Фотоискусство и художественная фотография. Вид фотографии

Первое закреплённое изображение было сделано в году французом Жозефом Нисефором Ньепсом (Nicéphore Niepce), но оно не сохранилось до наших дней. Поэтому первой в истории фотографией считается снимок «вид из окна», полученный Ньепсом в 1826 году с помощью на оловянной пластинке, покрытой тонким слоем асфальта. длилась восемь часов при ярком солнечном свете. Достоинством метода Ньепса было то, что изображение получалось рельефным (после протравливания асфальта), и его легко можно было размножить в любом числе экземпляров.

На изобретение фотографии художники отреагировали по-разному. Главным камнем преткновения в спорах о художественной природе фотографии и роли фотографа как художника, творца произведения искусства, стала необыкновенная точность в передаче деталей, точность, с которой не мог бы соперничать самый искусный живописец. Одни восторженно приветствовали светопись, другие, напротив, видели в фотоаппарате предмет, бесстрастно фиксирующий действительность без всякого приложения рук человеческих. Но на заре своего существования фотография не претендовала на то, чтобы быть произведением искусства, и до конца 1840-х годов нельзя говорить о намеренном фототворчестве.

3. Съёмка архитектурных сооружений

Это такой жанр фотографии, изображающих здания и их комплексы, мосты и т. п. Как правило, ставит целью получение документального снимка, создающее необходимое представление о внешнем виде снимаемого объекта или его деталей.При наибольшее значение имеет выбор точки съёмки по высоте, отдалённости и углу съёмки. Именно это определяет общую композицию кадра, перспективу, соотношение планов. В городских условиях, при отсутствии достаточного пространства, выбор а значительно облегчается применением широкоугольного или сверхширокоугольного объектива.

5. Съёмки спорта и движущихся объектов

Особенностью таких фотографий является быстрота движений. Важно показать динамику движений. Спорт фотографируют только с короткими выдержками - не более, чем 1/100 сек, а зачастую и 1/500 - 1/1000 с. Для такой съемки необходимы фотоаппараты, снабженные быстродействующими затворами и светосильными объективами.

6. Съёмка детей

Есть небольшое сходство в фотографировании детей и спорта. Это стремительность. Дети не сидят на месте, поэтому самым легким способом является съемка занятых чем-то детей (просмотр спектакля, слушание сказки, игра). В эти моменты дети не акцентируют свое внимание на непонятной интересной «штуке» возле вашего лица, они поглощены. Это просто кладезь интересных выражений! :)

7. Ну и наконец - репортажная съёмка

Это так называемый метод съемки события без вмешательства в его естественное течение. - это серия снимков, сделанных в ходе какого-либо события, когда фотограф ограничен временем и сценарием происходящего. Таким образом, репортаж ставит фотографа в некие временные и сценарные рамки. Репортажный метод съемки исключает режиссирование, хотя в некоторых ситуациях фотограф может немного провоцировать людей или ситуацию. Но это бывает нечасто - искусство репортажа состоит в том, чтобы, не режиссируя кадр, снять его экспромтом, по ходу действия, точно находя точку, план, момент.
На мой взгляд, идеальная фотография такого жанра та, которая смогла бы проиллюстрировать какую-либо тему в новостях в рубрике «no comments». Снимок должен все говорить сам за себя.

Фотохудожники

Людей, которые занимаются постановкой художественных фотографий называют фотохудожниками.
Он, в отличии от просто фотографа, уделяет особое внимание специальным средствамЛюдей, которые занимаются постановкой художественных фотографий называют фотохудожниками.
Он, в отличии от просто фотографа, уделяет особое внимание специальным средствам производства, применяет те или иные технические приемы (выбор освещения, приёмы композиции, эффекторная оптика, послесъемочная обработка и т.д.).

Итак - освещение

Фотографы знают, что если источник света находится сзади него, то кадр получается плоским. Идеальное , скажем, для пейзажей — свет сбоку (задне-боковой или передне-боковой).
Если затронуть время съёмок — то идеально, конечно, вечер и утро. В это время свет более мягкий и рассеянный. Когда солнце в зените цветовая температура заметно выше и в его спектре преобладают синие и голубые тона; в утреннем и вечернем свете, как уже было сказано выше - желтые и оранжевые, а в тенях - от голубого к синему.

Художественная фотография, что же это такое? Фотолюбители часто задают мне этот вопрос. Обычно прежде, чем ответить на него я делал глубокий вдох и выжидал небольшую паузу, чтобы собраться с мыслями. А затем начинал объяснять всё максимально подробно. Но со временем я пришёл к выводу, что лучший ответ – самый простой и короткий. И многим достаточно просто объяснить очевидные особенности художественной фотографии, чтобы дать представление об этой области искусства.

Главной отличительным признаком художественной фотографии от других областей фотоискусства заключается в том, что художественная фотография – это не просто фиксирование объекта и сцены на фотоплёнку или цифровой носитель. Использование фотокамеры для фиксации тех или иных объектов в тот или иной момент времени – это скорее фотожурналистика, а не художественная фотосъёмка.

Художественная фотография, прежде всего, это выражение того, как фотохудожник видит окружающий мир. В художественной фотографии важно не то что видит и фиксирует фотокамера, а то, что видит и хочет показать фотохудожник. Для фотографа, занимающегося художественной фотографией, камера – это инструмент для создания произведения искусства. В этом случае фотоаппарат выступает средством раскрытия художественного замысла фотографа, а не инструментом документирования того, что попало в прицел объектива

К примеру, известные пустынные пейзажи на полотнах Джорджии О’Киф – ничто иное, как выражение её видения окрестностей Нью-Мексико. То есть если мы разместим с десяток фотографов с камерами рядом с мольбертом О’Киф, получим ли мы одиннадцать художественных пейзажей одной и той же местности? Вряд ли. Скорее всего, в результате мы будем иметь одно художественное полотно и десяток фотоснимков, которые бы, несомненно, запечатлели снимаемую сцену, но не передавали бы художественный замысел их творца.

Восход солнца зимой в Сьерра-Неваде или Вид на Сьерра-Неваду из Лон-Пайна. Калифорния, Ансель Адамс,1944

Другими словами, художественная фотография должна содержать элементы управления вниманием зрителя, акценты, которые художники вкладывают в свои произведения для того, чтобы раскрыть замысел, который они хотели бы передать своим произведением.

Пожалуй, никто лучше Анселя Адамса не выразил эту мысль:

«Искусство подразумевает контроль над реальностью, ибо сама реальность не обладает чувством эстетики. Фотография становится искусством, когда в ней применяются определенные элементы контроля».

Таким образом, художественная фотография должна выходить за рамки буквального представления снимаемой сцены или предмета. Она должна выражать чувства и восприятие фотографа так чётко, чтобы с первого взгляда было видно, что этот снимок был создан художником, а не просто фотокамерой. Каждый элемент в кадре, каждый приём при обработке фотографии и даже способ и формат печати – всё должно выражать индивидуальность мировосприятия фотохудожника.

Ансель Адамс. Парк Гранд-Титон и Снейк-Ривер (1942). Парк Гранд-Титон национальный парк, штат Вайоминг.

А что вы думаете о художественной фотографии? Поделитесь своими мыслями в комментариях ниже.

Фотография - настощее искусство. Тонкостей в нем не меньше, чем в живописи или музыке. Подготавливая к публикации ряд статей, посвященных фотографии, я не мог не сказать о композиции.

Фотография - настощее искусство. Тонкостей в нем не меньше, чем в живописи или музыке. Подготавливая к публикации ряд статей, посвященных фотографии, я не мог не сказать о композиции. Чувство композиции сродни музыкальному слуху - он либо есть, либо его придется развивать, компенсируя недостаток трудолюбием и опытом. Одни фотографы утверждают, что научиться "эстетическому восприятию" невозможно, другие апеллируют к теории построения композиции. Но, как говорится, на "профи" надейся, а сам не плошай. Прежде всего, вам придется много думать и критически относиться к себе. Только так вы сможете добиться хорошего результата. В отличие от живописи, где для создания картины нужен талант, в нынешней фотографии каждый может почувствовать себя творцом, нажимая на единственную кнопку. Профессиональный фотограф отличается от новичка не только качеством камеры. Творить чудеса можно и с "мыльницей", и, если вы прислушаетесь к моим словам, возможно, вы сделаете небольшой шажок к профессионализму.

Название первой части статьи говорит о многом. Правил построения композиции не существует, их в принципе не может быть. В противном случае искусства бы не существовало. Отношение зрителя к фотографии всегда субъективно. Автор должен ориентироваться исключительно на свое собственное восприятие. Настоящее творчество подразумевает отсутствие границ, но на первых порах попробуйте довольствоваться нижеприведенными рекомендациями.

Выбор сюжета

Интересным и необычным сюжетом автор вправе гордиться. Охота за такими сюжетами занимает много времени и порой превращается в манию. Если вы один из тех, кто всегда держит камеру под рукой, беспокоиться не о чем. Главное - всегда смотреть по сторонам и видеть красоту в самых обыденных сценах.

Фото 1. Необычный сюжет позволяет пренебречь композицией. Во-первых, по-другому запечатлеть подобную сцену невозможно. Во-вторых, зритель заинтересован сюжетом, который сам по себе привлекает внимание.

Небывалый простор в выборе сюжета открывает макросъемка. Капля воды, насекомое или цветок восхищает зрителя, не привыкшего детально рассматривать мелкие предметы.

Статические сюжеты дают фотографу массу времени, чтобы оценить обстановку, подготовить камеру и выбрать подходящую точку съемки. Для изучения композиции стоит потренироваться именно на неподвижных объектах.

Динамические сюжеты вызывают куда больший интерес фотографов. Решающее значение при съемке играет выдержка. Длинные выдержки дают размытые снимки, подчеркивая скорость. Короткие выдержки позволяют получить четкие фотографии, выражающие силу, ловкость и грацию движущейся модели. При съемке динамических сюжетов необходимо быстро соображать - прекрасная сцена может больше никогда не повториться. Если полагаете, что подобная съемка производится навскидку, то вы сильно заблуждаетесь. Процесс выбора точки съемки еще более трудоемкий, нежели в случае со статическим сюжетом.

Выбор точки съемки

Выбрав сюжет, не поленитесь прикинуть, откуда выгоднее его снимать. Обойдите модель вокруг, отмечая особенности фона. Так вы избавитесь от "плохих" предметов, которые по-другому скрыть невозможно. Яркий пример - невзрачные фонарные столбы и линии электропередач, испортившие за историю фотографии не один кадр.

В большинстве случаев, съемка с близкого расстояния позволяет ярче передать основной объект, подчеркнуть его детали. Такая съемка дает эффект присутствия. Если приблизиться к модели невозможно, выручит оптический зум, но при больших увеличениях автоматика не всегда удачно фокусирует камеру на объекте. К тому же при использовании зума усиливается дрожание изображения. Штатив избавит вас от подобных проблем, благо стоит он гораздо меньше самого фотоаппарата. А вот цифровой зум, коим оснащено большинство камер, следует воспринимать исключительно как рекламный ход производителей фототехники. У него, конечно, есть свои достоинства, но - из-за реализации - чисто теоретические. Оптическое увеличение на недорогих объективах заметно усиливает аберрации. Цифровое увеличение, основанное на интерполяции, могло бы приблизить объект съемки без оптических искажений, если бы не одно "но". Цифровой зум всегда включается на максимальном значении оптического, и какие аберрации дало телеположение объектива, такие они и будут. Если бы камера имела не 10х оптических, а 40х, эти аберрации были бы на 40х просто ужасными, гораздо хуже, чем 10х оптики и 4х "цифры". Но выбора-то у фотографа нет. Потому на практике цифровой зум практически бесполезен.

Фото 2. Съемка с близкого расстояния позволила передать выразительность кошачьих глаз. Ненужные детали отброшены - взгляд зрителя не находит ничего, что было бы важнее глаз.

Съемка с далекого расстояния подчеркивает глубину пространства. Но следует помнить, что в кадр попадают второстепенные объекты, которые отвлекают внимание и перегружают композицию. В основном такой тип подходит для съемки пейзажей, в том числе урбанистических. Панорамная съемка, сделанная с большого расстояния, выглядит естественно, да и "склеивать" снимки становится гораздо легче.

Большая часть фотографий делается на уровне глаз. Именно с такой высоты мы смотрим на мир, следовательно, снимки будут выглядеть привычнее для зрителя. Высокая точка съемки дает возможность охватить большее пространство, передавая простор. Низкая точка, напротив, позволяет подчеркнуть динамичность и глубину сюжета. При низкой съемке нужно быть особенно осторожным - многие формы при таком ракурсе искажаются. Лицо и фигура человека может сильно измениться, причем далеко не в лучшую сторону.

Особенности зрительного восприятия

Человеческий глаз - точный и сложный инструмент. Чтобы сделать красивый, естественный снимок, необходимо иметь представление, как именно глаз зрителя будет впоследствии его анализировать. Несмотря на достаточно большой угол зрения, рассматривая окружающий мир, мы скользим по нему взглядом, постепенно изучая детали. В первую очередь глаз анализирует линии контура, а затем более подробно изучает наиболее изогнутые их части. С этим эффектом связано понятие фотогеничности человека. Люди с резкими чертами лица выглядят на снимках особенно эффектно, так как взгляд цепляется за каждый изгиб контура. Мягкие черты лица заставляют взгляд соскальзывать с линий, отчего интерес к модели сразу пропадает.

Размеры фотографии гораздо меньше оригинала, поэтому стандартные сцены на них непривычны для восприятия. Взгляд зрителя, направленный в одну точку, в состоянии охватить фотографию целиком - и это неестественно. Чтобы придать композиции масштабность, нужно управлять взглядом зрителя.

Мы привыкли читать слева направо и сверху вниз, а гравитация подчеркивает, что движение вниз - естественно. Это сильно отражается на восприятии. Если на снимке присутствуют одинаковые или похожие предметы, то доминировать будет тот, который расположен слева. Предмет, расположенный в верхней части снимка, кажется тяжелее того, что находится ниже. Вертикальная линия кажется длиннее, чем точно такая же горизонтальная.

Психология линий

"Фотография" по-гречески означает "светопись". Это отражает технические особенности процесса. С точки зрения композиции основа фотографии - линии. Они, вместе с тональностью, передают эмоциональность и динамику сюжета, заставляют зрителя думать и чувствовать.

Линии силы - это контуры объектов, расположенных на снимке. На черно-белых снимках они выражены сильнее, так как наш взгляд не отвлекается на большое количество цветов. Такой эффект часто используется в художественной фотографии. Неспроста профессионалы любят делать именно черно-белые снимки.

С помощью линий опытный фотограф способен управлять взглядом зрителя, направляя его на важные детали снимка.

Фото 3. Композиция этого снимка очень необычна. На нем присутствуют четыре ярко выраженные области: пляж, вода, небо и часть города. Пляж отделен от воды резкой линией берега. Вода от неба - мягкой линией горизонта. Эти стихии существуют на снимке независимо. Постройки и деревья объединяют их, становясь основой композиции.

Каждый тип линий вносит свою эмоциональную окраску. Чаще всего это проявляется на подсознательном уровне, но вы убедитесь, что влияние линий достаточно велико. Прямая линия выражает активность и быстроту, но если она расположена горизонтально, то создает впечатление покоя и умиротворенности. Очевидным примером является линия горизонта - трудно придумать что-то более статичное. Слегка изогнутые линии передают вялость, расслабленность. Так выглядят берега большинства водоемов. Сильно изогнутая линия заставляет взгляд остановиться и придает композиции эффект замедления. Спираль выражает напряженность и жизненную силу. "Скрученное" тело модели выглядит гораздо эффектнее как раз за счет спиралеобразных линий. Волнистые линии задают ритм снимка. Если они параллельны, эффект усиливается, добавляя композиции неустойчивость и текучесть. Попробуйте проанализировать свои снимки, чтобы убедиться в справедливости моих слов.

Фото 4. Линии силы позволяют управлять взглядом зрителя. Продуманное их использование помогает передать объем на плоской фотографии. Параллельные линии, сходящиеся вдали, прекрасно подчеркивают перспективу. Дорога на снимке уводит зрителя в глубину кадра, придавая композиции ощущение бесконечности.

Фото 5. При неумелом использовании линии могут оказать медвежью услугу, отвлекая зрителя от объекта съемки. Главной целью фотографа являлся Московский Кремль, но линии берегов настойчиво уводят взгляд вправо.

Фото 6. В жизни чаще всего встречаются горизонтальные линии, о чем фотографу забывать не следует. Линия берега делит снимок на две схожие по размеру части. Каждая из них воспринимается независимо - композиция разрушена.

Использование диагоналей позволяет сделать снимок необычным и привлекательным. У фотографии, как и у любого прямоугольника, их две: восходящая и нисходящая.

Восходящая диагональ (ее также называют мажорной) идет от левого нижнего угла к правому верхнему. Основанная на ней композиция вызывает положительные эмоции. Движение вверх по восходящей диагонали получается очень легким и быстрым.

В случае с нисходящей (или минорной) диагональю все наоборот. Движение вверх по ней выражает напряженность, а движение вниз - легкость.

Фото 7. В композиции доминирует минорная диагональ. Сам сюжет довольно невзрачен, но вызывает у зрителя устойчивые ассоциации. Во мне этот снимок будит чувство одиночества, ощущение утраты.

Создается впечатление, что близкий человек ушел навсегда, по дорожке, уводящей за границу кадра.

Равновесие в композиции

Фотография - как весы. Если объект съемки расположен по центру снимка, композиция будет уравновешенной, но это слишком стандартный подход. Мы пойдем другим путем. Уравновесить композицию можно несколькими способами.

Если вы фотографируете динамичную сцену, используйте прием развивающегося движения. Для этого необходимо оставить свободное пространство перед движущимся объектом. Чем больше скорость, тем большее пространство требуется.

Фото 8. Снимок получился недостаточно динамичным, поэтому перед машиной оставлено не очень большое пространство. Разделительные полосы на дороге прямые, параллельные и уходят за пределы кадра. Воображение достраивает их, помогая уравновесить композицию.

В портретной съемке для достижения равновесия часто используют направление взгляда модели. Спокойный, равнодушный взгляд требует мало места, экспрессивный - значительно больше.

Фото 9. Тело модели расположено в левой части снимка, но ее взгляд делает композицию уравновешенной.

Отдельный разговор - постановочная фотография. Здесь есть время поэкспериментировать, добавляя в кадр различные предметы. В фотографии вес заменяется объемом или ассоциациями, которые вызывают некоторые визуальные формы. Велосипед или мяч, находящийся в кадре, заставляют зрителя вспомнить о детстве, с теплотой воспринимать композицию снимка. Подобных ассоциаций может быть бесконечно много. Продумайте, какие предметы напомнят зрителю о родителях, первой любви, радостных и счастливых моментах жизни. С их помощью вы сможете не только уравновесить композицию, но и передать различные эмоции.

"Золотое сечение" (правило третей)

Математики всегда утверждают, что их предмет - основа мироздания. Большинство скептически относится к подобным утверждениям, но, как ни странно, математики во многом правы. Издавна художники и фотографы пользуются правилом третей, порой даже неосознанно. Если провести на фотографии горизонтально и вертикально по две линии, каждая из которых отделяет треть снимка, получатся четыре линии "золотого сечения" и четыре точки их пересечения. Зона, расположенная между этими линиями, воспринимается как самая спокойная, а взгляд в первую очередь фиксирует предметы, расположенные на самих линиях и на точках пересечения.

Еще в древней Греции ученые заметили, что взгляд человека, рассматривающего изображение, описывает траекторию, похожую на латинскую букву "Z". Взгляд, анализирующий фотографию, как раз проходит через точки пересечения. Метод "золотого сечения" полезен, но это не единственный способ расположения предметов в композиции.

Геометрическое позиционирование

Как и "золотое сечение", это правило имеет исключительно рекомендательный характер. Давно замечено, что треугольник, присутствующий в композиции, усиливает впечатление, производимое фотографией. Поставив его на одну из вершин, можно придать композиции неустойчивость. Напротив, треугольник, стоящий на основании, создает ощущение незыблемости.

Фото 10. Тело модели образует треугольник, опирающийся основанием на поверхность стола. Необычный ракурс и экспрессивное выражение лица подчеркивает непоколебимость, как физическую, так и психологическую.

Круг или овал добавляют композиции динамичности. Прямоугольник или квадрат, наоборот, делают ее абсолютно статичной. Поэкспериментируйте с геометрическими формами, результат может быть довольно интересным.

Отсекаем лишнее

Выбрав объект съемки, не забывайте, что нас окружает масса предметов, часть которых неизбежно попадет в кадр. Передний план чаще всего отсутствует на снимках начинающих фотографов. Они фиксируют свое внимание непосредственно на модели. Тем не менее незначительные элементы переднего плана помогают передать глубину пространства.

Фото 11. Перила моста, попавшие в кадр, оказались совсем не лишними. Они подчеркивают глубину пространства. К тому же перила, выходящие за границы кадра, уравновешивают композицию.

Снимок получается достаточно интересным, если объект съемки заключен в некую рамку, образуемую передним планом. Подобными рамками могут служить окна, арки, деревья.

Фото 12. В приведенном примере рамкой являются качели, подчеркивающие "трехмерность" сцены. Прямые цепи качелей, стремящиеся сойтись в перспективе, направляют взгляд к девочке.

Порой неудачные снимки получаются из-за того, что у нас два глаза, а у фотоаппарата - один. Наше "трехмерное" зрение легко отделяет модель от фона, тогда как на плоской фотографии они сливаются. Самый распространенный пример - это предметы, "растущие из головы модели". Скульпторы говорят, что их задача - взять камень и отсечь все лишнее. А чем фотографы хуже? На снимке тоже не должно быть посторонних предметов. Съемка крупным планом поможет избавиться от них. Если подобный метод недопустим, попытайтесь спрятать лишнее за объектом съемки или, используя мягкий фокус, размойте мешающие предметы, акцентируя внимание на нужных деталях снимка. В этом случае приоритет имеет диафрагма. На камерах без ручных режимов есть некое подобие - режим "портрет", тот же самый приоритет диафрагмы при единственном максимально открытом ее значении. К сожалению, у незеркалок увидеть этот эффект во время съемки практически невозможно - из-за малого количества пикселов на дисплее или у EVF (есть камеры, которые умеют делать "цифровой зум видоискателя", обычно в режиме ручной наводки резкости, - чуть-чуть помогает), а также из-за того, что на дисплее не всегда показывается картинка, снимаемая с реальными значениями выдержки/диафрагмы. При съемке со вспышкой на незеркалках вы практически всегда видите на дисплее или в видоискателе не то, что получится в результате, поскольку, чтобы обеспечить видимость при недостатке освещенности, камера открывает диафрагму полностью, а при съемке закрывает до нужного значения.

По возможности обойдите модель вокруг и постарайтесь выбрать более удачный фон. Если вы снимаете на открытом воздухе, то можете воспользоваться самым красивым и доступным фоном - небом, которое добавит снимку колорит. Камеру следует расположить низко и внимательно следить, чтобы такой ракурс не искажал фигуру модели.

Фото 13. Яркий фон, заполняющий большую часть снимка, отвлекает внимание от главного объекта. Гораздо разумнее было бы воспользоваться макросъемкой, установив камеру ближе к земле.

Фото 14. В качестве фона выступает "безголовый" человек и непонятные металлические конструкции. Композиция перегружена формами, не несущими никакого смысла.

Фото 15. На снимке та же птичка, но автор воспользовался оптическим увеличением и мягким фокусом, тем самым избавившись от лишних деталей. Правая часть фона размыта, а в левой человек уже практически не угадывается. Теперь, когда наше внимание приковано к птице, мы легко различаем все детали фотографии. Здесь, в отличие от предыдущего снимка, отчетливо видно, что птица окольцована.

И напоследок я скажу…

Советов по выбору композиции можно давать бесконечно много. Я ограничился малым, так сказать, основами. При подготовке материала я сделал небольшой эксперимент. Около пяти гигабайт фотографий, сделанных еще во времена бесшабашной молодости, подверглись моей жесткой критике и "условному удалению". В результате осталось 386 мегабайт снимков, имеющих хоть какую-то художественную ценность. Итак, мой фотографический КПД составил около 8%. Именно по этой причине все снимки, приведенные в качестве примеров, сделаны непрофессионалами. Вы узнали основы построения композиции. Попробуйте теперь посмотреть на свои старые фотографии по-другому и вычислить свой КПД.

Я планирую продолжить подготовку статей, посвященных искусству фотографии. Ваши пожелания и критику можете прислать на [email protected].

Фотография фотографии рознь.

Снимки часто делаются только для того, чтобы остановить какие-то мгновения, сохранить память о событиях или местах, где человек побывал - мы называем этот жанр "Я и пальма". Но иногда хочется снять нечто такое, что будет пробуждать эмоции независимо от воспоминаний, хочется сделать снимок, который будет висеть на стене так, как будто он открывает окно в какой-то другой мир, - туда, где мы еще не были и вряд ли уже будем. Окно в мир искусства.

Да-да, это будет именно искусство, которое вы создали сами - не Микеланджело, не Сарьян и не Малевич - именно вы. А почему нет? Это доступно каждому. Надо только захотеть.

Именно тем, кто стремится делать такую фотографию, и пригодится наша Азбука. Для фотосессий класса "Я и пальма" все эти знания абсолютно не нужны - современные цифровые камеры настолько просты в обращении и настолько сложны внутри, что позволяют снимать "хроники жизни" без малейших усилий, без духовной перегрузки - и с великолепными результатами, которыми можно под завязку набить толстенький альбомчик 10х15.

Как определить - искусство или нет?

Если при взгляде на чужую фотографию вам жаль, что не вы ее сделали - это искусство. Шутка. Но только почти.

Положим, свои шедевры мы всегда знаем - только не нужно пытаться убеждать себя в обратном. Некоторые фотографы так упорно стараются добиться абсолютного совершенства, что простыми рядовыми удачами пренебрегают. И тем самым обедняют и себя, и нас. Другие же, напротив, каждый свой снимок видят только в розовом фильтре и лишают себя роскоши критической оценки.

Если вам удастся избегнуть таких крайностей (а крайности всегда крайне вредны), то останется только прислушаться к внутреннему голосу. Своему. Он вас никогда не обманет. Ведь главное - чтобы снимок нравился вам самому. Создателю.

И если вам снимок нравится - это искусство. А настоящее искусство достойно выхода в массы - в печать и в свет.

Печать как заветный результат

Ваш замечательный снимок станет настоящим шедевром лишь после того, как Вы его представите на суд зрителя. Хотя, уже на пороге времена, когда в галереях или на стенах квартир будут висеть плазменные панели для демонстрации картин (настольные электронные рамки уже вовсю продаются в магазинах), но самым простым способом овеществления шедевра все-таки остается печать.

После появления более-менее дешевых струйных принтеров стало возможно печатать фотографии прямо на дому, а главное - стало возможно управлять качеством и процессом печати.

Управлять процессом - это очень важно. Наверное, каждый владелец камеры хотя бы раз оказывался в такой ситуации: приходите вы в лабораторию получать фотографии, а они...

• слишком красные...
• слишком синие...
• слишком мутные!
• ...да это вообще не ваши фотографии!!!

Поэтому печатать снимки дома - надежнее. Придется потратиться на бумагу (которая чем лучше - тем дороже!) и на чернила (которые бывают оригинальные - т.е. от производителя вашего принтера, а бывают дешевле - т.е. не от производителя вашего принтера).

Сделать качественный отпечаток дома не так уж просто. Прежде всего, принтер и монитор нужно откалибровать, для чего придется воспользоваться специальным оборудованием. Понадобятся также навыки в управлении цветом (color management), изменении контраста, цвета, насыщенности и многих других характеристик изображения. Обо всем этом можно прочитать в нашей Азбуке.

Впрочем, можно и не заниматься всем этим самому - достаточно найти профессионалов, которые за разумные деньги сделают все за вас. В последнее время таких сервисов появляется все больше и больше. Здесь важно не ошибиться в выборе. И для этого вам опять-таки полезно будет дочитать до конца нашу Азбуку - ведь если даже вы будете обрабатывать и печатать свои шедевры не сами, то знакомство с этими технологиями позволит вам осознанно выбрать наиболее профессионального исполнителя ваших заказов.

Во время зарождения фотографии в эстетике господствовало мнение о том, что искусством может быть лишь рукотворное произведение. Изображение же действительности, полученное с помощью технических, физико-химических методов, не могло даже претендовать на подобный статус. И хотя уже первые фотографы, тяготевшие к художественности изображения, проявляли немалую композициональную изобретательность для отображения реальности (порой изменяя её до неузнаваемости), в систему общественных ценностей и приоритетов в роли одной из муз фотография долго не вписывалась. Впрочем, все современные виды «технических искусств» – фотография, кино, телевидение – пережили подобную эволюцию: в начале своего существования были своего рода забавными аттракционами, затем техническими средствами передачи информации и лишь в процессе создания нового художественного языка в рамках этих информативно-коммуникационных систем произошёл переход к коммуникативно-художественным функциям. Это не означает, однако, что проблема взаимоотношения фотографии и искусства не обсуждалась. Французский фивописец Деларош (1797– 1856), подчёркивая возможности, открываемые фотографией, писал: «Живопись умерла с этого дня». В противовес этому один немецкий журнал утверждал противоположное: «...Открытие фотографии имеет высокое значение для науки и весьма ограниченное для художества». В 1913 г. рижский журнал по практической и художественной фотографии «Лучи» («Stari») опубликовал специальную статью «Фотография и искусство», обсуждавшую вопрос о том, является ли фотография искусством или же только практическим, прикладным умением, в котором основную роль играет владение техникой. Автор этой статьи пришёл к выводу, что вопрос о том, является ли фотография искусством, будет иметь силу до тех пор, пока будет существовать фотография. Вопрос о технической стороне не нов для искусства, только в фотографии он проявился с исторически новой стороны. Владение фототехникой, овладение мастерством здесь выглядят более лёгкой задачей, чем, например, овладение техникой игры на музыкальном инструменте. Эта лёгкость и вводит в заблуждение критиков фотографии как искусства. Художник Деларош увидел в новом явлении его художественные особенности и его мощный художественный потенциал.

В первые годы после своего возникновения (период дагерротипии) фотография была отнесена общественным мнением и специалистами из разных областей культуры к числу забавных безделушек. Фотография этого периода не обладала ещё ни документальностью, ни информативностью, ни свободой световых решений и находок, т. е. ни одной из тех особенностей, которые сегодня теория рассматривает как определяющие для фотографии. Развитие фотографии во многом определяли общественные потребности. Возникновение газетной индустрии направило фотографию в русло репортажности. В то время, когда на основе фотографии появились первые «движущиеся картинки» (кино), сам фотоснимок представлял собой скромное документальное свидетельство, уступая в выразительности и изысканности живописи и графике. Вокруг фотографии постоянно возникали теоретические споры: можно ли сравнивать фотографию с живописью в плане художественной ценности? Не является ли фотография вырождающейся живописью, для которой техника заменяет мастерство художника? И наоборот, не является ли фотография современной разновидностью живописи, перенимающей и углубляющей её функции, модификацией живописи в технической цивилизации, изменяющей культурную и эстетическую значимость традиционной живописи? Но это – не более, чем противопоставление двух явлений художественной жизни, двух видов искусства, явно тяготеющих друг к другу и взаимодействующих между собой. Фотография освободила живопись от утилитарной функции – изобразительной фиксации факта, что ещё в эпоху Возрождения было одной из важнейших задач живописи. Можно сказать, что этим фотография помогла развитию живописи, способствовала полному выявлению её неповторимой специфики. Но и фотография многое вобрала в себя из многовекового опыта развития изобразительного искусства. Само видение мира «в кадре» есть наследие живописи. Рамка картины есть первая раскадровка действительности в истории культуры. Ракурс и построение перспективы, умение зрителя «прочесть» фотографию как плоскостное изображение объемного пространства – всё это составляет великое культурное наследие, доставшееся фотографии от живописи. Влияние живописи на фотографию огромно. При этом задача фотографии двузначна, двупланова: с одной стороны, как можно более полно отделиться от живописи и определить свои собственные границы и возможности, свою специфику, с другой – наиболее полно освоить на собственной основе художественный опыт живописи.

Одна из центральных проблем идентификации любого вида искусства – проблема его языка. Анализируя историю изобразительного языка фотографии, выделяют несколько периодов его развития. Вначале из-за неизбежной в прошлом длительности экспозиции фотографы предпочитали снимать монументальное, недвижимое (горы, дома). Для портретов же моделям приходилось надолго застывать. Портретируемые на фотографиях той поры напряжены, сосредоточены. Этот первый период начался в 1839 г. и продолжался как основной немногим более десятилетия. Второй период связан с появлением новой фототехнологии, позволившей уменьшить выдержку с десятков минут до секунд и одновременно расширившей возможности отражения всё более широкого круга объектов действительности. Фотографы стремились сделать объектом съёмки весь окружающий мир. Путешественники-фотографы объезжали многие страны, начали осваивать не только пространства, но и глубины общественной жизни, представлять на суд зрителей проницательные психологические портреты своих современников из различных социальных слоёв в обобщённых образах. Естественность и бесхитростность фотографии создавали свежесть восприятия, очаровывали своей простотой.

В конце XIX – начале XX в. в фотографии развивается метод, связанный с преднамеренным вторжением руки в создание произведения – пикториализм. Он неотъемлем от технического новшества – сухой технологии. Недостаток данной технологии (отсутствие богатства тональностей) компенсировался нанесением краски при печати. При создании произведения фотограф и художник чаще всего соединялись в одном лице. Фотоматериал рассматривался как «подстрочник» для перевода, требующий художественной обработки. Ручная интонация стушёвывала непосредственность фотоизображения. Попытку преодоления противоречий пикториализма предприняли художники, которые дисгармонии и репрезентации противопоставляли богатство тональностей, внутреннюю музыкальность, что органично присуще самой реальности, а не навязано ей искусственно. Во взаимоотношения форм вносилось глубокое человеческое чувство без какого-либо монтажа.

Фотография не бесстрастное зеркало мира, художник в фотоискусстве способен выразить своё личное отношение к запечатляемому на снимке явлению через ракурс съёмки, распределение света, светотени, передачу своеобразия природы, умение правильно выбрать момент съёмки и т. д. Фотохудожник не менее активен по отношению к эстетически осваиваемому объекту, чем художник в любом другом виде искусства. Техника фотосъёмки облегчает и упрощает отображение действительности. В этом плане удовлетворительное достоверное изображение можно получить с минимальной затратой времени на освоение процесса съёмки. Подобного нельзя сказать о живописи.

Технические средства фотографии свели до минимума затраты человеческих усилий для получения достоверного изображения: каждый желающий может фиксировать избранный им объект. Технологическая сторона съёмки находится в ведении фототехники. Здесь существуют свои традиции и специфические параметры мастерства. Однако при этом назначение техники другое: не обеспечение полного эффекта «подражания», а наоборот, вторжение, целенаправленная деформация отображения с целью выделения характера и значимости человеческого отношения к отображаемому.

Рассуждения о художественной природе фотографии возможны в основном в плане поиска и утверждения принципиального сходства с традиционными видами искусства (фотография – синтетическое новшество художественной культуры XX в.) и в плане признания коренных особенностей фотографии, её кардинального отличия от традиционных видов искусства (фотография – специфическое новшество культуры XX в.). Каждый из этих аспектов изучения имеет свою внутреннюю логику и только их гармоничное сочетание, а не абсолютизация одного за счёт игнорирования другого позволяет более-менее объективно определить художественные возможности и природу фотографии. О художественности произведения говорит переживание красоты, гармонии, чувство наслаждения, эффект личностно-воспитательного воздействия (последний, правда, достаточно трудно вычленить и зафиксировать сиюминутно и конкретно). Специфику фотографии как вида искусства составляет документальность, достоверность изображения, возможность увековечить мгновение. Нацелив внимание на фотопроизведение, можно выделить ряд значимых характеристик, раскрывающих особенности фотографии. Каждую из выявленных черт фотографии можно сопроводить подробным комментарием. Задача определения сущности фотографии как вида искусства заключается, во-первых, в выявлении того, насколько возможно абстрагироваться от природы материала и непосредственного «лобового» восприятия ради создания художественного образа и, во-вторых, какую социальную и культурную функцию выполняет та или иная художественная форма, сочетающаяся с определённым материалом, т. е. насколько чисто и адекватно художественная работа фиксируется самосознанием художника, а также общественным мнением и теоретическими формами осмысления художественной жизни. Специфика художественного образа в фотоискусстве состоит в том, что это изобразительный образ документального значения. Фотография даёт образ, сочетающий в себе художественную выразительность с достоверностью и в застывшем изображении воплощающий существенный момент действительности. Знаменитые фотографии, на которых запечатлены комбат, поднимающий солдат в атаку, встреча героев обороны Брестской крепости, сочетают в себе художественную силу и значение исторического документа.

Фотообраз, как правило, – изоочерк. Жизненные факты в фотографии почти без дополнительной обработки и изменений перенесены из сферы деятельности в сферу художественную. Однако фотография способна взять жизненный материал и как бы переломить действительность, заставив нас по-новому видеть и воспринимать её. Отмеченная закономерность действует на стыке информативно-коммуникативного и коммуникативно-художественного её значения: голый факт можно отнести к сфере информативной, но его художественная интерпретация уже будет явлением другого порядка. И именно эстетическое отношение фотографа к снимаемому факту определяет конечный результат и эффект снимка.

Рассматривая фотографию с художественной стороны, необходимо остановиться на её документалистской природе. Фотография включает в себя и художественный портрет современника, и сиюминутные пресс-фото (документ), и фоторепортажи. Разумеется, нельзя от каждого служебного информационного снимка требовать высокого искусства, но и нельзя в каждом высокохудожественном произведении видеть только видеоинформацию и фотодокумент. Документализм, подлинность, реальность – это главное в фотографии. В этом коренном её свойстве кроется причина глобального влияния фотографии на современную культуру. Другие качества фотографии, её особенности, их значение для культуры в целом выкристаллизовываются при сравнении фотографии и отдельных видов искусства. Документализм – качество, впервые проникшее в художественную культуру с появлением фотографии. Будучи использованным в разных видах искусства, это качество, каждый раз преломляясь сквозь их специфику, образовывало некоторое новое своё производное. Из других видов искусства эти обогащающие документальность производные возвращались в фотографию, расширяя и обогащая не только фонд художественной культуры, но и возможности эстетической практики фотографии как вида искусства. Нехудожественная фотография, т. е. документальная по используемым приёмам и журналистская по функциональному назначению, помимо информационной нагрузки несёт ещё и эстетическую. Фотожурналистика, как известно, прямо аппелирует к документальности, от рождения присущей фотографии и всем её разновидностям. Однако это свойство используется по-разному, в зависимости от задачи. В тех случаях, когда речь идёт о фотохронике – добросовестной, исчерпывающей, протокольно точной информации о событии – индивидуальность автора снимка себя не обнаруживает. Она целиком подчинена фиксации факта, предельной достоверности его отображения. Другое дело в фотопублицистике. Здесь фотограф тоже имеет дело с фактами действительности, однако их подача осуществляется принципиально в авторском видении, они окрашиваются личной оценкой автора. Документальность и художественность в сфере фотоискусства сливаются, перекрывают друг друга. В целом же современная фотография существует в единстве всех её сторон – идейной и художественной, смысловой и выразительной, социальной и эстетической.

Отдельные аспекты фотографии как вида искусства проявляются в выборе цвета, художественного стиля, жанра, изобразительного языка, специфических приёмов обработки фотоматериалов, личностного отношения фотографа к создаваемому произведению и т. д. Цвет – один из важнейших компонентов современного фотоискусства. Он возник в фотографии под влиянием желания приблизить фотоизображение к реальным формам предметов. Цвет делает фотообраз внешне более достоверным. Этот фактор сначала вызвал потребность в раскраске кадров, а позднее дал толчок развитию цветной фотографии. Существенно здесь и влияние традиций живописи, в которой исторически нарастало смыслообразующее использование цвета. В своих высших достижениях художественная фотография не раз отвергала тезис о статичности своих изображений. И цвет в этом отрицании неподвижности играет не последнюю роль. На опыте цветных снимков можно сформулировать правила использования цвета в фотографии. Первое из них – снимать в цвете лишь тогда, когда это имеет принципиальное значение, когда без цвета невозможно передать то, что замыслено. Второе правило: символика цвета, света, игры тонов и оттенков, накопленная и аккумулированная предшествующей культурной тенденцией, опытом старших видов искусства – живописи, театра и более поздних смежных технических – кино и телевидения, может эффективно использоваться в фотографии. Третье правило: использование контраста цветового для создания контраста смыслового. Фотография ещё не совсем освоила цвет. Ей предстоит полнее вобрать всю цветовую палитру мира. Цвет должен быть освоен фотографией эстетически и стать средством не только изображения, но и концептуального осмысления реальности.

Художественный стиль – особая проблема в теории и практике фотографии. Она не решается в рамках вопроса о жанрах. В эмпирическом аспекте стиль – это и пастельные, акварельные кадры, и графически строгие фотоработы, и обобщённо «масляные» изображения вплоть до полной имитации фотосредствами живописи на холсте. Теоретически проблема стиля в эстетике разработана явно недостаточно, и всё же можно обозначить её применительно к фотографии. В фотографии очень наглядно и присутствие, и отсутствие художественного стиля. Натуралистически и документально отснятый кадр будет скрупулёзно демонстрировать все мелочи и детали, вошедшие в пространство объектива. Но это будет неорганизованный хаос видения. Если же подобный снимок сделать под углом авторского видения, художественно, оформить стилистически, то получится совсем другая работа. Направление, характер и сила авторского отклонения от «зеркальной», натуралистической, чисто отражательной фотографии и определяют стиль в фотопроизведении. Он может быть сугубо индивидуальным или соответствующим определённой школе, традиции, художественной программе. Характеристика фотостиля может быть ассоциативно-художественной.

С проблемой стиля тесно связан вопрос о национальном своеобразии фотоискусства. Различные направления в фотографии в разной степени обнаруживают зависимость от национальной культурной традиции. Так, например, репортажная или этнографическо-репортажная фотография непосредственно связана с культурной жизнью народа, с ритмом повседневной жизни, с душой народа в её каждодневных проявлениях. Другие направления, например художественно-конструктивное или декоративное, воспроизводят национальное содержание в художественно и эстетически отвлечённых формах. Все стили и жанры фотоискусства, все его национальные школы основаны на специфическом освоении мастером художественности мира.

Время в кадре не является однозначным, одномерным. Здесь выделяются два основных слоя, являющихся как бы синтетично слитыми. Эти слои – моментальность и монументальность, которые, несмотря на полярную соотносительность, взаимообусловлены. Художественный мир един в гармоничном единстве всех составляющих, всех деталей художественной фотографии.

Фотоискусство предполагает наличие фотографа-художника. От него требуется тщательная избирательность, особое личностное «видение», позволяющее отличать достойное внимания от внешнего, случайного, неполного. Не каждый отснятый кадр становится художественным произведением и, очевидно, не каждая плёнка даёт удачное фотопроизведение. Так же, как художник постоянно, ежедневно делает эскизы, фотохудожник тренирует свой глаз, своё фотовидение мира. Ежедневная работа позволяет отшлифовать технику исполнения и выработать устойчивые принципы морально-этического и эстетического отношения к возможным объектам фотоискусства. Фотохудожник должен обладать множеством качеств. Он должен быть психологом, постигать характер портретируемого, уловить момент его самораскрытия, уметь находить сокровенное самоизъявление в позе, мимике, выражении лица, фоне и ракурсе подачи, чтобы полнее раскрыть его внутренний мир и своё отношение к нему. Фотограф должен обладать глубоким знанием жизни, различных её сторон. Нельзя высокохудожественно снять разливку стали в мартеновском цехе, не представляя себе, хотя бы в общих чертах, технологии этого процесса. Фотограф обязан быть исследователем. Планомерно и последовательно работая над темой, создавая цикл произведений, мастер не просто фиксирует документальные моменты, со временем превращающиеся в историческую ценность, не только создаёт информативный банк изобразительных данных, который в зависимости от социологического, этнографического, исторического характера может быть по-разному использован, не просто создаёт художественное произведение, но и выступает как исследователь определённой темы, использующий такую интересную и богатую по своей познавательности и возможностям гносеологическую форму, как фотография. Она превращается при этом в способ художественного познания и оценки снимаемого явления.

В лице фотографа должен быть объединён и синтезирован человек техники и эстетики, человек, любящий точность, чёткость, и человек, подхватываемый порывом вдохновения, человек чувства и созерцания, умеющий видеть образность и гармонию. Фотохудожник выступает в роли летописца эпохи, что возлагает на него особую ответственность. Летопись обязывает художника быть гражданской совестью своего времени и своего народа, быть философом и историком в одном лице. Фотохудожник – одновременно и художник, и публицист, удовлетворяющий как эстетические потребности аудитории, так и её потребность в общественно значимом содержании и информации. В силу молодости фотографии фотохудожник является основоположником жанровых особенностей и традиций. Перед ним раскрывается неосвоенное поле, в котором нужно прокладывать пути и тропинки, намечать участки, разграниченные различными функциональными возможностями фотографии. Эстетика не даёт художнику рецепта и не обеспечивает гарантированный успех. Она лишь даёт ориентиры поиска, результат которого в конечном счёте зависит от таланта и труда автора. На конечной стадии творческого процесса эстетика помогает выработать художественную оценку снимка.

В развитии фотоискусства важную роль играет критика, в т. ч. теоретико-критическое мышление самих фотомастеров. Критика и теория при условии их авторитетности и компетентности могут прекратить дилетантские споры, мешающие и отвлекающие и фотографов, и зрителей. Для фотокритики важно всестороннее рассмотрение фотографии как социально-художественного феномена. К некоторым аспектам критического анализа относятся: социология фотографии (фотография как документ эпохи, фотопублицистика, способ межличностного общения и средство массовой коммуникации, публицистическое начало в фотографии; на этой основе можно найти и выработать критерии социальной значимости фотопроизведения); культурология фотографии (фотография как феномен современной культуры и её место в системе культурных ценностей; в этой сфере определяются критерии культурного значения фотопроизведения); психология фотографии (фотография как фиксированная зрительная память и фактор «присутствия» отсутствующего; этот аспект помогает выработать критерий личностной значимости); гносеология фотографии (выбор объекта и специфика его отражения в фотографии, безусловное и условное в фотографии, «приближение» и «отдаление» от реальности в фотографии; с этим связаны проблемы жизнеподобия – критерии художественной правды); аксиология фотографии (возможности субъективного отношения к объекту в фотографии, проблемы оценки изображаемого; на этом уровне формируются критерии оценки художественности); семиотика фотографии (язык фотоискусства, его алфавит, морфология, синтаксис, грамматика; здесь определяются критерии информативности); эстетика фотографии (фотография как эстетический феномен, образно-художественные возможности фотографии, эстетическое богатство мира и его художественное освоение в фотографии; в этом находят выражение критерии эстетической значимости).

С учётом различных аспектов художественной фотографии можно сформулировать её суть, попытаться дать определение фотоискусства. Фотоискусство – создание химико-техническими средствами зрительного образа документального значения, художественно выразительного и с достоверностью запечатляющего в застывшем изображении существенный момент действительности. В фотографии выкристаллизовалось несколько достаточно чётко очерченных напралений: этнографическо-социологическое, репортажное, плакатно-рекламное, художественно-конструктивное, декоративное, символическо-концептуальное, импрессионистское. Каждое из этих направлений выполняет свою специфическую, чётко определённую культурно-коммуникативную функцию. Данные направления взаимно не исключают друг друга. Один и тот же фотохудожник, как правило, работает в нескольких из них. Очень важно иметь в виду полуфункциональность художественной фотографии, чтобы, например, художественно-конструктивная её функция не отстраняла этнографическо-социологическую и наоборот, чтобы концептуальность фотовидения шла рука об руку с национальной традицией. Как любой вид искусства, фотография подчинена общим закономерностям развития художественного сознания и художественного миросозерцания. Художественный образ исторически вырастает на основе эмпирически воспринятой действительности и отражает становление и развитие культурно-смыслового опосредования между художником и внешним миром.

Развитие любого вида искусства можно рассматривать как самосознание своей собственной культурной функции, т. е. как становление художественного самосознания в рамках определённого вида искусства. Для фотографии это означает, что, соприкасаясь с современной действительностью в русле этнографическо-социологической, репортажной, плакатной фотографии, художник-фотограф с необходимостью продолжает развивать и углублять художественный образ в рамках символическо-концептуальной фотографии. В этом смысле концептуальная фотография как бы является итогом того художественного жизненно-личностного опыта, благодаря которому фотохудожник становится мастером и создаёт непреходящие ценности. Но из этого следует и другое: все направления и жанры художественной фотографии составляют целостную специфику фотографии как вида искусства, и только через понимание особенностей и художественных возможностей каждого из них возможно создание совокупного и цельного представления о фотографии как новом, современном виде искусства, кое в чём типичном для существующего понимания искусства, а кое в чём вносящем свои исторические и смысловые коррективы в понимание системы, взаимосвязей и функций видов искусства как в рамках художественной культуры, так и в рамках современной культуры вообще.




Похожая информация.