성 된 바실리카 3 본당 교회입니다. 상트페테르부르크에서 가장 높은 건물인 성 베드로와 성 바울 대성당(텔레비전 센터 타워 제외). 높이는 122.5m, 첨탑 높이는 40m, 천사 형상의 높이는 3.2m, 날개 길이는 3.8m입니다.

종탑은 더 이상 러시아인의 눈에 익숙한 사각형 위의 팔각형이 아니라 유럽 종탑이나 시청 탑을 연상시키는 단일 다층 덩어리를 나타냅니다. 대성당은 표트르를 시작으로 러시아 황제들의 무덤이었다.나.

세속적 성격피터와 폴 대성당의 일반적인 모습,비유적인 솔루션의 단순성, 장소 도시 앙상블의 "맥락"에 있는 건물들이 모든 것이 피터 시대의 다른 기념물 중에서 Trezzini 작품의 근본적인 역할을 결정했습니다.

도메니코 트레치니또한 수행 피터와 폴 요새의 PETROVSKIE GATES(17071708년에 처음으로 나무로, 17171718년에 돌로 옮겨짐) 북부 전쟁에서 러시아의 승리를 기념합니다. 이것은 동쪽 부분에서 요새의 정문이며, 승리 건물이 시작된 유일한 생존 사례입니다. XVIII 세기. 그들은 반원형 아치형 페디먼트가 있는 거대한 다락방을 얹은 단일 베이 아치 모양을 가지고 있으며 통화와 부조로 장식되어 있습니다. 문을 장식하기 위해 조각가 Konrad Osner the Elder가 초대되어 "사도 베드로에 의한 마구스 시몬의 전복"이라는 나무 부조를 만들어 스웨덴에 대한 러시아의 승리를 우화적인 형태로 찬양했습니다 (나중에 돌 문으로 옮겨짐) ). 문의 벽감은 전쟁의 여신 벨로나(Bellona)의 동상과 미네르바(Minerva)의 지혜의 동상으로 장식되었으며, 그 저자는 N. Pino에 귀속됩니다.

대형공사 D. 트레치니는 12개 대학의 건설(부처) (1722, Mikhail Zemtsov의 참여로 1742년 완료) 고등 정부 기관을 위한 것입니다. 3층짜리 긴 단일 건물은 12개의 동일한 요소(셀) "대학"(각각 독립된 지붕이 있음)으로 나뉘며, 1층의 단일 복도와 갤러리로 연결됩니다(현재까지 하나만 살아남았습니다). 두 개의 상층을 연결하는 기둥은 건물 전체에 응집력 있는 성격을 부여합니다.

베드로 밑에서 시작되었고 완전히목적과 건축이 새로운 러시아 최초의 박물관 건물쿤스트카메라 , 연속적으로 서로 교체되어 구축되었습니다.게오르그 요한 마타르노비, 니콜라이 페도로비치 게르벨, 가에타노 키아베리, 미하일 그리고리예비치 젬초프(17181734). 건물을 완성한 타워는 천문 관측을 위한 것이며, 2층과 3층에 합창단이 있는 대형 이중 높이 홀은 자연사 수집품과 도서관을 위한 것이었습니다.

상트페테르부르크의 초기 건물 중피터의 여름 궁전나는 여름 정원에서 (17101714, 도메니코 트레치니, 안드레아스 슐뤼터등), 높은 지붕을 갖춘 단순한 직사각형의 2층 건물입니다. Neva와 Fontanka가 합류하는 해안에 위치한 이 집에는 Fontanka와 연결되어 있고 물에서 아파트로 직접 들어갈 수 있는 작은 "Havanese" 수영장이 있었습니다. 이화원의 정면은 A. Schlüter와 그의 팀이 Ovid의 Metamorphoses를 주제로 제작한 1층과 2층 창문 사이에 있는 부조로 장식되어 있습니다. 조각품, 분수, 동굴이 있는 여름 정원(피터 시대에는 "식물원"이라고 불림)은 러시아 최초의 일반 공원 중 하나의 예입니다. 1725년에 M. Zemtsov는 정원에 "영광스러운 축하를 위한 홀"을 건설했습니다(보존되지 않음).

궁전 A.D. 멘시코바 네바 강변의 바실리예프스키 섬(1710-1720년대, 건축가.조반니 마리아 폰타나고트프리트 셰델 , 60~80년대 복원 XX세기), 새로운 유형의 영지 거주지를 나타냅니다.. 궁전 단지는 새로운 석조 궁전, 오래된 목조 궁전, 교회 및 새 건물 뒤의 넓은 정식 정원으로 구성되었습니다. 전체 단지 중에서 비록 변형된 형태이긴 하지만 석조 궁전 건물만 우리에게 도달했습니다.

이 기간 동안 도시 부지와 함께 시골 주택 건설이 시작되었습니다., 주로 핀란드만을 따라: Ekateringof, Strelna, Oranienbaum. 이 기간 동안 놓여졌다.피터호프 - 왕의 시골 거주지. 베르사유 모델을 바탕으로 한 페테르호프의 형성은 이후의 군주들 아래서도 계속되었습니다.

Oranienbaum 궁전과 공원 앙상블에는 건축가 D.M.의 디자인에 따라 지어진 Great Menshikov Palace가 있습니다. Fontana 및 I. G. Shedel, 1710 - 1727. Great Menshikov Palace의 주요 외관 길이는 210m입니다. 궁전의 중앙 부분은 2층으로 되어 있으며, 그 옆에는 호 모양으로 펼쳐지고 일본식 파빌리온과 교회 파빌리온으로 끝나는 단층 갤러리가 있습니다. 일본식 건물과 교회 건물의 두 개의 별채는 회랑과 직각으로 연결되어 있어 궁전의 배치는 "P"자 모양입니다. 별채는 왕궁 안뜰의 경계를 형성합니다. 궁전은 오라니엔바움 공원을 두 개의 불평등한 부분, 즉 규칙적인 레이아웃을 가진 하부 정원과 잘 조경된 상부 공원으로 나눕니다. 동시대 사람들은 그 당시 Peterhof를 능가하는 고요한 전하 왕자의 시골 거주지의 전례없는 사치에 주목했습니다.

많은 관심이 집중되고 있습니다개인 주거용 건물 건설. Trezzini와 Leblon의 프로젝트에 따르면 Trezzini가 이끄는 건물 사무실은 점토와 쇄석으로 만든 뒤채움재가 있는 나무 프레임을 사용하여 소위 진흙 비둘기 건물을 세울 계획입니다. 일반적으로 2층 건물은 이미 지어졌습니다. 돌. 주택은 (주로 부동산 자격에 따라) 차별화되었지만 이 틀 내에서는 의무적인 개발 유형이었으며, 이것이 일반적인 이름이 "모범"인 이유입니다(예:전형적인). 개인 주택이 있는 도시 건설은 서유럽 모델에 따라 수행되었습니다.: 보도를 따라 건물이 배치됨주요 정면은 안뜰이 아닌 거리에 있습니다.그리고 울타리와 대문과 함께한 줄의 거리와 제방을 만들었습니다..

1710년경 벽돌 공장이 등장하면서 벽돌 건물이 세워지기 시작했는데, 이 건물은 회반죽을 바르고 석고로 만든 플라스틱 부품을 보충하고 페인트를 칠했습니다. 2층과 3층은 순서요소를 결합해 지붕을 높게 만들었다.

이것은 상트 페테르부르크가 점차적으로 형성되는 방식입니다. 발트해 바람과 홍수를 겪은 늪과 수많은 섬에서 늙은 러시아 중심지에서 멀리 떨어져 있지만 모든 논리에 어긋나는 것처럼 꾸준히 성장했습니다.

상반기 모스크바 건축의 가장 중요한 건물 XVIII 새로운 추세를 반영하는 세기에는 모스크바 크렘린의 아스날 건물, M.P의 개인 주택 인 모스크바의 대천사 가브리엘 교회 (멘시코프 타워)가 있습니다. 모스크바 트베르스카야 거리의 가가린(1707-1708, 보존되지 않음).

모스크바 크렘린의 아스날 건물Trinity 타워와 Nikolskaya 타워 사이에 1702-36 년 (건축가 Christopher Conrad, D. Ivanov, Mikhail Choglokov)에 지어졌으며 무기와 다양한 군사 장비를 보관하기 위해 고안되었습니다. 건물은 여러 번 불에 탔고, 건축가 D.V. Ukhtomsky가 2층을 추가하면서 1737년에 최종 형태를 얻었습니다.

가브리엘 대천사 교회또는 소위멘시코프 타워 모스크바에서 (1701-1707, 건축가이반 페트로비치 자루드니) 건축 분야 최고의 건물 중 하나 XVIII 세기, 전통적인 계층 구성 XVII 세기는 바로크 건축 요소 ( "모스크바 바로크")와 결합됩니다.

멘시코프 타워(Menshikov Tower) - 모스크바의 유일한 사원 타워인 가브리엘 대천사 교회. 그것은 1705-1707년에 Alexander Danilovich Menshikov의 명령에 의해 지어졌습니다. 교회의 수석 건축가 이름에는 여러 버전이 있습니다. 공식적으로 그는 Trezzini, F. Fontana, G. Pando, B. Scala와 같은 이탈리아인의 지도력 하에 일했던 유명한 모스크바 건축가 I. Zarudny로 인정받고 있습니다. 그러나 때로는 상트 페테르부르크에 피터와 폴 요새 대성당을 지은 Trezzini 자신도 저자라고도 불립니다.

Myasniki에 있는 대천사 Gabriel의 목조 ​​교회는 이미 1551년에 기록에 기록되어 있습니다. 폴로츠크 시의 멘시코프는 전도자 루크가 그린 폴로츠크 신의 어머니의 이미지를 획득하고 모스크바로 돌아와 목조 교회 부지에 새로운 성전을 지으라고 명령했습니다.

옛날에는 탑의 기존 4개 돌층 위에 시계로 장식된 나무 5층이 있었고 그 꼭대기에는 대천사 조각상이 있는 높은 첨탑이 있었습니다. 전체적으로 탑은 Ivan the Great의 종탑보다 거의 1 미터 더 높았습니다. Menshikov 타워의 최상층에는 런던에서 배달된 눈에 띄는 시계가 보관되어 있습니다.

그러나 교회 작업은 완전히 완료되지 않았습니다. 성상화가 미완성되었고 내부 작업이 완료되지 않았으며 교회 자체가 봉헌되지 않았습니다. 이는 Menshikov가 새로운 수도 인 상트 페테르부르크의 주지사로 임명되고 Myasnitskaya의 모스크바 부동산에 대한 관심이 상실되었기 때문입니다.

1723년 6월 13일, 번개가 탑의 첨탑을 강타하여 돔에 불이 붙었습니다. 사람들 사이에서는이 사실이 자신을 왕족보다 위에 두신 고요한 전하의 자존심에 대한 형벌로 즉시 설명되었습니다. 끔찍한 불은 2시간 동안 지속됐고, 탑의 높이가 너무 높아 진화할 수 없었다. 탑 꼭대기는 완전히 불에 탔고, 50개의 종이 땅에 떨어졌고, 불 속에서 교회 기구를 구하던 많은 사람들이 깔려버렸습니다.

화재 이후 가브리엘 대천사 교회는 오랫동안 버려져 미완성 상태로 남아 있었습니다. Myasnitskaya 근처에 살았던 유명한 모스크바 프리메이슨 Gavriil Zakharyevich Izmailov가 화재 후 1787 년에야 복원되었습니다. 그때 이상한 나선형 돔이 나타났습니다. 이 사원은 프리메이슨 모임을 위해 개조되었으며 프리메이슨 상징으로 장식되었습니다.

1860년대에 메트로폴리탄 필라레트(드로즈도프)는 사원 내부의 모든 상징적인 프리메이슨 이미지와 비문을 파괴하도록 명령했습니다. 상위 계층은 복원되지 않았습니다. 교회는 역사적 최대 높이보다 낮은 상태로 유지되었습니다.

교회는 여름 교회이고 종소리가 없었기 때문에 근처에 Fyodor Stratelates 사원이 지어졌으며 따뜻하고 종탑이있었습니다. 탑에 십자가가 있는 모양의 돔은 수리 후 1838년에 나타났습니다.

1923년 소련의 통치 하에 교회는 폐쇄되었습니다. 20세기 40년대에 대대적인 재건축이 이루어졌고, 18세기의 일부 요소가 재창조되었으며, 성전은 안디옥 총대주교청으로 옮겨지고 교회는 운영되기 시작했습니다. 성화상은 1960년에 파괴된 Preobrazhenskaya Sloboda의 Peter and Paul 교회에서 이곳으로 옮겨졌습니다.

피터가 죽은 후 소위 "궁전 쿠데타 시대"의 진정한 혼란은 러시아 왕좌를 중심으로 시작됩니다.특사 중 한 사람은 1730년에 "세계의 모든 변덕스러움은 러시아 궁정의 변덕스러움과 비교할 수 없습니다"라고 썼습니다.

1730년대 안나 이오안노브나 통치, 독재 국가 권력, 외국인 지배의 암흑기.

Peter I의 죽음 이후 취향이 바뀌었고 이제 러시아가 최고입니다.건축가는 황후와 고관을 위해 궁전을 짓습니다.1720~1730년대. 재능있는 건축가 M.G. Zemtsov, I.K. Korobov와 주요 도시 계획가 P.M. Eropkin.

미하일 그리고리예비치 젬초프(1688-1743), 러시아 건축가. 초기 바로크를 대표하는 작품. 그는 상트페테르부르크의 여름 정원, Petrodvorets 및 Ekaterinental(Kadriorg, 현대 탈린)의 궁전 단지 건설에 참여했습니다.

Zemtsov의 종교 건물 중 가장 큰 것은모코바야 거리의 시므온과 안나 교회(1731-1734).

이반 쿠즈미치 코로보프(1700(01)-1747) 초기 바로크를 대표하는 러시아의 건축가이자 기술자. 1727~38년에 그는 상트페테르부르크에 해군성 건물을 재건했습니다. 코로보프는 돛대가 3개인 선박 형태의 풍향계를 탑재한 높은 금도금 첨탑이 있는 탑을 설계했습니다(1732). 처음에 해군성 건물을 재건축하는 동안 19 세기에 Zakharov는 Korobov 첨탑을 보존하여 새로운 구성에 통합했습니다.

페트르 미하일로비치 에롭킨(약 1698-1740) 러시아 건축가이자 이론가. Eropkin의 지도력하에 상트 페테르부르크의 일반 계획이 작성되었으며 (해군 부분의 3 선 구성, 1737) 러시아 최초의 건축 및 건설 논문 "건축 탐험의 위치"(1737) -41)이 생성되었습니다. Biron에 대한 A.P. Volynsky 음모에 참여자로 처형되었습니다.

오래된 것에서 새로운 것으로의 결정적인 전환, 유럽 예술적 "언어"의 동화 및 세계 예술 경험에 대한 친숙함은 회화에서 특히 두드러집니다.. 그러나 우리가 본 바와 같이 고대 러시아 회화의 예술적 체계가 약화되는 현상이 일어났습니다. XVII 세기.

XVIII의 시작과 함께 V. 그림의 주요 장소는 세속적 주제에 대한 유화가 차지하기 시작합니다.이때는 서유럽 미술의 영향으로 새로운 장르와 새로운 주제가 등장했다..

러시아 미술에서 특히 중요한 현상이 시작되었습니다. 18 세기 초상화가 있었어요.이 시대에 급속도로 발전했을뿐만 아니라 시대의 인간 성격 특성에 대한 관심 증가를 바탕으로 놀라운 성공을 거두었습니다.

초상화의 부상 XVIII 세기는 한편으로는 말기에 상당히 높은 수준의 파르수나 개발을 준비했습니다. XVII 서유럽 회화의 또 다른 영향을 받았습니다.러시아 예술가들의 새로운 회화 기법과 비유적인 해결책이 동화되었습니다.해외 은퇴 여행을 통해서도 그렇고, 피터가 초대한 외국 예술가들의 영향을 통해서도요.

외국 화가 중에서 가장 눈에 띄는 자리는 독일 화가가 차지했다.요한 고트프리트 타나우어(1680-1737) 및 프랑스루이 카라바크(1684-1754).

요한 고트프리트 타나우어1711년 러시아에 와서 대가들에게 후기 서유럽 바로크 기법을 가르쳤습니다.나 , Alexey Petrovich의 초상화, A.D. Menshikova, 1727). 그의 최고의 작품 중 하나P.A. 백작의 초상화 톨스토이 (1719).

프랑스인 루이 카라바크 , "첫 번째 궁정 어금니"는 왕실 전체의 초상화를 만들고 러시아인에게 로코코 예술을 소개했습니다.피터 1세와 그의 딸들의 초상화 Tsarevna Natalya Petrovna의 초상화(1722), 공주 안나와 엘리자베타 페트로브나의 이중 초상화(1717), 피터 1세의 손자들의 초상화 어린 시절의 피터와 나탈리아, 아폴로와 다이애나(1722) 이후 안나 이오안노브나 황후의 초상화(1730) 및 엘리자베스 페트로브나 황후의 초상화 (1750).

자신의 직원을 훈련시키기 위해 Peter나 연금을 도입하자 1716년 러시아 최초의 예술가들이 새로운 세속 미술을 공부하기 위해 해외로 나갔습니다.

러시아 미술에서 새로운 세속화를 그린 최초의 러시아 예술가 중 한 명 XVIII 세기가 고려됩니다 이반 니키티치 니키틴(1742년 이전이 아닌 1680년대 중반). 그의 전기는 여러 면에서 비극적입니다. 모스크바 신부의 아들이자 피터의 고해 신부의 조카인 그는 일찍부터 예술가로 발전했으며 해외 여행을 떠나기 전부터 왕실의 초상화를 그렸습니다.초상화 프라스코비 이오아노브나,피터의 조카들 I (1714, 국립 러시아 박물관); 케레사란 안나 페트로브나의 초상(1716년 이전, Tretyakov 갤러리),나탈리아 알렉세예브나의 초상, 피터의 사랑하는 여동생 I (1716, Tretyakov 갤러리).

Praskovya Ioannovna의 초상화에는 여전히 늙은 러시아 그림의 많은 부분이 있습니다. 해부학 적 정확성이 없으며 형태의 컷오프 모델링이 어두운 곳에서 밝은 곳으로 강조 표시되어 수행되며 포즈는 정적입니다. 색상 반사가 없습니다. 빛은 균일하고 확산됩니다. 그리고 부서지기 쉬운 옷의 ​​주름조차도 고대 러시아의 틈새를 연상시킵니다. 그러나이 모든 것을 통해 Praskovya Ioannovna 앞에서 자신의 내면 세계, 특정 성격, 자존감을 읽을 수 있습니다. 보는 사람을 슬프게 바라보는 크고 표정이 풍부한 눈을 가진 이 얼굴이 구도의 중심입니다. 이 얼굴에는 교묘함의 그림자도 없고 과시적인 것도 없지만, 평화로움, 정적, 침묵의 느낌으로 표현되는 자신에 대한 몰입이 있습니다. 시인은 “아름다운 것은 위엄이 있어야 한다”고 말했습니다.

이탈리아에서의 공부는 1716년부터 1719년까지 지속되었습니다. 떠나기 전에 피터는나 개인적으로 Nikitin을 만났고 Ekaterina에게 편지를 썼습니다.나 , 그래서 그녀는 베를린을 통과할 니키틴에게 프로이센 왕의 초상화를 그리라고 명령합니다. "... 우리 민족 중에 좋은 주인이 있다는 것을 그들이 알 수 있도록." 예술가는 베니스와 피렌체에서 공부했습니다.

1720년 초에 Peter는 Nikitin을 회상하고 예술가를 "개인 업무의 대가"인 Hofmahler로 삼고 그에게 상트 페테르부르크 중심부에 집을주었습니다. Peter가 죽기 전 마지막 5년은 Nikitin의 창의성의 전성기가 되었습니다.

연금은 예술가가 늙은 러시아 회화의 일부 특징의 제약에서 벗어나는 데 도움이 되지만 그의 일반적인 예술적 세계관, 예술 작업에 대한 이해를 바꾸지는 않는 동시에 유럽 기술의 모든 복잡성에 대한 지식을 풍부하게 해줍니다.

해외에서 귀국 후 쓴 글“세르게이 그리고리에비치 스트로가노프의 초상”(1726, 러시아 박물관)은 산업가 출신의 활력이 넘치는 우아한 궁중을 묘사합니다. 초상화는 전반적인 구성 솔루션, 공간에서의 인물 위치 및 색상 구성에서 "이탈리아 이전" 초상화에 가깝습니다. 배경은 항상 다소 밋밋하고 "아이콘"적인 캐릭터를 갖고 있으며, 그로부터 인물이 "돌출"됩니다. 액세서리는 큰 역할을하지 않으며 아티스트의 모든 관심은 얼굴에 집중됩니다.

“가브릴 이바노비치 골로프킨 총리의 초상”(1720년대, 트레티야코프 갤러리)은 국가 정책의 모든 복잡함을 알고 강렬한 내면의 삶, 영적 진지함, 집중력, 그리고 거의 우울함을 지닌 지적이고 의지가 강한 외교관을 묘사합니다.

“바닥 헤트만의 초상“(1720년대, 러시아 박물관)은 내면의 심리성과 회화적 기교가 더욱 뛰어나다.

Nikitin은 Peter에게 여러 번 편지를 썼습니다.나 . 그는 유명한 것으로 알려져 있습니다피터 1세의 초상(원 안에, 1620년 초, 러시아 박물관). 러시아 황제는 유럽 군주의 궁정 초상화 화가들이 열성적으로 남용했던 권력의 과시 없이 묘사됩니다. 그는 독재자의 위엄있는 외모, 그의 불굴의 의지, 동시에 그의 단순함과 인간성에 깊은 인상을 받았습니다.

Chamber-Fourier 저널의 항목에 따르면 그는 1721년에 "코틀린 섬에서" 황제에게 편지를 썼다고 알려져 있습니다. 1717년 이탈리아의 한 예술가가 그린 두 쌍의 피터와 캐서린의 의식 이미지가 피렌체에서 발견되었습니다; 피터는 갑옷과 성 안드레아 훈장을 입고 있고, 캐서린은 보석으로 장식된 양단 드레스와 성 안드레아 훈장을 입고 있습니다. 성. 캐서린. 담비를 안감에 넣은 붉은색 로브는 이미지의 화려함을 더욱 돋보이게 합니다. 초상화는 대표적인 바로크 초상화의 범유럽 체계에 대한 Nikitin의 뛰어난 친숙성을 증언합니다.

Nikitin의 또 다른 초상화에는 진정한 깊은 감정과 진지한 상실의 슬픔이 담겨 있습니다."피터 1세 죽음의 침대에서"(1725, 국립 러시아 박물관). 초상화는 스케치처럼 한 세션에서 그린 것처럼,라 프리마 , 붉은 바탕에 액체 빛의 거장 스트로크를 통해 빛납니다.

황제의 죽음은 Nikitin 삶의 마지막 비극적 단계의 시작을 의미했습니다. Anna Ioanovna 통치 기간 동안 예술가는 모스크바로 이주하여 야당에 합류했으며 1732 년 그의 형제들과 함께 성회의 부회장 인 Feofan Prokopovich를 폄하하는 편지를 소지 한 혐의로 체포되었습니다. 고문 후 Ivan Nikitin은 5 년 동안 Peter and Paul Fortress에 독방에 감금 된 후 채찍으로 구타를 당했고 1737 년에 "철로"토볼 스크에서 영원한 고된 노동을하도록 보내져 1742 년까지 머물 렀습니다. . 여기에서 그는 사면을 받았지만 모스크바에 도착하지 않았으며 아마도 길에서 사망했을 가능성이 큽니다.

이탈리아에서 그와 함께 공부하고 같은 비극적 운명을 공유한 그의 형제 로만은 망명 후에도 모스크바에서 계속 일했습니다. 초상화 화가로서 Roman Nikitin은 헤아릴 수 없을 정도로 더 오래된 예술가였습니다. 우리는 Maria Stroganova의 초상화 (c. 1722, State Russian Museum)와 그에게 귀속된 남편 Grigory Stroganov의 초기 초상화 (1715, Odessa Art Gallery)에서만 그의 작품을 평가할 수 있습니다.

상반기 러시아 예술을 풍요롭게 한 두 번째로 유명한 예술가 XVIII 유럽 ​​회화 학교의 업적은 ANDREY MATVEEVICH MATVEEV였습니다.(17011739).

그 자신이 보고서에 명시한 바와 같이 "그의 생애 15년째에" 그는 왕실 열차를 타고 네덜란드로 가서 초상화 화가 A. Boonen과 함께 공부했으며 1724년에 플랑드르로 이사하여 앤트워프 왕립 미술관으로 이사했습니다. 여전히 루벤스의 영광으로 뒤덮인 아카데미와 플란더스 회화 학교 XVII 역사적이고 우화적인 그림을 만든 거장들의 비밀을 이해하는 데 수세기가 걸렸습니다. 1727년에 그는 고국으로 돌아왔다.

1725년에 서명되고 날짜가 기록된 A. Matveev의 한 작품은 연금 수급자 시대부터 알려져 있습니다."회화의 우화". 이것은 러시아에서 우리에게 살아남은 우화적인 음모에 대한 최초의 이젤 그림입니다. 쪽모이 세공 마루판에 그려진 작은 크기의 이 작품은 큐피드에 둘러싸여 이젤에 앉아 있는 우화적인 그림의 모습을 묘사하고 있습니다. Athena Pallas는 그녀를 위해 포즈를 취하며 캔버스에 Catherine의 모습을 보여줍니다.나 . Matveev가 연구 연장을 요청하면서 이 작업을 황후에게 보냈으며 이를 위해 자신의 기술을 입증해야 한다는 점을 기억한다면 그러한 변태는 놀라운 일이 아닙니다. 이 작품은 후기 바로크 플랑드르 학파의 특징을 담고 있으며 작가의 풍부한 색채적 재능을 드러냅니다.

Matveev의 글은 학생 은퇴 기간을 언급할 수도 있습니다.타원형의 피터 초상화(c. 1725, GE).

그의 고향 인 상트 페테르부르크로 돌아온 Matveev는 즉시 도시의 주요 대성당 인 Peter와 Paul을 장식하는 작업에 참여했습니다. 1730년부터 사망할 때까지 러시아 최초의 거장인 안드레이 마트베예프(Andrei Matveev)는 건물의 총리실 "페인팅 팀" 책임자였으며 상트페테르부르크와 그 주변 지역에서 수행된 모든 기념비적이고 장식적인 작업을 관리했습니다. 그의 팀과 함께 그는 그림 같은 패널로 12개 대학의 상원 홀(현재 상트페테르부르크 대학의 페트로프스키 홀)을 장식하고 많은 상트페테르부르크 교회, 특히 그 위에 지어진 시므온 교회와 안나 교회의 아이콘을 그립니다. M.G. 모코바야 거리. Zemtsov는 다른 여러 작업을 수행합니다. 그러나 Matveev의 이젤 작품만이 우리에게 도달했습니다. 왜냐하면 거의 모든 기념비적인 그림이 그것이 실행된 내부와 함께 사라졌기 때문입니다.

1728년에 Matveev는 다음 주문을 받았습니다.배우자 I.A.의 한 쌍의 초상화. 그리고 A.P. 골리친스(모스크바, I.V. Golitsyn 개인 소장품). 그 중에서 가장 흥미로운 것은 다음과 같습니다.A.P의 초상화 골리치나, 공주, 국가의 숙녀, 그리고 동시에 피터 대왕의 "가장 농담하는 의회"의 "왕자 수녀"와 캐서린의 "크래커"나 , Tsarevich Alexei 사건과 관련하여 batogs에게 구타당했습니다.

Matveev는 비정상적으로 표현력이 풍부한 특성을 만들어 모델의 얼굴에 심술궂음, 오만함, 동시에 분노와 당혹감, 슬픔과 피로의 미묘한 혼합을 전달합니다. 그리고 이것은 예술가가 의뢰받은 초상화의 일반적인 구성, 즉 어깨 회전, 자랑스럽게 심은 머리 및 필요한 의류 액세서리를 보존했기 때문에 더욱 놀랍습니다. 작가는 이 초상화에서 모델에 대한 비난이 아닌 동정심을 전달했다.

"아내와 함께한 자화상"(1729(?), 타이밍) A. Matveev의 가장 유명한 작품.Matveev는 결혼 결합의 시적 이미지를 만든 최초의 러시아 예술가였습니다. 성실함과 단순함, 신뢰와 개방성, 서정성과 영적 순수함이 그의 주요 특징입니다.

초상화 뒷면에는 “러시아 최초의 화가이자 그의 아내인 안드레이 마트비예프. 작가가 직접 썼다”고 말했다.

이 작품에서 Matveev의 그림은 완벽에 도달했으며 그의 창의력이 완전히 꽃 피웠음을 증언합니다.Matveev의 그림은 투명하고 불분명한 빛과 그림자 그라데이션과 용해되는 윤곽이 있으며 유약이 풍부하고 미묘하고 우아한 색상을 가지고 있습니다.

I. Nikitin과 A. Matveev는 러시아 세속 회화의 창시자로 간주됩니다. XVIII 세기. 그들의 그림은 니키틴 이미지의 엄격함, 금욕주의, 마트베예프 이미지의 미묘함과 시적 표현 등 국가적 정신과 창조적 개성을 보존하면서 서유럽 장인정신의 뛰어난 기술을 보여줍니다. Matveev는 Vishnyakov 및 Antropov와 같은 화가의 교사였으며 그의 유산은 세기 후반의 유명한 거장들의 작품에 일종의 "다리"를 건설했습니다.

처음에는 다양하다 XVIII 세기에는 고대 러시아의 사본과 책의 미니어처와 에나멜 (에나멜) 그림의 전통이 발전한 초상화 미니어처가있었습니다. 가장 유명한 대가는 Andrei Grigoryevich Ovsov (약 1678-1740/50년대)와 Grigory Semenovich Musikiysky (1670/1-1739년 이후)였습니다. 시대를 상징하는 '피터의 초상'나 » G.S. 무지키소고(1723년), GE).

그래픽은 당대의 사건에 신속하게 반응하는 가장 활동적이고 이동성이 뛰어난 예술 형태로서 표트르 대제의 격동적인 시대에 특별한 성공을 거두었습니다.큰 인쇄물에는 바다와 육지에서 러시아 무기의 승리, 도시로의 의식 입장, 도시 자체의 전망-도시 베데트, 영광스러운 승리를 기리는 불꽃 놀이, 유명한 사람들의 초상화가 묘사되어 있습니다. 그래픽은 교육 목적으로 사용되었습니다(캘린더, 지도책). 조각사 Alexey Rostovtsev는 러시아 최초의 지구본 제작에 참여했습니다.

피터가 초대한 외국 조각사들도 러시아에서 일했습니다. 그래서 1698년에 숙련된 조각사 Schonebeck(Schonebeck, 1661-1705)이 도착했고 그의 친척 Peter Picart(1668-1737)가 그를 따라왔습니다.

이동식, 대량 구리 조각 예술은 러시아에서 오랜 전통을 갖고 있었으며 특히 후기에 번성했습니다. XVII Armoury Chamber의 작업장에서 수세기 동안. Alexey와 Ivan Zubov 형제 (Armory Chamber Fyodor Zubov의 화가의 아들)와 Alexey Rostovtsev와 같은 Peter the Great 시대의 뛰어난 조각가들의 창의성의 기원이 여기에서 왔습니다. Schonebeck으로부터 여러 가지 새로운 기술을 배운 후 그들은 러시아 조각의 국가적 특성을 보존했습니다.

처음에는 조각과 에칭의 대가를 클로즈업합니다. XVIII 세기는 ALEXEY FEDOROVICH ZUBOV였습니다(1682/3 - 1749년 이후).

선형 원근법 기술의 조합을 기반으로 구축된 문서적으로 정확한 건축 풍경 vedutes는 상트페테르부르크의 모습을 만들어냅니다., 거대 해양 강국의 젊은 수도(“상트페테르부르크 파노라마”(8장을 합쳐서 만든 것, 1716)

건축 모티프 외에도 Zubov는 또한 만들었습니다.전투 장르의 그래픽 시트군사 작전과 표트르 대제 소함대의 승리를 묘사한 그림(“나포된 스웨덴 호위함의 상트페테르부르크 입성 기념식”, 1720).

그의 베닷과 전투에서간결한 선이 주를 이루며, 백지 자체의 색상이 중요한 역할을 합니다., 구성이 단순하고 논리적이다, 모두 공간은 대부분 세 가지 계획으로 나뉩니다.. 베두타에서는 장르적 장면이 전경에 펼쳐지고, 배경은 수공간이 차지하고, 세 번째는 건축물의 이미지로 전체 판화에 이름을 붙인다. 그런데 그 이름은 고풍스러운 전통을 순진하게 보존합니다. XVII 세기는 두루마리처럼 위쪽에 펼쳐진 리본에 배치됩니다.

Zubba 판화 선박의 거의 필수 모티브: 전투에서 연기 구름에 휩싸였습니다.("그레이엄 전투", 1721) 또는 Vedutes에서 바람에 우아하게 튀는 돛(“바실리에프스키 섬”, 1714).

베듀트와 전투와 함께, 어떤 중요한 사건을 기념하는 불꽃놀이의 이미지인 "불타는 재미"(또는 "재미있는 빛")도 이 기간 동안 흔했습니다. 1720~1722년에 그는 불꽃놀이 세트를 만들었습니다.알렉세이 이바노비치 로스토프체프, 그는 또한 조각품을 소유하고 있습니다"비보르크 공성전"(1715).

A. Zubov의 형이반 페도로비치 주보프그는 주로 모스크바의 풍경을 담은 판화를 그렸습니다.

대중적인 인기 인쇄물도 피터 시대에도 계속해서 발전했습니다. 밝은 색상의 평면적이고 원시적으로 독창적인 나무 그림은 풍자적, 동화적, 서사적, 일상적인 내용을 담고 있으며 항상 일반적인 솔루션의 눈에 띄는 장식성과 순전히 민속 유머를 유지합니다.

첫 번째 세 번째 예술의 예처럼 XVIII V. 당시 독특한 그래픽 작품 인 손으로 그린 ​​​​그림도 살아 남았습니다. 이것들은 상트페테르부르크 인쇄소(펜, 붓, 숯, 연필 국립 러시아 박물관, Argutinsky-Dolgorukov 컬렉션)의 드로잉 학교 학생들이 그린 일상 및 풍경 그림이며, 건축가가 그린 상트페테르부르크 시리즈 그림입니다. F. Vasiliev 1718-1722. (GRM). Peter의 그래픽 아티스트도 초상화 장르에서 작업했지만 일반적으로 이미 알려진 일부 화보 샘플이 그래픽 초상화에 사용 되었기 때문에 화보 장르보다 덜 흥미롭습니다.

예술적 성취는 상반기 조각 발전의 특징이기도합니다. XVIII 세기.

"세계화"와 조각의 새로운 방법 개발은 더 느리게 진행됩니다.다른 형태의 예술보다. 너무 오래 보였어요러시아 사람들은 둥근 조각상을 마치 이교도의 우상인 것처럼 본다., "가슴". 사실, 고대 러시아가 존재한 8세기 동안 그것은 발전하지 못했습니다.

사실 상반기에는 XVIII 세기, 이전에는 종교 및 세속 인테리어 장식에 잘 발달된 기념비적이고 장식적인 조각품이 있었습니다.바로크 Dubrovitsy의 Sign of the Sign 교회와 Menshikov Tower의 플라스틱, 교회 iconostases 조각 (피터와 폴 대성당의 성화상 Ivan Zarudny의 작품), 페트로프스키 문의 부조피터와 폴 요새(Peter and Paul Fortress)콘래드 오스너 장로, Nicola Pino가 제작한 Peterhof Palace의 Peter's Oak 사무실 장식 패널,여름궁전 정면에 있는 안드레아스 슐뤼터의 부조여름 정원에는 의심할 여지 없이 서유럽의 조형 예술 기술 연구의 특정 단계.

고대 러시아 예술에서다색 나무 조각품도 있었어요Perm, Vologda, 모스크바 학교 자체. 하지만 그녀는 대부분종교적인 내용, 세속 조각품에는 다른 개발 방법이 필요했습니다. 따라서 조각 예술을 가르치기 위해 초빙된 외국 거장들은 예술 발전에 중요한 역할을 했습니다. XVIII 세기. 러시아 조각가들도 주로 베니스의 바라타(Baratta)와 함께 해외에서 공부했습니다.

서유럽 조각품에 대한 지식은 후기 바로크 작품, 베르니니 동아리의 거장들의 조각품, 때로는 고대 작품의 해외 구매를 통해서도 이루어졌습니다. 따라서 유명한 금성은 로마에서 구입되었으며 나중에 Tauride라는 이름을 받았습니다.제거가 지연되는 것에 대해 196 efimki에 구입한 Yuri Kologrivov는 Peter에게 다음과 같이 명시적으로 썼습니다. "그리고 나는 그 조각상을 소유하기보다는 차라리 죽고 싶습니다."

전반기 러시아 미술에서 세속적인 원형조각과 기념물의 탄생 18 세기 바로크 양식의 확산과 이탈리아 조각가의 활동과 관련됨바르톨로메오 카를로 라스텔리(미술사가들이 그를 부르는 Rastrelli the Father 또는 Rastrelli the Elder, 1675, Florence 1744, St. Peters).

바르톨로메오 카를로 라스트렐리피렌체 출신으로 로마와 파리에서 일하며 베르니니의 바로크 전통을 따라 자란 그는 1716년 아들과 함께 러시아로 건너와 이곳에서 두 번째 집을 찾았다. 그와의 계약에는 다양한 주문의 실행이 포함되었습니다. 그는 원형 조각에서부터 분수 건설, 연극 풍경 창조에 이르기까지 다양한 장르의 건축가이자 조각가로 일했습니다.

버스트 AD 멘시코바(1716-1717, 청동, GE) 첫 작품 B.-K. 라스트렐리 러시아에서. "반 주권 통치자"의 다소 연극적이고 외적으로 화려하고 장엄한 이미지가 만들어졌으며 거의 ​​\u200b\u200b베드로 자신이 때때로 재치있게 다음과 같이 말했습니다.

그러나 Rastrelli가 러시아에 초대받은 가장 중요한 것은 Peter 기념비를 만드는 것이 었습니다.나 . 1720년에 조각가는 많은 우화적 인물과 함께 승마 기념물의 스케치와 모델을 제시했지만 나중에 이 결정을 포기했습니다.

흉상을 만들기 전에는 인생에서 많은 일이 이루어졌습니다. 1919년에 조각가는 살아있는 피터의 가면을 만들었고 그 당시에는 그 인물의 밀랍 모형을 만들었습니다.

기념비 작업 과정에서,청동 베드로 흉상나 (1723-1729, GE; 주철 1810에서 반복, 러시아 박물관). 황제의 흉상은 바로크 양식의 전형적인 작품을 나타냅니다. 몸통이 나선형으로 회전하고 플라스틱 덩어리의 빛과 그림자 대비, 그림 같은 느낌, 다양한 질감이 강조된 역동적인 구성입니다. 이는 특정 개인의 이미지라기보다는 전체 시대의 이미지에 가깝고, 이러한 일반화는 진정한 역사적 진실을 보존하면서 흉상에 기념비적인 특징을 부여합니다.

Rastrelli는 또한 개인의 특성과 조형적 표현력의 강점으로 인해 주목을 받았습니다.미지의 흉상(1732, Tretyakov 갤러리).

러시아 기념비 조각의 전성기는 B.-K가 제작한 러시아 최초의 기념비에서 시작됩니다. 라스트렐리, – ARAPCHOT과 함께 있는 ANNA IOANNOVNA의 동상(17321741, 국립 러시아 박물관)은 예술적 이미지의 무결성과 조형적 표현력 측면에서 가장 밝은 기념물 중 하나입니다.

안나 이오아노브나의 바로크 양식의 동상은 훌륭하지만, 혐오스러운 얼굴을 가진 우아하고 과체중인 노파의 이미지에는 아시아의 독재주의와 세련된 서유럽 궁정의 사치가 합쳐졌습니다.(“그녀는 끔찍한 외모를 가졌습니다.” N.B. Sheremeteva는 Anna Ioannovna에 대해 이렇게 썼습니다. “그녀는 역겨운 얼굴을 가졌고 너무 커서 신사들 사이를 걸을 때 그녀는 다른 사람들보다 머리가 더 크고 극도로 뚱뚱했습니다.”). 이것은 진정으로 드러나는 공식적인 초상화의 드문 예입니다. Peter에 대한 Rastrelli의 동정심과 그의 후계자들에 대한 반감이 여기에서 볼 수 있습니다.

궁중 생활의 특징인 작은 검은색 인물의 구성 소개 XVIII 대중의 플라스틱 균형을 위해 조각가에게 필요한 세기는 의식과 장르의 모티프를 결합하여 황후의 "돌 같은"인물과의 대비를 강화했습니다. Rastrelli는 여기에서 기념비적 조각 언어의 완벽한 명령, 개인 특성을 유지하면서 일반화하는 기술뿐만 아니라 러시아 생활 세계, 러시아 대조에 대한 깊은 침투를 보여주었습니다. XVIII 세기, 시대의 상징을 창조합니다.

천재의 탄생 B.-K. Rastrelli는 생애의 마지막 4년을 보냈습니다. 17411744의 경우. 표트르의 작품의 후계자로 희망을 품은 표트르의 딸 엘리자베타 페트로브나(Elizaveta Petrovna)의 새로운 통치 기간 동안 그는 황제를 기리는 기마 기념물을 만들고 60년이 넘는 세월 동안 첫 번째 작품을 완전히 바꿀 수 있는 창의적인 힘을 발견했습니다. 1720년대 바로크 결정.

"피터에게 바친 말 기념비나 » B.-K. 라스트렐리 Marcus Aurelius, Donatello의 "Gattamelata"및 Verrocchio의 "condottiere Colleoni"에 대한 기념비에 시작되는 전통에서 승리 한 사령관의 이미지를 만듭니다. 우리는 인물의 자유로운 배치, 실루엣의 명확성과 엄격함, 공간과 질량과 실루엣의 유기적 통일성, 바로크적인 움직임의 복잡성과 무성한 휘장의 화려함 대신 기념물에 있는 모든 형태의 완전성과 명확성을 봅니다. . Rastrelli가 러시아 국가 권력의 힘과 힘을 찬양하는 용감하고 단순하며 명확한 플라스틱 언어는 의심할 여지없이 고대 르네상스 전통을 이어갑니다. 조각가는 승리하고 승리한 러시아를 의인화하는 거대한 이미지, 즉 역사적, 국가적 위업, 즉 러시아의 변혁을 이룬 영웅의 이미지를 만들 수 있었습니다.

기념비의 운명은 극적이었습니다. Rastrelli는 평생 동안 실물 크기의 모형만 만들었으며 주조는 이미 그의 아들(1748)이 완료했습니다. 엘리자베스가 죽은 후 기념비 청소가 중단되었고 완전히 잊혀졌습니다. 폴 밑에서만나 이 기념비는 미하일로프스키(엔지니어) 성에 건립되었으며, 오늘날까지 남아 있으며 전체 앙상블의 필수적인 부분이 되었습니다.

Rastrelli에 대한 설명은 Peterhof의 Grand Cascade 디자인과 가장 무도회 드레스 스케치를 포함한 다른 장르의 장식 작업에 얼마나 유익하게 참여했는지 언급하지 않고는 불완전합니다. 그와 A.K. Nartov는 북부 전쟁을 기념하는 Triumphal Pillar의 건축 설계 및 부조를 담당하고 있습니다. 불행히도 작업은 미완성 상태로 남아 있습니다. 우리는 단지 몇 개의 얕은 부조(GE 및 주립 박물관)만을 알고 있습니다.

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18세기 초까지 러시아 회화에서는 주로 도상학적 전통이 발전했습니다.

동시대 사람들의 회고록에 따르면 당시 러시아에서는 모든 이미지가 아이콘으로 오인되었습니다. 종종 낯선 사람의 집에 왔을 때 러시아인들은 관습에 따라 눈에 띄는 첫 번째 그림에 절했습니다. 그러나 18세기에는. 회화는 점차 유럽의 특징을 획득하기 시작했습니다. 예술가들은 공간의 깊이를 전달할 수 있는 선형 원근법을 습득하고 명암법을 사용하여 물체의 부피를 정확하게 묘사하려고 노력했으며 인체를 정확하게 재현하기 위해 해부학을 연구했습니다. 유화라는 기법이 확산되고, 새로운 장르가 등장하게 되었습니다.

18세기 러시아 회화의 특별한 장소. 초상화를 찍었습니다. 이 장르의 초기 작품은 17세기의 파르수나에 가깝다. 캐릭터는 엄숙하고 정적입니다.

Ivan Nikitich Nikitin(1680 - c. 1742)은 러시아 최초의 초상화 화가 중 한 명입니다. 이미 그의 초기 초상화에서 - Peter I Natalya Alekseevna (1715-1716)의 누나와 그의 딸 Anna Petrovna (1716 이전) - 모델의 볼륨과 자연스러운 포즈가 당시에는보기 드문 기술로 전달되었습니다. 그러나 이 작품에서는 어느 정도 단순화가 분명합니다. 인물은 밝은 빛의 광선에 의해 무한한 공간의 어둠에서 납치되어 환경과 연결되지 않고 존재합니다. 예술가는 여전히 그림의 구조와 벨벳, 모피, 보석과 같은 재료의 질감을 부적절하게 묘사합니다.

4년간의 이탈리아 여행을 마치고 상트페테르부르크로 돌아온 니키틴은 최고의 작품을 창작했는데, 이는 작가의 향상된 기술을 보여줍니다. 이것은 G.I. Golovkin 총리의 초상화이자 "The Floor Hetman"으로 알려진 초상화입니다(둘 다 20년대 작품).

표트르 대제 시대에는 많은 외국 거장들이 러시아에 정착하여 다양한 스타일과 장르로 작업했습니다. 독일 출신의 요한 고트프리트 타나우어(Johann Gottfried Tannauer, 1680-1737)는 황실 가족들의 초상화를 그렸습니다.

Peter I의 가까운 동료와 전투 그림. 그의 유명한 그림 "폴타바 전투의 피터 1세"(10년대)는 유럽에서 흔히 볼 수 있는 전투를 배경으로 한 지휘관의 초상화 유형입니다.

러시아에 초청된 프랑스의 거장 루이 카라바크(1684~1754)는 곧 큰 명성을 얻었고 궁정화가의 지위도 얻었다. 그는 수년 동안 러시아에서 일했으며 피터부터 엘리자베스까지 모든 러시아 군주의 초상화를 그렸습니다. 그의 붓은 이 장르의 다른 작품의 모델이 된 대관식 드레스(1730)를 입은 안나 이오안노브나의 유명한 기념 초상화입니다. 초상화는 엄숙하고 장엄한 포즈로 묘사된 강력한 체격의 여성인 황후의 모습뿐만 아니라 미신적이고 의심스러운 그녀의 본성을 전달합니다. 18세기 중반의 많은 러시아 화가들이 카라바카의 작업실 출신이었습니다.

20~30대 말쯤. XVIII 세기 화가 Andrei Matveevich Matveev (1701 - 1739)의 짧지만 뛰어난 작품을 말합니다. 네덜란드와 플랑드르에서 10년 이상을 보낸 후, 그는 "이야기와 사람을 쓰는" 방법, 즉 초상화뿐만 아니라 신화적이고 역사적인 주제에 대한 그림도 아는 러시아 최초의 대가가 되었습니다.

그러나 Matveev는 초상화 화가로 가장 유명합니다. 그의 가장 유명한 작품은 '배우자의 초상'(약 1729년)으로 간주됩니다. 누가 묘사되어 있는지에 대한 미술 평론가들의 논쟁은 오늘날까지 가라 앉지 않았습니다. 아마도 이것은 아내와 함께 있는 예술가의 자화상, 즉 러시아 회화 역사상 최초의 자화상일 것입니다.

1727년부터 죽을 때까지 Matveev는 건물에서 총리실의 "페인팅 팀"을 이끌었습니다. 예술 아카데미가 개설되기 전에는 거의 모든 예술가들이 그곳에서 공부하고 봉사했습니다.

40-50년대쯤. XVIII 세기 Ivan Yakovlevich Vishnyakov (1699-1761)의 작품을 말합니다. Vishnyakov의 가장 아름다운 초상화는 건물 장관의 딸인 Sarah Eleanor Fermor를 묘사합니다(1749). 꽃으로 수놓은 고급스러운 은회색 새틴 드레스를 입은 어린 소녀가 인사를 준비하고 있습니다. 그녀는 손에 부채를 우아하게 쥐고 있습니다. Vishnyakov 캔버스의 손은 거의 항상 특별한 우아함으로 칠해져 있습니다. 손가락은 마치 표면을 따라 미끄러지는 것처럼 물체에 가볍게 닿습니다. "사라 퍼머의 초상(Portrait of Sarah Fermor)"에서는 레이스의 섬세한 그림과 드레스의 자수를 모티브로 한 장식적인 풍경 배경이 모두 주목을 받습니다.

Alexei Petrovich Antropov (1716-1795)는 이미지의 도상학적 평면성을 일부 극복하지 못했습니다. 그의 초상화에서 시청자는 모델을 둘러싼 공간을 느끼지 않습니다. 따라서 노인이고 거친 여성 인 "A. M. Izmailova의 초상화"(1759)에서 전경의 밝은 색상은 완전히 어두운 "귀머거리"배경과 대조됩니다. 작가가 원수 지휘봉을 들고 있는 사령관으로 묘사한 피터 3세(17b2)의 초상화에서 우리는 꼭두각시처럼 우아한 군주의 모습과 제국 권력의 속성을 지닌 화려한 배경 사이의 대조에 놀랐습니다. - 맨틀, 구체 및 왕관 - 전투 배경.

18 세기 후반에는 러시아 거장의 그림에 풍경, 일상 생활 및 역사와 같은 새로운 장르가 등장했으며 예술 아카데미가 주요 장르로 간주했습니다. 그러나 가장 중요한 작품은 여전히 ​​초상화 장르에서 만들어졌습니다.

사람들 사이에서 가장 사랑받는 그림 중 하나는 Ivan Shishkin이 Tver 지역의 Seliger 호수에 있는 Gorodomlya 섬에 그린 것입니다. 모든 사람이 눈앞에서 그것을 너무나 명확하게 상상할 수 있어서 종종 중요한 세부 사항을 보지 못하는 것 같고, 이는 오해를 수반합니다. 우선 그림을 그린 사람은 시시킨뿐만이 아니었다. 모두가 좋아하는 곰은 유명한 화가 Konstantin Savitsky가 묘사했습니다. 그의 서명은 Pavel Tretyakov에 의해 "처음부터 실행까지 캔버스의 모든 것이 Shishkin의 스타일을 말합니다"라는 말로 제거되었다고 믿어지지만 그렇지 않습니다. 실제로 그림은 처음에 두 작가의 서명과 함께 전시되었으며 그 후에야 Savitsky 자신이 그의 이름을 삭제하도록 요청했습니다. 또한 사람들은 종종 작품 제목을 혼동합니다. 때로는 곰 네 마리가 있지만 "곰 세 마리"로 밝혀지거나 숲이 정의상 소나무이지만 "소나무 숲의 아침"으로 밝혀지는 경우도 있습니다.

알렉세이 콘드라티예비치 사브라소프

"루크들이 도착했어요"

Savrasov의 가장 유명한 그림 "The Rooks Have Arrived"의 창작 역사는 여전히 불분명합니다. 연구자들은 그림이 그려진 장소에 대해 서로 다른 의견을 가지고 있습니다. 코스트로마 지방의 몰비티노(Molvitino) 마을이 이 작품의 장소였다는 작가의 서명에도 불구하고, 첫 번째 스케치는 야로슬라블에서 만들어졌다는 가설이 있습니다. Savrasov가 기억에서 그림을 그렸고 이미 모스크바에 있는 동안 마침내 완성했다는 가정도 있습니다. 그러나 동시에 작가의 전기 작가들은 풍경이 하루 만에 완성되었다고 주장합니다.

"The Rooks Have Arrived"는 동시대 사람들에게 높은 평가를 받았습니다. 이 그림은 Pavel Tretyakov가 즉시 획득했습니다. 그러나 그 그림은 너무나 성공적이어서 작가는 그 그림의 복제품을 많이 제작하라는 의뢰를 받았습니다. Savrasov는 때때로 그림을 변경했습니다. 모든 그림은 즉시 다양한 컬렉션에 배포되었습니다.

미하일 네스테로프

"바르톨로메오 청년을 향한 비전"

네스테로프의 그림이 20세기 초 대중에게 처음 공개되었을 때 청중은 불쾌한 반응을 보였습니다. 유명 화가를 비롯한 많은 평론가들은 이 그림이 “해롭다”고 목청껏 외쳤다. 그들의 의견으로는 Nesterov는 아이콘 화가 분야에 거의 발을 들여 놓았고 예술 작품과 교회 이미지를 교차시키는 것은 용납 될 수 없다고 생각했습니다. 그러나 오늘날에도 대중을 그림 앞에서 얼어붙게 만드는 작가의 미묘한 의도를 느낀 사람들이 있었습니다. 작가는 노인과 소년의 이미지인 신과 현실을 하나의 캔버스에 결합했습니다.

Nesterov 자신은 이 그림이 그의 최고의 작품이라고 확신했으며 노년기에 다음과 같이 반복하는 것을 좋아했습니다. “살게 될 사람은 내가 아닙니다. "청년 바르톨로메오"가 살아날 것입니다. 내가 죽은 지 30년, 50년이 지난 후에도 그가 여전히 사람들에게 무언가를 말한다면, 그것은 그가 살아 있다는 뜻이고 나도 살아 있다는 뜻입니다.”

이반 글라주노프

“십자가에 못박으세요!”

Ivan Glazunov는 유명한 예술가 Ilya Glazunov의 아들이자 창조 왕조의 후계자입니다. Ilya Glazunov는 종종 "그를 십자가에 못 박으십시오!"라는 그림의 창시자로 오인됩니다. 사실은 "그를 십자가에 못 박으십시오!"라는 그림입니다. 는 어린 이반의 졸업작품이었지만 관객들은 보통 이렇게 거대한 캔버스가 학생이 만들었다는 것을 상상하기 어렵다. 1994년 구성과 제작으로 졸업위원회를 놀라게 한 이 그림은 오늘날에도 계속해서 감탄과 열띤 논쟁을 불러일으키고 있습니다. 그림 속 공격적인 무장한 사람들에 둘러싸여 묶인 예수의 이미지는 종종 러시아의 이미지와 연관됩니다.

Ivan Glazunov가 그리스도의 이미지로 변한 것은 우연이 아닙니다. 그의 얼굴은 종종 그의 아버지 Ilya Glazunov의 캔버스에 나타났습니다. 당시 성자의 이미지에 대한 Glazunov 장로의 호소는 소련 당국 사이에 분노를 불러 일으켰으며 오늘날 예술가 왕조는 전 세계적으로 알려져 있고 존경받습니다.

미하일 클로트

"오크 그로브"

클로트는 19세기 러시아 풍경화가들 사이에서 두각을 나타냈는데, 그는 항상 마을 사람들의 삶을 꾸미거나 이상화하지 않고 그렸다는 점이다. 작가는 자신의 그림을 통해 눈앞에 나타난 생명과 자연을 그대로 전달했다. 그리고 이미지의 높은 정확도를 얻기 위해 Klodt는 때때로 캔버스를 여러 번 다시 작성해야 했습니다. 세부 사항에 대한 그의 특별한 관심은 "Oak Grove"그림에서 눈에 띕니다. Klodt는 학문적 표준을 구체적으로 위반하기 때문에 흥미 롭습니다. 가까운 계획과 중간 계획은 똑같이 명확하게 묘사되고 배경은 완전히 없습니다.

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이고르 그라바르

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아크힙 쿠인지

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바실리 폴레노프

"황금빛 가을"

오늘날에도 '황금빛 가을'은 일상의 번잡함이 없는 풍경에 대한 도시 거주자의 꿈을 구체화한 것 같습니다. 작업을 시작하기 전에 작가는 더 나은 자연을 찾아 자신의 사유지인 오카 강둑을 따라 오랫동안 방황했습니다. 마지막으로 그는 작가가 이미 그림 "Early Snow"와 "Eyes in Summer"에서 포착한 강의 최고의 전경 중 하나를 제공하는 언덕 위의 장소를 선택했습니다. 이번에 Polenov는 마음에 가까운 풍경뿐만 아니라 그가 가장 좋아하는 계절인 가을도 묘사하고 싶었습니다. 그림 "황금빛 가을"의 구성을 위해 작가는 특이한 솔루션을 선택했습니다. 그는 강을 호 모양으로 포착했습니다. 미술 평론가들이 지적했듯이 이러한 형태의 오카는 풍경의 완성도를 제공하고 보는 사람의 눈이 캔버스를 가로지르는 시각적 여행을 하도록 도와줍니다.

바실리 안드리비치 트로피닌

"레이스메이커"

농노 Tropinin "The Lacemaker"의 그림은 행복한 우연 덕분에 유명해졌습니다. 47년 동안 농노 생활을 하던 트로피닌은 부활절 선물로 그의 주인인 모르코프 백작으로부터 자유를 얻었습니다. 그는 이전에 그림 그리기를 공부했던 예술 아카데미에서 졸업장을 받기 위해 그의 오랜 꿈을 이루기 위해 즉시 상트 페테르부르크로갔습니다. 그가 위원회에 제출한 다른 그림 중에는 "The Lacemaker"도 있었습니다. 이 여행은 전 농노의 삶 전체를 바 꾸었습니다. 1년 후, 예술가는 학자라는 칭호를 받았고, 1843년에는 모스크바 예술 협회의 명예 회원으로 선출되었습니다.

그림 자체는 삶의 평범한 기쁨을 묘사하는 새로운 초상화 장르의 현상이었으며 예술가 Tropinin을 사회에 열었습니다. 작가가 자신의 작품을 굽히는 단순한 소녀의 성격을 어떻게 성공적으로 포착했는지가 특히 주목되었습니다.

이삭 일리치 레비탄

"황금빛 가을"

일반적인 Levitan의 작품과 특히 "황금빛 가을"은 당시 러시아 회화에서는 그다지 흔하지 않았습니다. 레비탄은 '분위기 풍경'이라는 개념을 러시아 회화에 도입했는데, '황금빛 가을'은 이 맥락에서 대중에게 가장 상징적이고 사랑받는 작품 중 하나이다.

그러나 레비탄 자신에게는 그 그림이 그리 낯설지 않다. 작가는 가을을 주제로 100여 점의 그림을 헌정했지만, 이번 작품에서는 그러한 경우의 전통적인 슬픔을 반영하지 않았습니다. 오히려 캔버스의 모든 요소는 황금빛 햇빛으로 빛나고 있는 것 같습니다. 미술사학자들은 이 사실을 예술가의 삶의 특별한 시기와 연관시킵니다. 그림을 그리는 당시 Levitan은 사랑에 빠졌습니다. 작가가 자신의 작품에 만족하지 못하고 1년 후 같은 이름의 다른 그림을 그린 버전이 있습니다. 새 캔버스는 작가에게 친숙한 방식으로 만들어졌습니다.

가브릴 로마노비치 데르자빈

"기념물"

이 작품을 통해 Derzhavin은 실제로 시인에 대한 사회의 생각을 뒤집어 놓고 그들을 "버푼"범주에서 진지한 장르의 대가 범주로 옮겼습니다. 18 세기에는 법원의 변덕과 조롱을 견뎌야했던 시인 광대에 대한 생각이 널리 퍼졌습니다. 1795년에 쓰여진 데르자빈의 시는 러시아 문학에서 주인공이 자존감을 지닌 시인이자 창작자인 최초의 작품이 되었습니다. "기념비"의 저자는 시인을 변호하며 창작의 자유에 대한 권리를 인정할 필요성에 대해 이야기합니다. 나중에 기적적인 창조 이야기는 작가의 동시대 사람들인 Kapnist와 Lomonosov의 작품에 구현되었습니다. 이 주제는 Derzhavin 자신의 시대에서 오랫동안 살아 남았습니다. Pushkin, Mayakovsky, Akhmatova가 다시 돌아 왔습니다.

17세기와 18세기에 접어들면서 러시아는 사회 및 국가 생활의 새로운 단계에 들어섰습니다. 국가 내부 발전의 요구 사항을 정확하게 이해 한 피터 1 세의 개혁은 삶의 모든 영역에서 결정적으로 나타난 이러한 역사적 전환을 가속화하고 통합했으며 러시아 문화가 직면 한 새로운 영적, 미적 과제는 더 이상 불가능했습니다. 그 능력을 다 써버린 고대 러시아 예술의 틀 내에서 성공적으로 해결되었습니다. 그러나 유럽 문화의 모든 업적을 전례 없이 빠르게 동화할 수 있는 기회를 제공한 것은 바로 그가 현실을 반영하는 형태로 축적한 정복이었다는 점에 유의해야 합니다.

Rus의 중세 교회 문화에서 새롭고 주로 세속적인 문화로의 급격한 전환을 서유럽의 학습만으로 설명하는 것은 잘못된 것입니다. 세계 예술에 대한 러시아 예술가들의 기여의 가치는 모방이나 차용이 아니라 국가적 독창성, 시대, 국가, 국민의 사회적, 영적 요구에 대한 새로운 러시아 예술의 반응의 독창성에 있습니다. .

역사적 사명을 완수한 18세기 러시아 회화는 다음 세기에 거의 잊혀졌다. 19세기 말에 이르러서야 이 독특한 예술에 대한 관심이 되살아나고 그 매력이 다시 인식되기 시작했습니다. 러시아 회화 역사상 전체 계층을 부활시킨 데 대한 상당한 공로는 최고의 예술가, 특히 A. N. Benois와 S. P. Diaghilev의 것입니다. 18세기 거장들의 대규모 그림 전시회가 열리고 미술사 문학에 새로운 출판물이 등장하며 지나간 시대의 향기를 느끼고 감상하는 것이 유행이 됩니다.

그러나 소련 연구자들의 노력, 복원 자들의 노고, 박물관 노동자들의 사심없는 활동 덕분에 18 세기 러시아 회화 발전의 그림을 상상하는 것이 진정으로 가능해졌습니다. 이제 이 놀라운 예술은 우리 시대의 문화에서 정당한 자리를 차지했습니다.

18세기 1/4분기의 과도기 러시아 예술은 특별한 독창성을 특징으로 하며, 현대의 시각적 수단을 열정적이고 탐욕스럽게 습득하면서 퇴행하는 고대 러시아 문화와 새로운 예술의 요소를 복잡하고 때로는 예기치 않게 복잡하게 얽습니다. 이 시대의 평생은 군사적 승리의 비애와 변화의 정신으로 가득 차 있습니다. 예술가들은 과학의 업적을 활용하고, 해부학, 원근법, 명암학을 연구하고, 서유럽 회화의 우화적 언어를 익히기 시작합니다. 인간 성격의 가치, 그 활동, 목적 있는 활동의 의미에 대한 근본적으로 새로운 이해는 가혹하지만 Peter 1 시대의 위대한 행위로 가득 차 있습니다. 그림에서 이것은 초상화에서 가장 분명하게 나타났습니다. 새로운 러시아 미술의 첫 번째 성과가 관련되어 있습니다.

Peter 1 아래에서 많은 외국 화가들이 일했으며 당시 황실 가족, 군인 및 정부 인사의 이미지를 남겼습니다. 그러나 18 세기 1/4 분기 초상화 전시회에서 주요 관심은 외국인의 그림이 아니라 매우 전문적이고 피상적이지만 Yakov Shtelin이 위대한 거장이라고 불렀던 러시아 예술가 Nikitin과 Matveev의 초상화에 끌립니다. 그의 노트. 그들의 작품을 보면 아이콘과 파순에 대한 훈련을 받은 러시아 화가들이 얼마나 빨리 유럽 예술의 기술을 습득할 수 있었는지, 그리고 그들이 그 시대의 작업에 대한 진정한 의미를 초상화에 적용한 것에 놀라지 않을 수 없습니다. .

I. N. Nikitin (c. 1690-1741 또는 c. 1680 - 1742 이전)은 Peter 1에 의해 베니스와 피렌체에서 그림을 공부하기 위해 파견되었습니다. 피터의 멘티는 학문적 방식으로 유럽 미술을 마스터하는 데 접근하지 않았으며 자신만의 독립적인 예술적 언어를 개발했습니다. 그의 초상화는 시대의 가혹한 정신과 황제와 그의 동료들의 청교도 생활 방식과 일치하는 구성과 절제의 단순함으로 구별됩니다. 1 여기서는 서유럽 의식 초상화의 화려 함과 모습의 그림자조차 볼 수 없습니다. Nikitin의 후기 걸작인 Peter I의 임종, G.I. Golovkin 총리의 초상화 및 Floor Hetman은 성숙한 회화 기술과 예리한 관찰, 모델 캐릭터의 중요성을 전달하는 능력을 결합합니다. Peter 1은 개인 주인의 예술을 높이 평가했으며 Nikitin이 폴란드 왕의 초상화를 그려 우리 국민 중에 좋은 주인이 있다는 것을 알 수 있도록 아내에게 편지를 썼습니다.

또 다른 둥지 병아리 인 L. M. Matveev (1701-1739)도 당시 무미건조한 학문주의가 당시 예술을 지배했던 암스테르담과 앤트워프로 해외 유학을 떠났습니다. 젊은 예술가는 그곳에서 기술적 인 기술만을 배웠으며 창의적인 독립성을 완전히 유지했습니다. 건설중인 상트 페테르부르크에서 그는 건축청 회화 팀을 이끌면서 교회와 궁전의 회화를 감독했습니다. 가장 큰 가치는 극도로 진실되고 자연스러우며 인간의 존엄성이 높은 몇 안 되는 그의 작품의 초상화로 표현됩니다.

피터의 죽음 이후 첫 번째 반응 기간은 러시아 민족 예술의 발전에 유익한 영향을 미칠 수 없었습니다. 비로노프주의의 암울한 시기에 후기 바로크 양식의 의식화 전통에 따라 작업하는 일류가 아닌 외국 예술가들의 지배력은 러시아 예술가들의 순전히 기술적이고 전문적인 지평을 어느 정도 확장했지만 여전히 진보적 추세를 늦추었습니다. . 40년대에야 러시아 회화의 새로운 상승이 시작되었습니다.

“엘리자베스의 즐거운 시간”의 예술은 이중성으로 구별되었습니다. 이 시기 최고의 업적은 뛰어난 바로크 양식의 거장 라스트렐리(Rastrelli)의 천재성이 꽃피웠던 건축에 속합니다. 당시의 의식화에서는 장식성과 우화가 승리했다. 그러나 초상화에서 가장 중요한 경향은 외국인의 화려한 그림 (G. Groot, P. Rotary, L. Tokke)이 아니라 러시아 민속 문화에 깊은 뿌리를 둔 국가 예술과 관련된 것으로 밝혀졌습니다. .

Matveev가 사망한 후 회화 팀은 아직 작품이 거의 연구되지 않은 예술가 I. Ya. Vishnyakov(1699 - 1761 이후)가 이끌기 시작했습니다. 장식 그림에서 이탈리아를 방문하는 사람들과 성공적으로 경쟁했으며 초상화에서 그는 평탄함과 정적인 파르수나를 로코코의 우아함과 결합한 매우 독창적인 예를 제시했습니다. 그의 재능의 밝은 개성은 파선 경향에 활력을 불어넣는 동시에 서유럽 의식 초상화의 매너리즘을 극복할 수 있게 해주었습니다.

국가 전통은 농노 예술가 I. P. Argunov (1727-1802)와 단순한 자물쇠 제조공 L. P. Antropov (1716-1795)의 아들의 작품에서 특히 명확하게 나타났습니다. 그들은 해외 유학을 할 필요는 없었지만 서유럽 의식 초상화의 기술 및 구성 기법을 완벽하게 습득했습니다. 그러나 이들의 작품에서 매력적인 점은 형식적인 기교라기보다는 사실성과 진실성, 그리고 인물의 윤곽을 뚜렷하게 그려내는 능력이다. 그들의 작품은 19세기 중반 러시아 사회의 민족적 정체성을 반영했으며, 이는 곧 예술의 개화를 예고했다. Antropov의 그림의 다채로움과 때로는 장식성은 이탈리아의 예가 아니라 러시아 민속 예술의 꽃과 가깝습니다. 사람에 대한 세심한 태도와 회화의 현실주의는 러시아 예술의 발전에서 Antropov의 중요성을 결정했습니다. 그의 학생들 중에는 D. P. Levitsky와 같은 뛰어난 예술가가 있었다고 말하면 충분합니다.

18세기 후반은 러시아 회화가 진정한 번영을 누리던 시기였습니다. 지난 반세기 동안 러시아는 문화 발전에서 다른 유럽 국가들을 따라잡았습니다. 더욱이, 예를 들어 18세기 프랑스에서 귀족이 쇠퇴하여 마침내 새로운 계급에 그 지위를 포기할 준비를 하고 있었다면 러시아에서는 절대주의 군주제와 귀족이 여전히 강화를 목표로 하는 진보적인 역사적 사명을 수행했습니다. 그리고 나라를 발전시키죠.

선진적인 러시아 국민은 프랑스 계몽주의 사상을 흡수했고, '자연인', 합리적인 군주제의 발전을 꿈꿨으며, 러시아에서는 애국심이 강했습니다. 러시아에서는 처음으로 선진 지식인 집단이 형성되었습니다. 모스크바에 대학이 조직되었고 최초의 전문 극장이 등장했으며 외국어를 가르치면서 세계 사상의 보물에 접근할 수 있게 되었습니다. M.V. Lomonosov의 위대한 작품 이후 문학은 빠르게 발전했습니다. 건축의 고전주의는 러시아에서 뛰어난 결과를 가져왔습니다. 러시아 회화의 모습도 근본적으로 바뀌었다.

1757년에는 건축, 조각, 회화 분야의 거장을 양성하는 데 중요한 역할을 하기 위해 삼귀예술 아카데미가 설립되었습니다. 이때 미술이 생명현상을 다루는 범위는 크게 확대되었다. 회화의 새로운 장르가 등장했고, 러시아 역사화의 탄생은 바로 아카데미와 연결되어 있다.

교육 프로그램의 규범적인 성격에도 불구하고 아카데미는 학생들에게 특히 드로잉 분야에서 탁월한 전문 교육을 제공했습니다. 졸업생들의 해외 출장도 시야를 넓히는 데 매우 중요했습니다. 따라서 러시아 최초의 역사 화가 A. P. Losenko (1737-1773)는 농민의 아들로 나중에 아카데미 원장이되었으며 상트 페테르부르크에서 공부를 마친 후 먼저 파리로 가서 그곳에서 일했습니다. 유명한 화가 레투(Retu)와 비엔(Vienne), 그리고 로마로. 고전주의의 시민적 이상을 마음에 새기고 유럽에서 본 옛 거장들의 그림에 대한 정확한 평가를 저널에 남긴 재능 있고 끈기 있는 Losenko는 해외 지방에서 온 소심한 학생이 아니었습니다. 파리 아카데미는 그에게 메달을 두 번 수여했습니다.

그는 고국으로 돌아온 후 주요 그림을 그렸으며 대성공을 거둔 "블라디미르와 로그네다"라는 구도는 러시아 역사를 주제로 한 최초의 그림이되었습니다. 그의 조기 사망으로 인해 그는 그의 두 번째 대형 그림인 헥터의 안드로마케에게 작별 인사를 완성하지 못했습니다. 그 후, 이미 19세기 초에 Reiners는 "러시아 회화의 로모노소프가 그에게서 사라졌다"고 썼습니다. 아카데미의 후계자 (P.I. Sokolov 및 I.A. Akimov)의 역사적인 그림은 그러한 애국적인 애정과 기술로 구별되지 않았습니다.

또 다른 새로운 유형의 그림은 풍경화였습니다. 사실, 아카데미에서는 이 장르를 2차 장르로 간주했으며 러시아 최초의 전문 풍경화가 S. F. Shchedrin(1745-1804)이 세기 말에야 새로 형성된 풍경 수업을 이끌었습니다. 그러나 자연의 느낌, 그 아름다움에 대한 이해는 러시아 문화에 점점 더 확고하게 자리 잡았습니다. 문학에서 자연에 대한 시적 존경과 러시아 공원 예술의 번영은 특히 18세기 후반의 특징이 되었습니다. 감상주의와 초기 낭만주의 시대에 풍경은 마침내 독립적인 예술적 의미를 획득했습니다. 이 과정에서 Shchedrin의 역할은 훌륭합니다. 그는 Lorrain에서 Hubert Robert에 이르기까지 러시아 회화에 대한 서유럽 풍경의 업적을 숙달했을 뿐만 아니라 여전히 다소 관습적이고 장식적이지만 러시아 자연의 매력과 멋진 러시아 공원의 아름다움.

풍경화에서 중요한 장소는 도시 풍경, 특히 상트 페테르부르크의 전망이 차지했으며 그 앙상블의 화려 함은 러시아 국민의 자부심과 외국인에 대한 존경의 원천이되었습니다. 북부 팔미라의 첫 번째 회화 가수는 F. Ya. Alekseev (1753/55 - 1824)였습니다. 베네치아 사람들로부터 회화 예술을 배운 그는 네바 강의 왕도가 예술가에게 제공한 기회를 감상하고 완전히 드러낼 수 있었습니다. 상트페테르부르크에 대한 그의 견해는 러시아 건축가들의 장엄한 창조물 수준에 있었습니다.

풍경과 마찬가지로 아카데미는 일상 장르를 가장 낮은 종류의 그림으로 간주했습니다. 주로 고귀한 문화의 특수성은 그 발전에 도움이 되지 않았지만 여전히 현실에 대한 현실적인 접근 방식이었고, 새로운 사회 세력의 출현으로 예술가들은 농촌 및 농민 주제에 관심을 돌리게 되었습니다(M. Shibanov, I. Ermenev). 중산층의 사생활까지. 러시아 최초의 장르화 작가이자 젊은 화가인 I. Firsov(1733년경~1784년 이후)가 모스크바 상인 출신이라는 것이 특징입니다. 장식 그림의 대가였던 그는 1765년 파리로 파견되어 유명한 감정가이자 예술 후원자인 D. A. Golitsyn의 감독하에 일했습니다. 그런데 그는 다음과 같이 썼습니다. “중산층도 번영을 위해 필요합니다. 과학과 예술의. Firsov는 평등의 개념, 파리 화가의 자기 인식 수준, Chardin의 일상 장르의 걸작과 그의 추종자들의 작품에 영향을 받을 수밖에 없었습니다.

그러나 주제 범위의 확장은 장르의 선두 자리를 빼앗을 수 없었으며 그 성과는 러시아 회화를 가장 발전된 유럽 학교와 동일한 수준에 놓았습니다. 18세기 말 초상화에 대한 러시아 예술가들의 노력은 결실을 맺었습니다. 회화적 숙달의 정점에 도달한 곳이 바로 이곳이었고, 러시아 대가들이 당시의 진보적이고 교육적인 아이디어를 특별한 깊이로 표현할 수 있었던 것은 초상화에서였습니다. 러시아 회화에는 심리학과 풍부한 이념적, 철학적 내용이 포함되어 있습니다.

이제 사람의 개별적인 특징을 포착하는 데 국한되지 않고 그의 내면에 침투하는 초상화 예술 발전의 새로운 단계는 아마도 18세기의 가장 매력적인 러시아 예술가인 F. S. Rokotov의 작품으로 표시되었습니다. (1735/Z b-1808). 최근에야, 심지어 철저하지는 않았지만 많은 전설과 추측에 가려진 그의 삶의 상황을 명확히하는 것이 가능했습니다.

Rokotov의 놀라운 재능은 그를 법정에서 빠르게 명성과 인정을 얻었지만 (그는 Catherine II와 왕위 상속인의 기념 초상화를 그렸습니다), 그의 최고의 작품은 친밀한 분야에서 예술가의 재능이 있었던 모스크바 시대로 거슬러 올라갑니다. , 실내 초상화가 번성했습니다. 공식 상트 페테르부르크보다 더 자유로운 사고를 지닌 옛 수도와 계몽주의를 지향하는 진보적 집단은 로코토프에 유익한 영향을 미쳤습니다. 그는 모스크바 지식인 대표의 초상화에서 지능, 아이러니, 창의성을 전달하는 데 능숙했으며, 이 초상화는 활력과 심리학으로 동시대 사람들을 놀라게 했습니다. Rokotov의 친구 N. E. Struisky는 A. P. Sumarokov의 초상화에 대해 예술가에게 썼습니다. ... 당신은 거의 게임에서 그의 얼굴의 모습과 그의 눈의 선명함, 그 시간에 그의 불 같은 영혼, 그의 모든 부드러움만을 표시했습니다. 당신이 생생하게 표현한 캔버스에는 마음이 숨겨져 있지 않습니다…

수년에 걸쳐 예술가의 기술이 정교해지고 인간의 내면 세계에 대한 그의 비전이 더욱 예리해집니다. 주요 목표는 성격의 충만 함을 재현하는 것이 아니라 가장 미묘하고 때로는 파악하기 어려운 영혼의 움직임을 재현하는 것입니다. Rokotov의 여성 이미지는 이제 특히 좋으며 서정성, 부드러움 및 시가 예술가의 그림 스타일과 매우 일치합니다. Rokotov는 모델의 영적 구조에 따라 각 초상화를 하나의 키로 해결하려고 노력하면서 따뜻한 언더페인팅이 최고의 유약을 통해 빛나게 합니다. 브러시를 자유롭게 움직이면 스모키, 은청색, 올리브색, 애쉬 핑크색의 가볍고 녹는 스트로크가 캔버스에 적용됩니다. 하프톤의 유희, 색상의 음악성, 배경의 황혼 및 형태의 부드러움은 그의 여성 이미지에 신비로움을 더하고, 그 주변에는 시적 슬픔의 분위기가 생기고, 색상의 움직임은 캔버스와 시선에서 느껴집니다. 마술처럼 깊어지고, 속눈썹이 파르르 떨리고, 입술 모서리가 떨리고, 분위기가 미묘하게 변합니다.

덜 주관적인 것은 18세기 후반의 또 다른 주요 거장인 D. G. Levitsky(1735 - 1822)의 초상화 작품입니다. 이 작가의 가능성의 범위는 유난히 넓다. 그의 그림은 더 물질적이고 단단하며 채색은 더 강렬하며 장식 효과를 추출하는 방법을 알고 있으며 캔버스의 포화 색 반점 배열의 성격을 바꾸는 것을 좋아합니다. 따라서 Levitsky는 표현, 액세서리 사용 능력, 배경, 포즈, 제스처 및 회화 적 광채 측면에서 최고의 서유럽 사례보다 열등하지 않은 의식 초상화를 기꺼이 그렸습니다.

그의 그림에서는 벨벳의 무게감, 비단의 바스락거리는 덩어리, 금속의 차가운 광택, 금 자수의 가시투성이의 거칠기, 보석의 투명함과 유희를 느낄 수 있습니다. 그러나이 모든 회화 적 사치는 예술가가 최고의 의식 초상화 (예 : P. A. Demidov 또는 A. F. Kokorinov)에서 심리학자의 경계를 보여주는 것을 방해하지 않습니다. "Smolnyankas"(Smolny Institute for Noble Maidens의 학생)의 유명한 대형 초상화 시리즈의 장식 효과는 주인이 젊음의 매력과 삶의 기쁨을 찬양하는 주요 과제를 해결하는 데 도움이 됩니다.

그러나 아마도 Rokotov와 마찬가지로 Levitsky의 마음에 특히 소중한 것은 감동적이고 따뜻함이 가득한 친밀한 초상화 작업이었을 것입니다. 그는 당대 가장 훌륭하고 계몽된 사람들이 G.R. Derzhavin 서클의 일원이라는 것을 알고 있었습니다. 레비츠키의 초상화에 노비코프, 르보프, 1773년 러시아를 방문한 디드로가 포함된 것은 우연이 아니다. 명확한 정신과 현실에 대한 인식의 깊이는 Levitsky가 당시 사람들의 매우 설득력 있고 포괄적인 초상화를 만드는 데 도움이 되었습니다.

세기 말에는 러시아 문학과 회화에 새로운 견해와 분위기가 나타났습니다. 합리주의적 사고 숭배에서 어느 정도 벗어나는 느낌이 들고, 부드러운 감정이 특히 중요해지기 시작했습니다.” 감상주의는 시, 풍경화, 초상화 그림을 특정한 톤으로 물들입니다. 여기에서 가장 큰 업적은 10~19세기에 창의력이 번성했던 세 번째 뛰어난 러시아 초상화 화가인 V. L. Borovikovsky(1757~1825)의 몫입니다. 그의 친밀한 초상화, 특히 여성의 초상화에서는 뛰어난 그림 실력 외에도 도덕적 순수함, 서정성 및 성실함이 매력적입니다. 그들에게는 이상의 그늘이 있지만 그것은 예술가 자신의 영적 구조, 따뜻함과 감수성, 인간에 대한 높은 생각에서 비롯되었습니다.

그의 몇 가지 의식 구성은 더 객관적이고 개별화되어 있으며 그중 A. B. Kurakin 왕자의 화려한 초상화가 눈에 띕니다.

이 시대 예술의 특징은 S. S. Shchukin(1758 - 1828)의 작품입니다. Shchukin은 파리에서 공부한 후 Levitsky를 대신하여 아카데미에서 초상화 그림 교사로 일했습니다. 그는 구성의 단순성과 색상의 제한이 심리적 분석의 놀라운 힘과 표현력과 결합된 유명한 Paul I의 초상화를 소유하고 있습니다. 낭만주의 요소가 이미 눈에 띄는 Shchukin의 예술은 19 세기 1/3 러시아 초상화의 발전을 예고합니다.

지난 100년 동안 러시아 회화는 고대 러시아 예술에서 유럽 수준의 완벽한 예에 이르기까지 먼 길을 걸어왔습니다. 다양한 장르에 대한 그녀의 정복은 Kiprensky, Venetsianov 및 Sylvester Shchedrin과 같은 미래의 위대한 거장들이 출현할 수 있는 기회를 제공했습니다.

이반 페트로비치 아르구노프

Ivan Petrovich Argunov의 전기

Argunov I.P.는 러시아 초상화 예술가이자 러시아 실내 초상화의 창시자 중 한 명입니다. 그의 작품에서 그는 러시아 사실주의 초상화 발전에 큰 영향을 미친 바로크 기법을 사용했습니다. Argunov는 서유럽 스타일의 회화를 마스터했으며 그의 작품에서는 외국 기술과 진정한 러시아 독창성을 조화롭게 결합했습니다. 그의 작품은 유럽 초상화와 러시아 성상화 스타일의 전통을 반영하여 그의 작품을 독창적이고 독특하게 만듭니다.

Ivan Petrovich는 삼촌 Semyon Mikhailovich Argunov의 가족에서 자랐습니다. 그의 삼촌은 Cherkasy 왕자의 집사였으며 나중에 Sheremetev 백작의 집 관리자였습니다. 젊었을 때 미래의 예술가는 수많은 집안일을 수행해야했습니다. 그는 P.B. 집의 청지기가 되었습니다. Sheremetev는 처음에는 상트페테르부르크에서, 나중에는 모스크바에서 활동했습니다.

많은 러시아 예술가들과 달리 그는 결코 가난을 경험하지 않았지만 평생 동안 자신의 지위의 이중성을 느꼈습니다. 한편으로는 인정받는 예술가이고 다른 한편으로는 무력한 노예였습니다.

Ivan은 특별한 미술 교육을 받지 않았습니다. 일부 소식통에 따르면 그의 교사는 건물 사무실의 Andrei Matveev의 학생이자 사촌이었습니다. 그들은 남동생의 예술적 세계관 형성에 큰 영향을 미쳤습니다. 아마도 1746년부터 1749년까지 아르구노프는 엘리자베스 황후의 궁정 예술가인 G.H. 그루트와 함께 공부했을 것입니다.

1747년에 그는 Groot와 함께 Great Tsarskoye Selo Palace 교회의 아이콘을 만들었습니다.

Argunov의 초기 초상화에는 Ivan Ivanovich 왕자와 Ekaterina Alexandrovna Lobanov-Rostovsky 공주의 이미지가 포함됩니다. 공주의 초상화는 놀랍습니다. 차가운 색상의 색조를 기반으로 한 색상 구성과 결합된 특정 강성은 초상화에 특유의 연약한 부드러움을 부여합니다.

1750~1760년대의 작품은 Ivan Argunov의 작품에서 새로운 단계를 시작합니다. "무명의 예술가의 초상"과 "무명의 여자의 초상"에서 작가는 새로운 유형의 이미지, 즉 "친밀한 초상화"를 창조합니다. 작가는 사람의 관심과 성향을 특징 짓는 사물과 유기적으로 연결된 사람을 묘사합니다. 주인공은 신문으로, 그의 아내는 책으로 묘사됩니다. 이는 부부의 교육을 나타냅니다.

작가는 그들의 영혼을 드러내고 본질의 비밀을 드러내는 것 같다. 초상화는 성격을 반영합니다. 일반적으로 이러한 초상화는 크기가 작고 주로 허리 위로 묘사되며 색상 팔레트는 적당하지 않습니다.

아르구노프의 창의성은 1760년대에 꽃피웠고, 60년대 말 셰레메테프 가족은 모스크바로 이주하여 예술가를 상트페테르부르크에 있는 백만 번째 집의 관리자로 임명했습니다.

집안일로 인해 매니저로서 작가는 글을 거의 쓰지 않습니다. 그러나 그가 아마도 그의 가장 유명한 작품인 "러시아 의상을 입은 무명 여성의 초상화"를 만든 것은 바로 이 기간이었습니다.

그의 그림은 러시아 미술에서 농민을 주제로 한 최초의 그림이 되었습니다. 그림은 모스크바 지방의 농민 여성 복장을 한 여성을 묘사합니다. 이것은 순수한 영혼을 지닌 러시아 여성의 순수하고 밝은 이미지입니다. 초상화에서 작가는 국민 여성의 평온함과 위엄, 내면의 존엄성을 구현했다.

1760년대 아르구노프의 작품 중 중요한 위치는 의식용 초상화가 차지하고 있습니다. Argunov는 Sheremetevs의 법원 초상화가였기 때문에 Sheremetevs의 초상화(“P.B. Sheremetev 백작의 초상화”와 한 쌍의 “V.A. Sheremeteva 백작 부인의 초상화”)를 반복적으로 그렸습니다.

예를 들어, 그는 전통적인 풍경을 배경으로 화려한 포즈를 취하는 셰레메티예프 백작과 장미로 장식된 고급스러운 브로케이드 드레스를 입은 백작부인을 묘사하는 등 세련되고 편안한 세속주의의 분위기를 조성하려고 노력했습니다.

그는 또한 러시아로 이주하여 아르메니아 사람들의 교육 확산과 러시아 문화 소개에 기여한 아르메니아인인 라자레프 귀족의 가족 초상화 시리즈를 만들었습니다.

1768년에 아르구노프는 '톨스토이의 초상화'를 그렸습니다. 지적이고 차분한 얼굴을 한 나이든 여성의 모습이 그려져 있습니다. 그녀는 손에 뜨개질 바늘과 실을 들고 있는데, 이는 의식적인 초상화 유형에 예기치 않게 친밀한 느낌을 더해줍니다.

수년이 지나면서 작가의 예술은 더욱 깊어지고, 더욱 완벽해지고 미묘해지며, 이는 특히 어린이 초상화 "칼미크 여성 안누쉬카의 초상"에서 표현됩니다.

1788년에 Argunov는 Moscow Sheremetev House의 관리자로 임명되었습니다. 여기에서 그는 관리자로 일하면서 그의 아들인 건축가 Pavel Ivanovich, 화가 Nikolai 및 Yakov를 가르쳤으며 그의 아들 Pavel Ivanovich Argunov의 디자인에 따라 지어진 Ostankino의 유명한 궁전 극장 건설에도 참여했습니다.

Peter I의 시대는 현대의 모든 러시아 예술에 근본적으로 중요하며 문화 건설 분야를 포함한 모든 분야에서 러시아는 서유럽 국가와 동등해야했습니다. 피터는 러시아가 서방의 진보된 예술적 경험을 습득하는 것이 얼마나 중요한지 이해했습니다. 서유럽 거장의 작품을 구입하고, 러시아 거장을 희생하여 유럽에서 공부하기 위해 연금 수급자 여행을 마련했으며, 외국 예술가를 초대하여 러시아에서 러시아 거장을 일하고 훈련했습니다.

I. N. Nikitin. 바닥 hetman의 초상화입니다. 1720년대 캔버스, 오일.

러시아 예술의 변화를 언급하면서 우리는 그것이 위대한 역사적 유산에 기초하고 이전 예술 문화 발전 과정에서 준비되었다는 사실을 잊어서는 안됩니다. 17세기 예술에서. 예를 들어 궁전 건설과 같은 새로운 기능이 이미 등장했으며 회화의 초상화 장르가 결정되기 시작했지만 18 세기 초에 가장 완전히 공개되었습니다. 국가 전통은 러시아에서 일한 많은 외국 거장들의 창의성의 성격에 결정적인 영향을 미쳤습니다.

A. M. Matveev. 아내에게 자동 답장을 보내세요. 캔버스, 오일.

문화 분야에서 베드로의 변화의 본질은 "세속화"입니다. 이는 예술이 세속화되고 종교 숭배의 이익에만 봉사하는 것을 중단한다는 것을 의미합니다. 예술의 구성 자체가 변화하고 있으며, 새로운 유형의 예술 활동과 장르가 등장하고 있으며, 마침내 시각적 언어도 변화하고 있습니다. 그림의 기초는 관찰, 지상의 자연과 인간의 형태에 대한 연구이며 중세 시대처럼 정식 모델을 따르지 않습니다.

표트르 대제 시대부터 18세기 전체에 걸친 회화 장르 중 하나입니다. 초상화가 리더가 됩니다. 두 명의 러시아 초상화 화가 I. N. Nikitin과 A. M. Matveev의 작품은 실제 심리적 초상화의 탄생을 의미합니다.

V. L. Borovikovsky. A. G.와 V. G. 가가린의 초상. 1802. 캔버스에 유채. 주립 Tretyakov 갤러리. 모스크바

표트르 대제 시대의 토목 및 궁전 건설은 러시아 건축 역사상 새로운 밝은시기입니다.

실제 생활의 작업에 종속된 피터 시대의 예술은 그림, 조각, 선박 모델이나 시계 메커니즘 제작 등 어떤 문제에서든 "예술"이라는 높은 수준의 기술로 이해되었습니다. 예술과 기술, 과학 및 공예의 융합은 표트르 대제 시대 문화의 특별한 예술적, 공학적 특성을 결정합니다. 국가뿐만 아니라 Peter I의 가장 큰 문화적 활동은 새로운 예술의 중심지가 된 젊은 러시아 제국의 새로운 수도 인 상트 페테르부르크의 창립이었습니다.

A. G. Venetsianov. 수확기에. 여름. 1820년대 캔버스, 오일. 주립 Tretyakov 갤러리. 모스크바.

예술은 삶과 일상을 꾸미는 목적에 봉사하기 시작하며, 기념비적인 규모와 함께 축제적이고 웅장하며 장식적인 성격을 획득합니다. 이러한 특징은 Tsarskoe Selo의 왕궁과 상트 페테르부르크의 겨울 궁전을 건축한 위대한 건축가 V. V. Rastrelli의 작업에서 가장 생생하고 완벽하게 표현되었으며 바로크 양식의 훌륭한 예입니다.

18세기 후반. -현대 러시아 예술이 강력하고 찬란하게 꽃피는 시기. 유럽의 견습 기간이 지났습니다. 1757년에 설립된 상트페테르부르크 예술 아카데미는 국가 예술 인력의 중심지가 되었습니다. 미술교육체계가 효율화되었고, 유럽문화계와의 접촉이 더욱 집중되었다. 예술 아카데미의 시작은 고전주의의 확립과 일치했습니다. 고전주의는 바로크 양식의 장식적 화려함과 사치를 엄격한 논리, 합리적인 명확성 및 비례와 대조하는 스타일로 고대 예술과 르네상스의 고전 작품에서 재발견됩니다. 건축 분야에서는 모스크바에 있는 Pashkov 집의 저자인 V. I. Bazhenov, 모스크바 크렘린의 상원 건물을 건축한 M. F. Kazakov, 모스크바의 많은 공공 및 민간 건물, I. E. Starov와 같은 뛰어난 건축가의 활동 시간입니다. , 상트페테르부르크에 타우리데 궁전을 건설한 프로젝트에 따르면, 찰스 카메론은 상트페테르부르크 근처 파블로프스크에 웅장한 궁전과 정원, 공원 앙상블을 만든 사람입니다. F. G. Gordeev, I. P. Martos, M. I. Kozlovsky, F. F. Shchedrin의 작품에서 러시아 조각의 부상은 또한 고전주의 시대와 관련이 있습니다. F. I. Shubin의 초상화 조각은 탁월한 심리적 통찰력, 예술적 기술의 용기 및 유연성으로 구별되며 기존 계획과는 다릅니다. 18세기 후반에 달성된 러시아 예술의 성숙에 대한 증거는 창의적인 개인의 다양성이며, 예를 들어 초상화 그림의 가장 위대한 두 대가인 F. S. Rokotov와 D. G. Levitsky의 예술적 스타일 차이에 반영됩니다. . Levitsky의 그림은 광채로 가득 차 있으며 물질 세계의 눈에 보이는 아름다움에 대한 황홀함, 삶의 충만 함, 놀랍도록 다양하게 재현 된 인간 유형, 풍부한 감정적 억양 (엄숙함, 우아함, 교활함, 자부심, 교묘함 등)으로 매료됩니다. 1770년대 최고의 초상화를 그린 로코토프. 그림 같은 배경의 어둠 속에서 신비롭게 깜박이는 표정의 뉘앙스와 음영으로 나타나는 친밀한 특성화의 대가로 나타납니다. 18세기 초상화 예술의 화려한 개화를 완성한 V. L. Borovikovsky의 작품은 감상주의의 사상과 정서의 영향으로 특징지어집니다.

F. S. 로코토프. A. P. Struyskaya의 초상화(조각). 1772. 캔버스에 유채. 주립 Tretyakov 갤러리. 모스크바.

19세기의 도래와 함께. 러시아 예술에 중요한 변화가 일어나고 있습니다. 세기의 시작은 새로운 예술 운동, 즉 낭만주의의 탄생으로 표시되었으며, 그 첫 번째 지수는 O. A. Kiprensky였습니다. 러시아 회화는 S. F. Shchedrin의 풍경화에서 야외 회화를 발견했습니다. A.G. Venetsianov는 러시아 일상 장르의 창시자가되었습니다. 처음으로 농민의 삶을 묘사하면서 그는 그것을 조화와 위대함, 아름다움으로 가득 찬 세계로 보여주었습니다. 학문적 미학에 존재했던 '단순한 자연'과 '우아한 자연'의 대립과 달리, 이전에는 예술로서 가치가 없다고 여겨졌던 활동 분야에서 우아함이 발견되었다. 처음으로 Venetsianov의 그림에서 러시아 시골 자연의 감동적인 서정이 들렸습니다. 훌륭한 교사인 그는 A.V. Tyranov, G.V. Soroka 등과 같은 수많은 예술가들을 교육합니다. 풍경화, 인물화와 함께 그들의 작품을 대표하는 장르 중 하나는 인테리어이다. 러시아 미술의 장르 구성이 풍부해지고 있다. 단순하고 소박한 모습, 일상의 평화로운 흐름, 자연의 그림으로 삶을 묘사하면서 그들은 아름답고 시적인 것을 휴식과 침묵의 순간으로 인식하는 평범한 사람들의 감정에 어울리는 예술의 아름다움을 만들었습니다. 매일의 걱정과 수고. 동시에, 학파와는 반대로 과거의 전통적인 패턴을 지향하는 것이 아니라 평범하고 일상적인 현실에서 조화로운 패턴과 시를 찾는 시스템인 시각적 시스템이 등장합니다. 현실은 예술을 강력하게 침범해 40년대로 이어진다. 문학의 "자연 학교"에 대한 비유를 나타내는 일상적이고 풍자적인 그래픽(V.F. Timm, A.A. Agin)의 번성. 이 예술 라인은 일상적인 그림에 갈등을 도입하고 풍자적 사회적 배경으로 극적인 행동을 개발하여 외부 환경이 영웅들. 학문적 학교의 전통적인 형태를 재고하는 것은 한편으로는 K. P. Bryullov의 "The Last Day of Pompeii"와 A. A. Ivanov의 "The Appearance of Christ to the People"과 같은 역사적 회화에서 기념비적인 창조물을 탄생시킵니다. 다른. Ivanov는 심층적인 심리적 발달, 대형 캔버스에서 작업하는 새로운 스케치 방법의 발견으로 그림을 풍부하게 했습니다. 고전 유산의 현명한 동화, 야외에서 그림을 그리는 자신의 경험, 창의적인 개념의 규모, 사람들을 계몽하고 영적 문화를 향상시키는 큰 책임으로서의 창의적인 선물에 대한 태도를 통해 그 계율을 테스트하는 것-이 모든 것 Ivanov의 작품은 우수 학교일 뿐만 아니라 예술의 인본주의에 대한 훌륭한 교훈이 되었습니다.

O. A. Kiprensky. 소년 A. A. Chelishchev의 초상화. 좋아요. 1809. 캔버스에 유채. 주립 Tretyakov 갤러리. 모스크바.

19세기 1/3. - 일반적으로 제국 스타일이라고 불리는 러시아 건축의 고전주의 발전의 가장 높은 단계. 이 시기의 건축적 창의성은 개별 건물의 완벽한 디자인이라기보다는 거리와 광장의 넓은 공간을 건축적으로 구성하는 기술에 있습니다. 이들은 상트 페테르부르크의 도시 계획 앙상블-해군성 (건축가 A. D. Zakharov), Vasilievsky Island 침상 교환 (건축가 J. Thomas de Thomon), 카잔 대성당 (건축가 A. N. Voronikhin)입니다. 궁전 광장의 구성을 완성한 참모 건물의 저자인 K.I. 도시계획 생각.

V. A. Tropinin. Arseny Tropinin의 아들의 초상화. 1818. 캔버스에 유채. 주립 Tretyakov 갤러리. 모스크바.

1860년대 초, 농노제가 폐지된 이후 러시아 예술은 날카로운 비판적 관심을 받아 근본적인 사회 변화의 필요성을 말해줍니다. 예술은 사회적 불의의 악을 묘사하고 사회의 악덕과 병폐를 폭로하면서 이를 선언했습니다(1860년대 V. G. 페로프의 작품 대부분). 그것은 현대 생활의 침체와 역사적 시대의 전환점의 변혁적 힘을 대조했습니다(1880년대 V. I. Surikov의 그림).

S. F. Shchedrin. 나폴리의 달밤. 1828-1829. 캔버스, 오일. 국립 러시아 박물관.

인물과 상황의 진실성과 평범하고 일상적인 경험에서 인식되는 형태의 삶에 대한 진실한 묘사의 결합은 비판적, 즉 민주적 사실주의의 특징이며, 이후 러시아의 진보 예술이 발전해 왔습니다. 1860년대 초. 이 새로운 예술의 온상이자 주요 청중은 다양한 지식인이었습니다. 19세기 후반 민주현실주의의 전성기. 1870년에 설립된 순회 ​​미술 전시회 협회의 활동과 관련이 있습니다(Peredvizhniki 참조). Peredvizhniki의 이념적 지도자이자 조직자는 가장 심오한 예술가 중 한 명이자 재능 있는 이론가, 비평가 및 교사인 I. N. Kramskoy였습니다. 그의지도 영향으로 TPHV는 예술적 언어의 접근성, 민속 생활 현상에 대한 포괄적 인 보도, 예술을 사회적으로 민감하고 유능하게 만드는 능력 덕분에 선진 예술 세력의 통합, 관객의 확장 및 민주화에 기여했습니다. 주어진 역사적 순간에 사회와 관련된 주제와 이슈를 제시하는 것입니다.

A. I. Kuindzhi. 우크라이나의 저녁. 1878. 캔버스에 유채. 국립 러시아 박물관. 레닌그라드.

1860년대. 70년대 장르화는 초상화(V. G. Perov, I. N. Kramskoy, N. A. Yaroshenko)와 풍경(A. K. Savrasov, I. I. Levitan, I. I. Shishkin, A. I. Kuindzhi, V. D. Polenov)의 역할을 지배했습니다. Peredvizhniki 예술을 홍보하는 데 중요한 역할은 뛰어난 예술 평론가이자 예술 역사가 V. V. Stasov의 것입니다. 동시에 P. M. Tretyakov의 수집 활동이 발전했습니다. 그의 갤러리(Tretyakov 갤러리 참조)는 새롭고 현실적인 학교의 거점이 되며, 그의 컬렉션의 프로필은 순회자들의 작품에 의해 결정됩니다.

러시아 미술의 다음 시기는 19세기 말부터 20세기 초이다. 80년대는 I. E. Repin과 V. I. Surikov의 작품에서 Peredvizhniki 사실주의가 정점에 도달했던 과도기적 10년이었습니다. 이 기간 동안 V. I. Surikov의 "Streltsy 처형의 아침", "Boyaryna Morozova", "쿠르스크 지방의 종교 행렬", "선전가의 체포", "그들은 그랬습니다"와 같은 러시아 회화의 걸작이 만들어졌습니다. 예상되지 않음” I. E. Repin. 그 옆에는 이미 새로운 세대의 예술가들이 V. A. Serov, M. A. Vrubel, K. A. Korovin과 같은 다양한 창작 프로그램으로 공연하고 있습니다. 후기 부르주아 자본주의 발전의 모순은 사회의 영적 생활에 영향을 미칩니다. 예술가들의 마음 속에 현실 세계는 부르주아의 탐욕과 관심의 사소함이라는 낙인으로 표시됩니다. 조화와 아름다움은 명백한 평범한 현실의 경계를 넘어 예술적 환상의 영역에서 추구되기 시작했습니다. 이를 바탕으로 동화, 우화 및 신화 주제에 대한 관심이 부활하여 (V. M. Vasnetsov, M. V. Nesterov, M. A. Vrubel) 시청자의 상상력을 민속 아이디어 영역으로 전달할 수있는 예술적 형식을 찾게됩니다. 과거에 대한 기억이나 미래에 대한 막연한 예감. 현대성의 내용을 직접적인 반영의 형태보다 간접적으로 표현하는 이미지와 형태의 우세는 19세기 후반~20세기 초 예술의 특징 중 하나입니다. 예술적 언어의 복잡성은 19~20세기 초에 형성된 예술 그룹인 "예술의 세계" 대표자들의 작품을 특징짓습니다.

V. M. Vasnetsov. Alyonushka. 1881. 캔버스에 유채. 주립 Tretyakov 갤러리. 모스크바.

이 기간 동안 아르누보 스타일이 정의되었습니다. 회화와 함께 아르누보 스타일, 장식 및 응용 예술, 도서 그래픽, 조각, 연극 및 장식 예술이 지배하는 건축이 활발히 발전하고 있습니다. 예술적 창의성의 응용 분야가 엄청나게 확대되고 있지만, 더욱 중요한 것은 이 모든 분야의 상호 작용과 상호 영향입니다. 이러한 조건 하에서 그림과 장식 패널을 그리고, 책과 기념비적인 그림을 위한 삽화를 수행하고, 조각품을 조각하고, 연극 의상의 스케치를 만드는 등 "모든 것을 할" 수 있는 일종의 보편적인 예술가가 형성됩니다. 예를 들어 M. A. Vrubel과 러시아 F. O. Shekhtel의 아르누보 스타일의 주요 건축가 및 World of Art의 예술가의 작업에서 이러한 보편주의의 특징이 다양한 정도로 언급됩니다.

세기 전환기 러시아 회화의 진화에서 가장 중요한 이정표는 V. A. Serov의 작품으로 표시됩니다. 그의 작품은 새로운 문체 형식을 사용하여 형식주의적 극단을 피하고 고전적 명확성과 단순성을 달성하려는 열망으로 가득 차 있습니다. 현실적인 학교의 교훈, 인본주의에 대한 충성심을 유지하면서 냉정한 세계에 대한 비판적 견해가 인간의 높은 목적에 대한 아이디어와 결합됩니다.

A. K. 사브라소프. 루크가 도착했습니다. 1871. 캔버스에 유채. 주립 Tretyakov 갤러리. 모스크바.

20세기 초의 예술생활. 전례 없는 강렬함을 특징으로 합니다. 1905~1907년의 혁명적 사건들 사회적으로 활동적인 예술의 발전을 촉진했습니다. N. A. Kasatkin, S. V. Ivanov 등의 작품은 이 시대의 가장 중요한 사회적 사건, 즉 노동자가 혁명의 주력이라는 이미지를 구현했습니다. 많은 대가들이 풍자적인 정치 그래픽과 잡지 만화 분야에서 일하고 있습니다.

20세기 예술이 다루는 예술적 전통의 범위는 유난히 넓다. 삶을 계속하는 방황 운동과 함께 V. E. Borisov-Musatov의 작품과 Blue Rose 협회의 예술가로 대표되는 러시아 예술가 연합의 거장, 상징주의 사이에 인상주의 그림의 변형이 있습니다.

K. A. 코로빈. 겨울에. 1894. 캔버스에 유채. 주립 Tretyakov 갤러리. 모스크바.

최신 프랑스 회화의 경험을 고려하여 도시 공예 및 민속 예술, 장난감, 인기 판화, 간판, 어린이 그림 스타일로 전환하여 예술적 언어를 갱신하려는 열망은 "Jack" 예술가의 활동을 특징으로합니다. of Diamonds" - 1910년에 조직된 사회. 이 방향의 주인인 P. P. Konchalovsky, I. I. Mashkov, A. V. Lentulov의 작업에서 정물의 역할이 크게 증가합니다. 고대 러시아 회화의 전통은 K. S. Petrov-Vodkin의 예술에서 새로운 굴절을 얻습니다.

F. A. Vasiliev. 비가 오기 전에. 1869. 캔버스에 유채. 주립 Tretyakov 갤러리. 모스크바.

19~20세기에 들어서면서 상당한 상승을 이루었습니다. 조각품. P. P. Trubetskoy는 인상주의적인 기능을 도입합니다. 그의 초상화 구성은 삶의 순간을 포착한 선명함과 미묘한 색조의 풍부함으로 구별됩니다. 부드러운 소재를 사용하여 작업하면서 Trubetskoy는 잃어버린 소재 감각과 표현 특성에 대한 이해를 조각하기 위해 다시 돌아왔습니다. 1909년 Trubetskoy가 만든 알렉산더 3세 기념비는 기념물 역사상 그로테스크한 ​​이미지 솔루션의 독특한 예입니다. 기념비적 조각의 주목할만한 성과 중에는 N. A. Andreev (1909)가 만든 N. V. Gogol 기념비가 있습니다.

A. S. Golubkina의 1912년 조각 "Seated Man"에는 현대 프롤레타리아의 운명에 대한 아이디어를 종합한 이미지가 나타납니다. 이는 일시적으로 제한되어 있지만 반항적 정신으로 가득 찬 힘의 상징입니다. S. T. Konenkov의 창의성은 다양한 장르와 문체 형태로 두드러집니다. 혁명적 전투의 실제 인상은 "1905년 노동자-전투원 이반 추르킨(Ivan Churkin)" 초상화의 조각가에 의해 구현됩니다. 얼굴 특징뿐만 아니라 절제된 처리로 강조된 돌 블록의 견고함은 계급 전투의 불길 속에서 단련된 불굴의 의지의 이미지를 불러일으킵니다. A. T. Matveev의 작업에서 고전 조각의 전통이 부활하고 있습니다.

S.A. 코로빈. 세계로. 1893. 캔버스에 유채. 주립 Tretyakov 갤러리. 모스크바.

인류가 수세기에 걸쳐 발명한 거의 모든 이미지와 형태를 다시 생각하고 새로운 삶으로 부활시키려는 욕구와 동시에 모든 전통을 부정하는 지점에 도달한 형식적 실험은 다음과 같은 극단적인 표현입니다. 20세기 초 러시아 미술의 예술적 상황. 그러나 이러한 극단 자체는 혁명 직전 러시아 생활의 깊은 내부 갈등을 나타내는 지표였으며 A. Blok의 말에 따르면 "전례없는 변화"를 가져온 시대의 복잡성을 반영했습니다. , 전례없는 반란.” 이러한 조건 하에서 시간 현상에 대한 민감성이 배양되었으며, 이는 높은 장인 정신 문화와 함께 혁명 이전 시대 최고의 예술가들이 소련 예술에 가져온 것입니다 (참조.